인류 사회가 언제부터 음악을 갖게 되었는지는 더 이상 조사할 수 없다. 그러나 예로부터 지금까지 음악에는 국경과 인종의 차이가 없다. 악기란 음악을 연주하는 도구이다. 앞서 언급했듯이 음악의 기원은 성대를 악기로 하는' 노래' 였지만 인간은 지혜의 발전과 함께 도구를 사용하기 시작했다. 소리를 이용하여 노래를 부를 뿐만 아니라, 관에다 구멍을 뚫거나 현을 다듬어 음악을 게임으로 연주함으로써 악기를 만들어 낸다. (윌리엄 셰익스피어, 템플린, 음악명언)
첫째, 현악기의 기원 전설
메르큐리 (Mercury) 는 그리스 신화 속 신들의 신이다. 그가 나일강변을 거닐고 있을 때, 발이 한 물건에 닿아 아름다운 소리를 냈다고 하는데, 그가 주워 보니 원래 빈 거북 껍데기 안쪽에 마른 힘줄이 붙어 있는 소리가 들렸다고 한다. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 희망명언) 머큐리는 이로부터 영감을 받아 현악기를 발명했다. 후세 사람들이 머큐리 이전에 이미 현악기가 있었다고 고증했지만, 이로부터 영감을 얻었을 수도 있다.
둘째, 관악기의 기원 전설
중국 고대 역사는 지금으로부터 5 천 년 전의 황제 시대를 묘사하는데, 영륜이라는 음악가가 있는데, 그는 서구 쿤화산에 들어가 대나무를 피리로 채취하였다. 당시 마침 다섯 마리의 봉황이 공중에서 날고 있었는데, 그는 그 소리와 법칙에 부합했다. 이 이야기도 완전히 믿을 수는 없지만 관악기의 기원에 관한 신비한 색채의 전설로 볼 수 있다.
셋째, 고대 중국 음악
중국 최초의 제왕인 황제는 오천 년 전에 역법과 문자를 창조한 명군이다. 당시 앞서 언급한 영륜 외에도 복희라는 음악가가 있었다. 복희가 인수 뱀의 몸이라고 하는데, 일찍이 모태에서 12 년을 낳은 적이 있다고 한다. 그는 50 현의 거문고를 연주했는데, 음조가 너무 슬퍼서 황제는 그 거문고를 반으로 꺾어 25 현으로 바꾸었다.
이 밖에도 황제 시대의 전설에는 신농이라는 음악가가 있었는데, 그는 농사를 가르치고 의약품을 발견했는데, 소수인이라고 한다. 그는 오현악기를 만들었는데, 당시의 음악이 5 음계를 사용한다고 상상한다면 당연한 것이다. (존 F. 케네디, 음악명언)
고대 중국 음악에 관한 책은 300 여 종에 못 미친다고 한다. 공자는 지금으로부터 약 2,500 년 전의 사람이고, 본인은 음악가이며, 음악에 관한 수필이 많다. 그는 일찍이 정식으로 피아노를 배웠고, 슬픔과 기쁨이 있을 때 모두 거문고를 어루만지며 제자를 전수했다. 그는 삼천 제자가 있다고 하는데, 그중 육예자가 72 명에 달한다고 한다. 공자의 가르침은 "시, 책, 의식, 음악" 이라고 불릴 수 있다. "의식" 은 천지 음양의 질서이고, "악" 은 조화를 이루는 것이다. 즉, 그의 철학에서 도덕과 음악은 같은 위치에 있으며 음악으로 덕성을 높이려고 노력하는 것이다. 공자는 구금을 매우 좋아하고 스스로 작곡할 수 있으며, 음악에 대한 평론도 논어에서 볼 수 있다.
한편, 고대 중국의 궁중 음악은 대부분 춤 음악, 즉 시, 춤, 음악이 어우러져 오늘날의 춤과는 완전히 다르다.
넷째, 이집트 아랍의 고대 음악
이집트 문명은 세계에서 가장 오래된 문명 중 하나이다. 제왕고분인 피라미드 내석벽의 조각에서 음악 연주의 성황과 음악 연주자의 대열, 조각에는 손가락으로 연주하는 하프 모양의 현악기, 각종 피리 악기가 있다.
아랍 등 지역의 기악도 상당히 발달하여 예로부터 한 옥타브 사이에 17 개의 음명으로 나누어진 특수 음계를 사용해 왔다.
다섯째, 고대 그리스 음악
그리스 음악의 기원도 신화 베일에 가려져 있다. 아폴로 신주 손바닥 음악, 그 아래에는 뮤즈 9 명 (Muse) 여신이 있다. 음악을 Music 이나 Musik 이라고 부른다. 그리스 악기에는 아울로스라는 V 자 모양의 이중관 피리, 리라 (Lyra) 라는 바이올린, 그리고 지틀라 (Kithara) 라는 비슷한 것이 있다.
여섯째, 순법의 생성
기원전 6 세기에 고대 그리스 철학자와 수학자 피타고라스는 현악기 (Monochord) 라는 단현악기로 순율 이론을 먼저 설명했다. 이것은 현의 길이에 따라 1 대 2 를 완전한 옥타브로, 2 대 3 을 완전한 5 도로 하여 당시 사용된 모든 음정을 계산한 것이다.
첫째, 기독교와 중세 음악
중세 시대의 유럽, 교회는 국가나 다른 사회그룹보다 더 강력한 통치권을 가지고 있다. 그 시대에는 철학을 포함한 다양한 학문과 예술이 교회에 봉사했고, 중세 음악은 기독교로 인해 이례적인 발전을 이루었다. 교회 음악에서 복조 음악의 형식을 창조하고 대위법을 완성했다. 악보를 처음 인쇄한 것은 교회가 미사를 위해 사용한 것이다. 건반 악기의 흥기와 그 교양법까지 교회를 떠날 수 있는 것은 하나도 없다. (아리스토텔레스, 니코마코스 윤리학, 지혜명언) 음악의 모든 이론에서 기보법, 합창 합주에 이르기까지 대부분 중세 교회의 유산이다. 오늘날의 교향악과 오페라의 내용은 대부분 세속을 묘사한 것이지만 중세 교회와는 무관하다고 할 수 없다.
교회 음악은 원래 유대인 왕국에서 전해 온 형식, 즉 찬송가를 부르고 성경을 낭송하는 형태를 고스란히 채택했을 것입니다. 순수한 성악이라고 상상할 수 있습니다. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 음악명언) 종교 음악은 예로부터 성악 위주로 되어 있는데, 성악에는 가사가 있기 때문이다. 반면 기악은 주로 세속음악으로 발전했다.
둘째, 로마식 음악
"로마 스타일" 이라는 단어는 주로 그 시대의 건축 용어에서 나온 것이다. 로마식 음악은 세계 예술사에서 가장 위대한 기념비식 유물 중 하나이다. 이런 음악은 화음도 반주도 없이 제창 형식을 위주로 교회 아트리움의 메아리를 통해 장엄한 화성감을 만들어내는 것이 특징이다. 순박하고 청려한 종교적 감정은 로마 스타일의 교회 건물과 완전히 일치한다.
로마식 음악은 중세 시대의 중요한 음악 형식 중 하나로, 그레고리 성영 (Gregorian Chant) 을 처음으로 떠받드는 대표적인 가톨릭 음악이다. 기나긴 중세 시대에 음악에서 가장 중요한 역할을 한 것은 바로 그레고리 성영이었다. 그것은 순수한 단멜로디의 노래였다. 그레고리 성영에는 이미 도리아 조식, 프리지아 조식, 리디아 조식, 혼합 리디아 조식 등 네 가지 교회 조식과 변격식이 있다. 16 세기가 되자 이오니아식 및 엘리아 조식이 생겨 오늘날의 크고 작은 음계를 형성하였다. 그레고리 1 세 시대에는 이미 로마에' 노래반' 이라는 교수인 성영의 학교가 설치되었는데, 이는 세계 최초의 음악학교 중 하나로 볼 수 있다.
암프로세우스 (Ambrosius, 340-397) 성영은 교회에서 부른 노래를 모아 교회 음악을 위해 칠음으로 구성된 네 가지 교회 음계, 듀엣 형식 등을 만들었다. 성영에서는 가사와 언어의 어세, 성조의 높낮이, 리듬과의 관계가 매우 이상적인 형식으로 해결되어, 매우 자연스럽고 완벽하게 종교적 감정을 표현하며, 이 시대까지의 음악예술의 총결산으로 볼 수 있다.
첫째, 고딕 스타일과 르네상스
13 세기 중후반부터 14 세기까지 유럽 사회가 르네상스 시대로 접어들면서 북유럽에서는 고딕 스타일의 예술이 등장했고, 고딕 스타일은 건축에서 가장 두드러지게 표현되었다. 음악에서 고딕 스타일은 한 시대를 대표하는 형태로 명확한 지형이 된 적이 없지만, 오간누임에서 시작된 복조 형식은 고딕 스타일의 특징을 상당히 분명하게 표현했다. (윌리엄 셰익스피어, 오페라, 음악명언) (윌리엄 셰익스피어, Norganum, Norganum, Norganum, Norganum) 12 세기 시대의 많은 경문가에는 장엄한 그레고리 성영의 고정 멜로디 외에도 춤 멜로디와 사랑 노래를 활용한 멜로디, 서로 다른 가사와 박자 * * * * 와 함께 부르는 형식이 있다. 둘째, 르네상스와 음악
음악상의 르네상스는 다른 문예 형식 (예: 문학 미술 등) 보다 약간 늦다.
대표적인 작곡가는 먼저 프란체스 랜디노 (Francescl Landino, 1325) 를 들 수 있습니까? )-1397), 그는 세 가지 다른 가사를 동시에 부르는 대담한 수법을 채택하여 목가와 서사곡을 많이 남겼다. 두페이 (Guillaume Dufay, 1400-1474) 는 사성부 수법을 완성했다. Organum (Organum) 의 복조 수법은 바흐를 정점으로 한 대위법 이론의 완성으로 이어졌다.
11 세기 말엽부터 13 세기 말엽까지 유럽에서 십자군 동정사건이 발생했다. 이 역사적 사건은 동서양 문화교류에 큰 영향을 미쳤다. 음악상의 두드러진 표현은 유음시인, 유음가수, 서정적 가수 등이 등장했고, 부르는 시 내용에는 발라드, 서사시식 이야기, 자연스러운 찬송가, 종교나 도덕적 내용 등이 있다. 악기로서 하프와 같은 작은 손금 또는 비올라족 내의 악기를 사용한다.
제 4 장 바로크 시대의 음악
첫째, 바로크 스타일
연대상으로는 대체로 16 세기 말에서 1750 년 사이의 음악을 바로크 음악이라고 부른다. 16 세기 말 엽, 음악사 최초의 오페라가 이탈리아 피렌체에서 상연됐고, 조반니 가브리엘리 (Giovanni Gabrieli, 1557 (? ()-1612) 중심의' 베니스 악파' 전성기. 1750 년은 대위법의 대가인 존 세바스티안 바흐가 사망한 해다. 바로크의 절정을 대표하는 대위법 음악은 바흐의 죽음으로 끝나는 것으로 볼 수 있다.
바로크 (Baroque) 라는 단어는 원래 모양이 흐트러진 진주를 뜻하는데, 처음에는 건축 방면에서 일종의 예술 형식을 나타냈다. 르네상스 시대의 예술은 그리스와 로마의 형식미를 최우선으로 한 것으로, 바로크 스타일은 완전히 새로운 표현이자 나중에 부상한 로코코 예술의 전제조건이다. (윌리엄 셰익스피어, 로코코, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언)
바로크 시대의 유럽 음악은 독일, 이탈리아, 프랑스 등 여러 나라를 대표하는 것으로, 이 시기에 음악 예술은 전례 없는 급격한 발전을 이루었다.
둘째, 바로크 시대의 독일 음악
바로크 시대의 독일 음악은 허츠, 바흐, 헨델을 대표한다고 할 수 있다. 중세 이후의 복조 음악을 피라미드에 비유하면, 그들의 음악은 바로 탑 꼭대기이다. 그들은 르네상스 이후 이탈리아의 새로운 음악을 흡수하고 새로운 길을 개척했다.
허츠 (Heinrich Schutz, 1585-1672 년) 는 바흐와 헨델보다 정확히 100 년 일찍 태어났고, 스물네 살 때 이탈리아로 유학을 가서 베니스악파의 거장인 가브리엘 (Giovanni Gabrieli, 1557-1612) 에 재학했다. 그는 독일로 돌아온 후 첫 독일어 오페라' 다프네' 를 발표했고, 또 많은 수난곡도 창작했다. 허츠의 스타일은 이후의 두 바로크 음악의 대가인 바흐와 헨델의 창작에 중요한 영향을 미쳤다.
헨델과 바흐의 음악 작품은 전통 음악을 통합하는 데 있어서든 새로운 사조를 따르는 데 있어서든 음악사에서 빛을 발한다. 헨델의 작품은 대부분 오페라와 청창극 음악으로 기악 작품에도 강한 성악 요소가 담겨 있는데, 이는 이탈리아의 영향을 받은 것이 분명하다. 바흐의 음악은 성악 작품에도 강한 기악 요소가 담겨 있어 앞으로의 고전주의 시대가 도래했음을 예고하고 있다.
셋째, 바로크 시대의 이탈리아 음악
오페라라는 위대한 예술 형식은' 음악의 요람' 인 유럽 문명 고국 이탈리아에서 탄생했다. 고대 도시 피렌체에는 많은 위대한 예술가들과 고대 그리스 예술에 관심이 있는 귀족들이 있었다.
이 귀족들은 그리스 연극에 새로운 생명을 부여하기로 결심했고, 그들은 오래된 그리스 이야기에 곡을 작곡하기 시작했고, 의상을 입고 공연을 하였으며, 전체 이야기는 한 합창단이 불렀는데, 이것은 의심할 여지 없이 오페라의 초기 형태였다. (윌리엄 셰익스피어, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라) 그 후, 이야기의 각 배역은 한 명의 가수가 불렀고, 합창 프로그램 사이에는 남녀 성악가가 각각 독창을 맡았다. 캐릭터의 말이 가볍고 가벼울 때 대사는 반창반설이다. 이런 노래는 거의 찬송가와 같다: 선서조라고 불린다. 강한 감정은 아리아라는 진정한 멜로디로 표현된다. 얼마 지나지 않아 아리아는 가수의 아름다운 목소리를 과시하기 시작했다. 그 당시, 오페라가 이탈리아에서 상연되든 영국이나 독일에서 상연되든, 그 아리아는 항상 이탈리아어로 노래를 불렀고, 그 서술 부분은 그 나라의 언어로 노래를 불렀다.
이탈리아의 바로크 음악에서 현악은 초기 오페라와 비교할 수 있다. 바이올린, 비올라, 첼로, 바이올린 등 현악기는 지금도 오케스트라에서 빼놓을 수 없는 악기이자 매우 중요한 실내악과 독주악기다. 바로크 시대의 이탈리아에서는 현악과 오페라를 결합하여 고대 서곡으로 발전하였다. 오페라의 서곡은 빠른 시작, 중간 느림, 그리고 마지막으로 빠른 종료와 같은 세 부분으로 이뤄져야 하는데, 이 형식은 나중에 협주곡과 교향곡의 기본 형태가 된다. 당시 고대 서곡과 협주곡은 모두 현악 위주였다. 이 시기 이탈리아는 토리리 (Giuseppe Torelli, 1650-1708), 콜리 (Arcagello Corelli, 1653-1713), 비탈리 1675-1743), 타티니 (Giuseppe Tartini, 1692-1770) 등은 모두 바흐 이전의 음악가로, 모두 바이올린 명사이자 바이올린 음악의 작곡가이다. 또한 아마티, 과르넬리, 스트라디발리와 같은 이탈리아의 바이올린 제작자들은 이탈리아 북부 알프스 지역의 크레모나 (Cremona) 사람들이며, 오늘날까지 무대에서 활발히 활동하며 전례 없는 예술적 매력을 뽐내고 있다.
넷째, 바로크 시대의 프랑스 음악
이 시기 프랑스에서는 파리를 중심으로 각지의 왕후 귀족의 저택을 배경으로 오페라와 고대 피아노 음악이 매우 성행하였다. 당시 프랑스 오페라는 이탈리아 오페라의 전통에서 벗어나 혼자 성장한 것은 무용극에 가까운 형태라고 할 수 있다.
바로크 시대 프랑스의 가장 대표적인 오페라 작곡가는 뤼리 (Jean Baptiste Lully, 1632-1687) 로, 그가 창작한 오페라는 간결하고 명료하며 멜로디가 듣기 좋았으며, 춤도 강하고 내용도 심오하며 맵고 유머러스한 수법을 많이 사용했다.
오페라와 동시에 성행하는 것은 고대 피아노 음악이다. 고대 피아노라는 악기는 종종 바로크 문화를 대표하는 장식으로 붙어 있으며, 깃털 건반 등과 함께 오늘날의 피아노의 전신이다. 이 분야에서 가장 유명한 대가는 쿠포란 (Francois Couperin, 1668-1733 년) 과 라모 (J.P.Jean Philippe Rameau, 1683-1764 년) 입니다. 라모가 1722 년에 출판한 화음학 개론은 음악사에서 가장 초기의 음향학 이론 저작이다.
첫째, 음악의 고전주의
고전주의의 싹이 바로크 시대의 이탈리아에서 발생했다. 나중에 비엔나에 하이튼, 모차르트, 베토벤 세 명이 등장해 고전주의 음악이 형성되었다. 따라서 음악 방면의' 클래식 음악파' 는 사실상' 비엔나 클래식 음악파' 를 가리킨다.
고전주의 예술은 우선 문예 분야에서 발생하는데, 그것은 그리스와 로마의 고전예술을 회복하는 것을 목적으로 형식상의 균형 잡힌 조화에 초점을 맞추고, 주로 객관적인 아름다움을 추구하는 데 초점을 맞추고 있다.
둘째, 초기 클래식 음악파
르네상스 이후 이탈리아에서 발흥한 주조 형식의 새 음악은 귀족 사회를 배경으로 독일과 오스트리아 각지에서 번영하기 시작했고, 초기에는 세 가지 주요 악파가 있었다. 제 1 파는 음악의 대가인 바흐의 둘째 아들인 카 피 바흐를 중심으로 한 베를린 악파이다. (윌리엄 셰익스피어, Northern Exposure, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 음악명언) 2 파는 존 슈타미츠 (Johann Stamitz, 1717-1757 년) 를 중심으로 한 맨하임 악파이다. 제 3 파는 와겐자르와 몬른을 중심으로 한 초기 비엔나 악파이다.
고전파 음악에서는 오페라도 중요한 부분이지만 전반적으로 고전파 음악의 특색은 기악, 특히 소나타와 교향곡 형식의 음악이다. 맨하임 음악파의 실내악과 교향곡은 비엔나 음악파뿐만 아니라 본 시대의 소년 베토벤에게도 직접적인 영향을 미쳤다.
소나타 형식은 고전 음악파 음악 중 매우 대표적인 형식이다. 즉, 전시부에서 제 1, 제 2 주제의 대비가 있고, 중간에 발전부가 나타난 다음 두 주제로 반복되는 재현부입니다. 맨하임 악파는 당시 상당히 완전한 이런 형식을 가지고 있었다. 교향악 형식에 작은 보폭 무곡 악장을 넣은 것도 맨하임 악파라고 하는데, 그들의 교향악 배급기에서도 목관 악기는 이중관 편제를 채택하고 있다. 모차르트는 자신의 교향곡에 클라리넷이라는 악기를 첨가했고, 맨하임이 그들의 밴드의 연주를 듣고 배운 것이다.
셋째, 비엔나 클래식 음악파
교향악의 아버지' 하이튼,' 음악 천재' 모차르트와' 악성' 베토벤을 대표하는 비엔나 클래식 음악파는 음악사에 불후의 기념비를 세웠다. 이 악파의 주요 특징은 인류의 보편적인 사상적 요구 사항, 아름다움을 추구하는 관념, 풍격의 고아함을 강조하여 사람들에게 낙관적이고 상향적인 진취정신을 주는 것이다.
첫째, 음악의 낭만주의
낭만주의라는 단어의 의미는 원래 로마어 (Roman) 로 쓴 이야기로 장편소설이나 기사 이야기, 그리고 나중에 레전드 소설 등을 가리킨다. 낭만주의의 예술상의 흥기는 우선 18 세기 문학에 나타난다. 작품에서 모든 개인의 감정, 재미, 재능을 완전히 무제한으로 표현하다. 작곡가가 자신의 취미를 강하게 표현한 것이다. 이것은 형식에 의해 지배되는 고전주의와 이론적으로 대립된다. 고전주의 음악은 선식이고 선명하다. 낭만주의 음악은 색채와 감정이 풍부하며 주관적이고 공상적인 요소가 많다. 그러나, 이것은 원칙적인 차이일 뿐, 사실 고전주의 음악에는 이미 낭만주의의 요소가 함유되어 있고, 낭만파의 작품에도 고전적인 내용이 많이 있다.
둘째, 낭만주의 음악의 형성
초기 낭만주의 음악은 다른 자매 예술과 마찬가지로 유럽의' 계몽시대' 에서 나온 사상이 프랑스 혁명과 관련된 자유민주주의 사상이 문학의 낭만주의보다 약 수십 년 늦었다. 베토벤의 말기 작품은 이미 초기 낭만주의의 선구자가 되었으며, 이후 작곡가들은 낭만파로 나눌 수 있다. 시대상으로 볼 때, 19 세기 중엽은 그 전성기이다.
셋째, 낭만주의 음악의 대표 인물
사실 고전파 작곡가 베토벤, 로시니, 웹의 후기 작품에서 낭만주의 음악의 풍격이 뚜렷이 드러난 것은 바로 그들이 낭만파의 선례를 창조한 것이다.
1800 년 전후로 태어난 작곡가들이 초기 낭만주의의 중심을 형성했다. 대표 초기의 낭만파 작곡가로서 슈베르트와 베를리오즈 두 사람을 거론할 수 있다. 그들은 모두 글루크, 하이튼, 모차르트, 베토벤의 전통에서 출발하여 각자 자신의 유파를 형성했다.
이후 낭만주의 음악은 멘델슨, 슈만, 쇼팽, 윌디 등의 보완을 거쳐 차이코프스키, 리스터, 바그너 시대에 최고조에 달했다. 이 일련의 작곡가와 피아니스트들은 중기 낭만주의의 중심을 이루고 있다. 말러, 리처드 슈트라우스, 라흐마니노프 등 근대 명가의 작품은 음악사에서 후기 낭만주의 음악으로 귀결된다.
넷째, 낭만주의 음악의 역사적 지위
음악사에서의 낭만파의 지위는 이 시기에 위대한 음악가가 많았을 뿐만 아니라, 음악 장르가 전무후무한 것으로, 무사곡, 야곡, 예술곡, 서사곡, 교향시 등 새롭고 색다른 형식이 등장해 인류 예술사의' 보물 창고' 였다.
낭만주의 음악도 다리다. 웹은 글루크와 모차르트의 전통을 받아들여 근대의 바그너로 전해졌다. 슈베르트는 기악 방면에서 베토벤의 후계자이지만, 그의 낭만주의 예술 노래는 슈만과 울프를 거쳐 지금까지 전해졌다. 베요즈의 제목 음악은 베토벤의' 전원' 교향곡에서 나왔고, 나중에는 근대 프랑스의 인상주의와 연관이 있다.
첫째, 민족 음악파의 형성
19 세기 중엽에는 동유럽, 북유럽, 러시아의 많은 음악가들이 서유럽의 낭만주의 음악 창작의 영향을 많이 받았지만, 실제로는 자국의 특색을 지닌 음악 창작에 더 많은 관심을 기울였습니다. 이로 인해 자국민의 국민적 성격, 소망, 삶을 표현한 훌륭한 음악 작품들이 많이 생겨났다. 바로 그들입니다. 이 상대적으로 독립된 음악파, 즉 민족 악파를 세우고 발전시켰습니다. 이 악파는 어느 시간대에 속하는 것이 아니라, 이 악파는 * * * 같은 미학 규범을 가지고 있어 음악사에서 하나로 분류된다.
협의상의 민족악파는 체코 뮤지션 스메타나, 드워샤크, 노르웨이 뮤지션 그리그, 핀란드 뮤지션 시벨리우스의 네 명의 대표인물만 포함한다. 넓은 의미의 민족 음악파는 이 네 명의 음악가들 외에도 러시아 음악가 그린카와 러시아의' 강력한 5 인그룹' (바라키레프, 림스키-코사코프, 무솔스키, 보로딘, 주이) 을 포함한다. 일부 음악 이론가들은 러시아 뮤지션 차이코프스키, 폴란드 뮤지션 쇼팽, 헝가리 뮤지션 리스터 등이 로맨틱한 악파와 민족악파에 모두 속해야 한다고 생각한다.
이렇게 말할 수 있다. 한 작곡가가 자신의 나라의 민간 노래와 춤에 그의 음악을 건립하거나, 혹은 각종 음으로 그것의 전설이나 풍경을 표현하려고 노력할 때, 그는 바로 민족주의음악이라는 것을 창작하고 있다.
둘째, 러시아 민족 음악파
러시아는 지구 표면의 6 분의 1 을 덮고 있는 광활한 나라이다. 북방에서는 아마색 머리의 거인들이 고독한 노래를 부르며 빙해에서 물고기를 잡고 얼어붙은 바다에서 밍크를 사냥하여 세계의 명국 왕자를 위해 가죽 가운을 만들었다. 남방에서는 어두운 피부를 가진 사람들이 아시아에서 이 산속으로 와서 그들의 이상하고 거친 춤을 추었다. 빈부분화, 내전이 끊이지 않는 이 민족은 예나 지금이나' 다재다난' 이라는 인상을 주고 있다. 바로 이런 운명이다. 이 민족은 깊고 우울한 기질, 열정적이고 분방한 민간 문화, 승부욕이 강한 민족정신을 지녔다.
"러시아 음악의 아버지" 그린카부터' 러시아 악성' 차이코프스키를 거쳐 금세기 음악계에서 끊임없이 활동하는 수많은 러시아 작곡가, 연주가, 지휘자까지 그들이 창작하거나 표현한 음악 언어는 모두 러시아 민족의 정수를 스며들고 있다.
셋째, 체코 민족 음악파
체코는 중앙유럽과 동유럽이 접해 있는 곳에 위치해 있으며, 경내 산천은 가로세로와 경치가 아름다우며, 민족춤도 중앙유럽과 동유럽의 특색을 겸비하고 있다. 스메타나와 드보샤크의 두 대음악가의 작품에서 조국에 대한 무한한 사랑과 애착을 실감할 수 있다.
그들의 작품은 본민족 무용음악의 영향을 깊이 받아 조국의 산천 대지 등 자연경관을 짙은 색채와 애틋한 필치로 묘사하였다.
두 명의 거장 외에도 체코는 피비히 (1850-1900), 제나크 (1854-1928), 수크, 델드라 등 유명한 음악가를 낳았다.
넷째, 북유럽 민족 음악파
이 악파는' 스칸디나비아 민족 악파' 라고도 불리며 그리그와 시벨리우스를 대표한다.
노르웨이의 그리그는 낭만주의 음악의 영향을 받아 본 민족 음악의 정수와 결합해 독특한 스타일을 형성했다. 그의 작품은 자연을 묘사하는 것을 위주로, 비록 민족 음악의 특색이 충만하지만, 어떤 민요의 선율도 그대로 베끼지 않고, 열정을 창작에 융합하여, 진실한 창작에서 민족적 성격을 드러낸다.
핀란드의 시벨리우스는 애국적인 열정으로 가득 찬 음악가로, 그의 중요한 작품들은 대부분 민족 독립을 쟁취하는 경향을 반영하고 있으며, 강한 호소력과 선동성을 가지고 있다. 그는 베토벤을 숭상하는데, 작품에서는 늘 베토벤 음악적 성격과 비슷한' 투쟁성' 을 드러낸다. 후세 사람들은 시벨리우스가 베토벤에 이어 가장 중요한 교향악 작곡가라고 생각한다.
다섯째, 다른 민족 음악파
각 나라의 민간 음악에는 세계 어느 나라와도 다른 곡조와 리듬이 있다. 예를 들어, 스페인의 음악에 익숙해지면, 나중에 쟁반과 발꿈치의 찰칵 소리로 상징되는 흥미진진한 리듬을 듣게 되면, 우리는 그것이 다른 음악이라고 착각하지 않을 것이다. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 음악명언) 스페인은 탱고 춤, 호타 춤, 볼로 춤, 아라곤네즈 춤, 마라 귀납춤 등 춤의 땅이다. 매력이 있는 것 같고, 이런 음악은 많은 작곡가들을 감염시켰다. 위대한 스페인 작곡가 파야, 알베니즈, 그라나도스, 후세 사람들에게' 기타 음악사의 쇼팽' 으로 칭송받는 기타 연주가 테레가 등은 모두 창작에 스페인 민족 음악의 특색을 대량으로 융합해 스페인 민족 악파의 창시자가 되었다.
금세기 상반기까지 스페인 민족 악파와 밀접한 관련이 있는 라틴 아메리카 민족 악파도 세계 음악 발전에 큰 영향을 미쳤다. 대표적인 인물은 멕시코 작곡가 폰세, 브라질 작곡가 윌라 로버스, 베네수엘라 작곡가 로로 등이다.
19 세기 말부터 제 1 차 세계대전까지 음악사에서' 근대 음악' 시대라고 불릴 수 있었다. 이 시기에 인상주의 음악으로 대표되는 몇 가지 음악 유파는 음악사에서 말기 낭만주의에서 20 세기 현대 음악으로의 전환을 실현하였다.
첫째, 인상주의 음악의 형성
인상주의 음악은 19 세기 말에 생겨났으며,' 상징주의 문학' 과' 인상주의 회화' 의 영향을 받아 나타난 음악 유파이다. 이 유파의 음악가는 이전의 낭만주의 음악가와 큰 차이가 있다. 그들은 음악을 통해 실제 생활의 그림을 직접 묘사하지 않고, 그 그림들이 우리에게 주는 감정이나 인상을 더 많이 묘사하며 신비롭고 은은한 분위기와 색조를 드러낸다.
인상주의 음악의 대성을 집필한 두 음악가는 모두 프랑스인 드뷔시와 라웰이다. 또 프랑스 작곡가 두카와 이탈리아 작곡가 레스피키도 인상파 음악의 대표적 인물이다.
둘째, 프랑스 인상주의 음악
다른 프랑스 작곡가들의 작품처럼 드뷔시의 음악은 절대 음악이 아니라 제목 음악이다. 19 세기 말 프랑스에는' 인상주의자' 라는 화가와 시인이 있었기 때문에 프랑스의 유명한 작곡가 드뷔시는 음악으로' 인상주의자' 가 그림으로 얻은 것과 같은 효과를 얻으려고 애썼다. 이런 인상주의 예술가가 그린 것은 생활의 아름다움이 아니라 몽환적인 아름다움, 무지개 단말기의 금 더미처럼 먼 곳의 아름다움이다. 드뷔시는 새로운 화성과 음악을 사용하는 방면에서 현대 음악의 선구자이다.
드뷔시는 그의 괴상하고 세속적인 음악을 지었는데, 주로 반음관계가 전혀 없는' 전음계' 와 공기 중에 진동을 전혀 들을 수 없는 많은' 범음' 을 사용했다. 그는 또한 오케스트라에서 다양한 악기의 다양한 조합을 사용하여 부드럽고 반짝이는 음향 효과를 낸다. 처음에는 사람들이 그의 음악에 곤혹스러웠고, 그것을 어떻게 이해해야 할지 몰랐지만, 일단 귀에 거슬리면 그것을 매우 좋아하게 될 것이다. (존 F. 케네디, 음악명언)
드뷔시를 모방한 가장 중요한 작곡가는 그의 동족인 라웰이었지만, 라웰은 드뷔시처럼 전음계와 이상하게 들리는 화음을 그렇게 많이 사용하지 않았다. 오케스트라에서 이렇게 많은 음색의 명암을 추출하는 방법을 더 잘 아는 작곡가는 한 번도 없었을 것이다. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 음악명언) 예를 들어,' 폴레로 댄스' 에서 그 리듬은 처음부터 끝까지 똑같다. 그 멜로디는 반복된다. 이 스페인 댄스곡 형식의 변화와 재미는 라웰의 힘에 대한 숙련된 사용 (가벼운 것에서 가벼운 변화에 이르기까지) 과 음색에 대한 교묘한 결합에서 비롯된다.
셋째, 인상주의 음악의 영향
인상주의 음악은 낭만주의 음악에서 현대 음악으로의 전환의 다리 중 하나이다. 이 악파는 주로 19 세기 말부터 20 세기 초까지의 프랑스에 집중되어 있지만, 이런 스타일은 근현대 음악의 발전에 있어서 헤아릴 수 없는 역할을 한다. 이후 20 세기 음악의' 표현주의',' 12 음체계',' 서열 음악' 등 여러 유파가 인상주의 음악의 영향을 어느 정도 받았다.