레이 찰스와 노라 존스가 제가 가장 좋아하는 작품이에요!
영화 속 재즈 가수 왕가위의 '화양연화'는 고대 재즈 가수 냇 킹 콜을 갑자기 중국 관객들을 매료시켰습니다. '진주만'에서 공군소년들이 전쟁에 나가기 전 간호사와 함께 모이는 훈훈한 장면을 담아낸 것은 바로 재즈였다. 또한 "Casablanca"의 슬픈 "Time goes by"와 "The Bridge of Lost Dreams"의 남자 가수 조니 하트만이 부른 "For All We Know"와 "I See Your Face Before Me"도 있는데, 이 곡은 강렬한 여운을 갖고 있다. 다이애나 워싱턴이 부른 블루지한 노래 "Soft Wind", "Sleepless in Seattle"의 루이 암스트롱의 재즈곡 "Makin' Mhoopee", 미국 가수 베넷의 "Not Mine" Look Tonight의 "The Way You", "They Can't" 니콜라스 케이지 주연의 "러브 인 뉴욕", 코폴라의 "코튼 클럽", 마틴 스코세이지의 "택시 드라이버"에서 비극의 디바 빌리 홀리데이가 부른 Take That Away From Me...재즈 사운드트랙이 포함된 영화는 셀 수 없이 많습니다. 다문화 음악 시대에 재즈 요소가 점점 더 많이 채택되고 있는 음악은 팝 음악, 록 음악, 클래식 음악, 세계적으로 인기 있는 힙합 음악 모두 재즈의 그림자를 띠고 있습니다. 라디오헤드의 신작 'KID A', 케니지의 색소폰, 도우웨이의 번역밴드, 순자의 새 앨범 '...and music's there...', 딩웨이의 'Butterfly with Broken Wings'…사실 재즈의 독특한 매력 점점 더 많은 사람들에게 친숙해지고 사랑받고 있는 재즈란? 간단히 말해서 재즈는 하이브리드 음악 장르입니다. 이는 미국 민요, 흑인 영적 노래, 다양한 마을 민요에서 찾아볼 수 있습니다. 이 "칵테일" 스타일의 음악은 유래된 지 100년도 채 되지 않았습니다.
1. 재즈 기원의 배경문화 (1) 아프리카 기원 재즈는 흑인음악에서 유래하며, 흑인음악의 고향은 아프리카음악이다. 아프리카 문화에서 음악은 삶에 대한 전체적인 이해에 바탕을 두고 있으며, 어디에나 존재하며 종교에 봉사할 뿐만 아니라 출생, 노년, 질병과 죽음, 일과 오락을 포함한 삶의 모든 측면에 봉사합니다. 원시적인 야생이 가득한 대륙 아프리카의 음악에서 가장 두드러지고 중요한 요소는 바로 리듬이다. 원주민들이 연주하는 북은 뜨거운 태양 아래 자연스럽게 불타는 리듬을 만들어냈습니다. 결과적으로 이 리듬은 아프리카 음악의 핵심이 되었고, 그 독특한 생명력과 강한 호소력으로 인해 전 세계에서 듣는 모든 사람이 아프리카의 역동적인 영향을 깊이 느낄 수 있게 되었습니다. 아프리카 음악 전통은 "구전적"이고 녹음되지 않았으며 관습에 얽매이지 않고 지역적 풍미를 갖고 있습니다. 구전 전통은 유연성과 창의성을 낳습니다. 리드싱어의 기분에 따라 리드미컬한 가사가 변화한다. 리드 싱어는 (종종) 공연 중에 새로운 가사와 곡을 만들어냅니다. 즉, 아티스트가 자신의 두뇌와 심장으로 창조하는 것입니다. 아프리카 음악의 또 다른 뛰어난 특징은 연주 중 리듬의 변화이다. 일반적으로 어택이 지연되고 음절이 무작위로 강조됩니다. 18세기부터 19세기까지 흑인 노예 무역이 번창했습니다. 아프리카 전역의 많은 흑인들이 아메리카 대륙으로 인신매매되었으며, 그들 중 대부분은 노예로 봉사했습니다. 흑인 음악 문화유산은 백인 식민지인들이 그것을 전국으로 수송하면서 심각한 피해를 입었습니다. 노예제도의 억압 속에서도 그들은 자신들의 문화를 끈질기게 유지해왔습니다. 춤, 음악, 신화, 종교의식 등과 마찬가지로 단어, 리듬, 스타일을 '자유롭게 수정'하는 경향이 점점 더 뚜렷해지고 있습니다. 이것은 그들의 민족 문화에서 가장 귀중한 것이며, 대대로 전해 내려온 후 마침내 그 핵심 부분이 살아 남았습니다. 노예 해방 이후 이러한 전통 문화는 새로운 방식으로 발전했으며, 결국 지배적인 백인들의 음악 문화에 특별한 흔적을 주기도 했습니다. (2) 관용적인 문화적 분위기. 아프리카 음악의 전통적인 리듬과 즉흥성은 흑인음악의 뿌리이다. 흑인 음악이 미국 주류 음악에 완전히 영향을 미치기 전에는 백인 미국 음악은 멜로디에 관심을 기울이지 않았습니다. 한 걸음 더 나아가 아프리카 음악은 단지 리듬에만 국한된 것이 아닙니다. 정통 아프리카 음악은 적어도 리듬만큼 멜로디에도 많은 관심을 기울입니다. 아프리카계 미국인 음악에서 리듬의 특별한 지위는 초기 백인 노예 소유주들이 흑인들이 노래하고 피아노를 연주하는 것을 허용하지 않았다는 사실과 관련이 있습니다.
흑인 음악이 미국에 처음 들어왔을 때 크게 제한을 받았지만, 아프리카 음악을 수용할 수 있는 곳은 늘 존재했습니다. 뉴올리언스는 공교롭게도 그러한 정치적 입장에 있습니다. 그래서 필연적으로 재즈의 발상지가 될 것이라고 결정했습니다. 19세기 후반부터 20세기 초반까지 뉴올리언스는 아마도 미국에서 가장 미국적이지 않은 도시였을 것입니다. 미시시피 강 어귀에서 80마일 떨어진 곳에서 멕시코 만으로 변합니다. 스페인, 프랑스, 노바스코샤(캐나다 지방의 이름), 아프리카 등 다양한 문화가 혼합된 곳입니다. 매우 개방적이고 관대하며 자유롭고 따뜻합니다. 뉴올리언스는 재즈의 탄생과 발전에 중요한 역할을 했습니다. 18세기 전반에 걸쳐 뉴올리언스는 독특한 "3-no-no" 자유 지역이었습니다. 프랑스와 스페인은 뉴올리언스를 앞뒤로 양도했고, 주는 관할권에서 너무 멀어서 1803년까지 식민지 주민들이 왕래하는 것처럼 보였습니다. 미국 정부는 이를 700만 달러에 구입했습니다. 이곳의 프랑스와 스페인의 통치는 느슨하고 약했습니다. 많은 흑인 아프리카인들이 미국 남부와 카리브 제도의 노예 소유주로부터 뉴올리언스로 도망쳤고, "자유 흑인"이라는 특권적이고 독특한 지위를 누렸고 일자리를 찾고 공부할 수 있었습니다. , 지역 백인과 교류, 결혼 등 어떤 면에서든 제한이 없습니다. 결혼이 일반적이기 때문에 그들의 후손은 여기서 "크리올"(부모 중 한 명은 아프리카인이고 다른 한 명은 스페인인 또는 프랑스인)이라는 지배적인 계층을 형성합니다. 19세기 초에 크리올인들이 태어났다. 18세기 말과 19세기 초 뉴올리언스를 통치하던 프랑스인들은 백인과 거의 같은 사회적 지위를 누렸다. 특히 프랑스와 스페인의 사업가들과 전문가들이 모국에서 피아노와 피아노를 가져와 뉴올리언스에 도착한 후에도 계속 활동할 수 있도록 했습니다. 바흐, 모차르트, 슈베르트의 음악을 즐기기 위해. 대부분의 상인 가족은 부유하고 교육을 받았으며 악기에 능숙하며 나중에 전통을 보존해 온 오랜 역사를 가지고 있습니다. 현지 사람들(아프리카인과 크리올인)은 그들과 자유롭게 교류했고 그들의 음악과 예술에 영향을 받았습니다. 부자들은 젊었을 때 재능 있는 크리올인들을 유럽 음악 학교에 보냈습니다. 그래서 그들이 받은 것은 19세기 말이었습니다. 19세기에는 많은 흑인과 크리올 음악가들이 오페라를 부르고 현악기를 연주하여 후원자와 그들 자신에게 문화적 영감을 주었습니다. 그들 중 음악가들은 대부분 악보조차 모르는 가난한 사람들이었습니다. 상황에 따라 두 개의 서로 다른 음악 그룹이 뉴올리언스에서 나타났습니다. 하나는 시내에서 공연하는 "즉흥 밴드"였습니다. 일반적으로 1894년에 이 패턴은 갑자기 극적으로 바뀌었습니다. 정부는 흑인과 크리올인을 유색 인종으로 분류하고 분리를 실시하는 "아파르트헤이트 정책"을 발표했습니다. 이러한 감소는 크리올인 사이에 큰 불만을 불러일으켰고 객관적으로 그들을 좋은 음악 교육을 받은 크리올인과 흑인 음악가들에게 더 가깝게 만들었습니다. 함께 모여 음악을 공부하고 토론한 크리올인들은 원래의 아름답고 차분한 유럽식 음악을 포기하고 차별에 항의하기 위해 의도적으로 음악을 더 크게, 더 길게 만들었습니다. , 서로 다른 나라의 사람들이 자유롭게 소통하고 결혼했으며, 또한 자신의 음악을 뉴올리언스 음악에 혼합하여 미국 주류 음악 전통과는 매우 다른 하이브리드 음악을 만들었습니다.
2. 재즈. 직접적인 유래 (1) 블루스(BLUES) 블루스 음악은 미국에서 어려운 삶을 살던 흑인들이 만들어낸 음악 스타일로, 미국 남북전쟁이 선포된 20세기 초 미시시피강 삼각주에서 탄생했다. 결국, 노예였던 사람들은 삶의 자유를 얻었고, 그들 대부분은 문맹이었고 여전히 가난하게 살았으며, 목화를 따거나 길을 만들 때 부르는 노동 노래와 농가 등 고국에서 재배된 음악으로만 즐겁게 살았습니다. 미국 남부에서 흑인과 백인의 초기 음악적 접촉을 위한 중요한 매체 중 하나는 종교음악으로, 이는 흑인들의 음악에 영향을 미쳐 흑인 찬송가를 형성했습니다. 교회에서는 흑인 목사들이 사람들의 문맹 문제를 해결하기 위해 종교 모임에서 찬송가 2~3줄을 반복해서 낭송하는 '칸토링(Cantoring)'이라는 기법을 사용하는 영국 관행을 차용했다. 처음에 이 음악은 악기 반주가 거의 없이 전적으로 인간의 목소리로 노래되었습니다. 나중에 이 음악은 (적어도 유럽인들에게는) 정식이 되었고, 주의 깊게 녹음되었으며 정기적으로 연주되었습니다. 종교적 흑인들(종종 신비한 신학과 성스러운 매너에 무지함)도 음악을 연주했지만 신부가 기대했던 만큼 많지는 않았습니다.
흑인 교회의 찬송가에는 아프리카 음악 용어가 많이 등장합니다(이렇게 진지한 음악). 신부는 서아프리카 음악의 선창가이기도 하며 노래 스타일은 활기차고 신나며 독특합니다. 길고 다양한 음절과 구호와 합창의 패턴은 함성과 자발적인 감정의 폭발과 함께 흑인의 신에 대한 헌신에 독특한 보탬이 됩니다. 19세기 후반에는 흑인 음악 스타일이 급속히 발전했으며, 유럽 출신의 백인 미국인들이 가져온 전통 음악도 영향을 받아 독특한 흑인 스타일이 형성됐다. 블루스 음악이 등장했습니다. 블루스는 원래 주로 사람의 음성 내레이션이었으며 나중에 악기 반주를 추가했습니다. 주로 기타나 밴조 등의 단일 곡으로 반주하며, 기악의 선율과 가수가 교대로 연주한다. 분명한 리듬적 특성을 갖고 있으며 집단 즉흥 연주의 특성을 유지하고 있습니다. 1920년대 블루스는 독특한 가사와 조화로운 리듬, 멜랑콜리한 멜로디를 선보이며 점차 등장했다. 블루스 음악은 계속해서 반복되다가 결정적인 대사로 끝나는 시적 언어가 많이 포함되어 있다. 멜로디의 진행은 코드를 기반으로 하며 I, IV, V의 3개의 코드를 메인코드로 하여 12마디 패턴이 반복됩니다. 멜로디에서는 주음의 3도, 5도, 7도를 반음 낮추어 씁쓸하면서도 감성적인 느낌을 줍니다. 블루스는 음악 형식으로서 단순해 보이지만 실제로는 거의 무한한 변주를 가질 수 있습니다. 블루스는 항상 모든 종류의 재즈에서 중요한 부분이었으며 성공적으로 독립적인 존재를 유지해 왔습니다. 블루스는 가수의 개인적인 감정을 표현하기 위해 만들어졌다고 할 수 있으며, 음악가에게 자신의 사랑, 미움, 일에 대한 태도 등을 표현할 수 있는 기회를 제공한다고 할 수 있습니다. 유명한 블루스 가수 브라운 맥스(Brown Max)는 "나는 결코 상상력을 사용하여 음악을 쓰지 않습니다. 블루스는 꿈이 아니라 현실입니다. 블루스 자체는 정신 상태이고 서민을 위한 음악이며 삶의 음악입니다."라고 말한 적이 있습니다. 그리고 그 내용에는 많은 것이 포함되어 있으며 불의에 대한 저항, 아름다움과 사랑에 대한 갈망, 좌절 후의 좌절, 동시에 유머, 자기 비하, 때로는 눈물까지도 포함됩니다. (2) Ragtime REGTIME 음악 자체에는 색상 구분이 없습니다. 민스트럴은 원래 얼굴을 검게 칠하고 흑인 음악가의 노래를 모방하고 왜곡한 백인이었습니다. 시골의 가난한 백인 음악가들은 종종 유럽과 프랑스어를 사용하는 이민자 음악의 민요를 연주했습니다. 남북 전쟁이 끝나고 군인들이 고향으로 돌아온 후 상대적으로 저렴한 군용 음악이 가능해졌고, 기악 계급의 성장은 흑인 음악이 점점 성숙해졌음을 의미했습니다. 흑인 미국인들이 일하기 위해 멤피스나 뉴올리언스 같은 도시로 이주하면서 블루스는 점차 도시적인 현상이 되었습니다. 1900년, 음악의 상호융합과 침투로 인해 뉴올리언스에서는 이른바 '뉴올리언스파(New Orleans School)' 음악이 형성되었으며, 이를 '래기드 에라 뮤직(Ragged Era Music)'이라고 부른다. 앞서 언급했듯이 많은 흑인과 크리올 음악가들은 매우 재능이 뛰어납니다. 유럽의 클래식 음악과 민요를 연주하는 그들의 기술은 훌륭하다. 당시 이 음악가들은 매음굴과 선술집에서 음악적 이해력이 거의 없는 사람들을 대상으로 연주했습니다. 술에 취한 분위기 속에서 그들은 곡을 수정하고 자작곡까지 만들기 시작했다. 피아니스트에게는 고정된 형식에서 마음대로 벗어날 수 있는 자유가 주어졌습니다. 그들은 거의 복수심으로 이런 일을 합니다. 긴 공연 시간(이른 저녁부터 이른 아침까지)으로 인해 이러한 느슨한 연예인들이 엄격한 음악적 기준에 지루함을 느끼고 새롭고 흥미로운 운율 패턴을 만들기 시작했다고 짐작할 수 있습니다. "매음굴" 피아니스트에 의해 "노년 음악"의 특징인 "싱코페이션"과 "즉흥 연주"라는 두 가지 모드가 개발되었습니다. 20세기 초에 "래그 타임 음악"이 뉴올리언스 재즈 선구자 음악의 지배적인 스타일로 등장했습니다. "노년기 음악"은 독특한 피아노 연주 스타일로 정의되기 시작했습니다. 복잡하고 리드미컬하게 엄격하며 클래식 음악을 세련되게 "인용"합니다. 그러나 하급 흑인과 크리올 피아니스트의 손에서는 클래식 음악의 엄격한 리듬이 붕괴되거나 심지어 완전히 무너지는 모습이 다소 장난스러워 보이기 때문에 래그타임이라는 이름이 붙여졌다. 래그타임의 황금기는 대략 1898년부터 1908년까지였지만, 실제로 그 기간은 매우 길고 그 영향력은 무궁무진했습니다.
3. 재즈의 발전 과정. 초기 재즈(1900-1917) 레퍼토리에는 32마디와 4프레이즈로 구성된 AABA 팝송 스타일의 곡이 포함되어 있습니다. 악기 블루스 곡 12마디. 래그타임의 하모니 리듬은 다른 두 리듬보다 빠른 경향이 있습니다. 블루스 음악은 가장 느린 화성 리듬을 가지고 있지만, 솔로 멜로디 라인에는 더 많은 굴곡, 다양한 어택, 많은 음높이 변화가 있습니다. 초기 재즈 밴드 구성에는 평균 8명의 음악가가 있었습니다. 뉴올리언스 스타일 재즈 밴드의 정규 형식에 두 개의 추가 악기가 추가됩니다. 때로는 코넷과 리듬악기가 추가되기도 하고, 때로는 바이올린이 리더로 추가되기도 합니다. 공연 중에는 솔리스트뿐만 아니라 밴드의 모든 멤버가 즉흥적으로 연주해야 합니다. 코드 진행 구조에 의해서만 제한되는 자발적인 상호 겸손과 협력을 통해 이 새로운 사운드는 20세기 초반의 모든 청취자에게 "재즈"로 인식되었습니다. 1917년에 "JAZZ"라는 용어가 처음으로 사람들의 삶에 나타났습니다. 올해는 "재즈의 해"로 인식됩니다. 이때부터 흑인 클래식의 일종인 재즈는 점차 현대 대중음악계 전반에 영향을 미쳤다. 당시 재즈 음악은 아직까지 좋은 이론을 형성하지 못했고, 우아함의 전당에 들어오지도 못했습니다. 그러나 시간이 지남에 따라 재즈 음악가들은 자신의 지속적인 탐구와 혁신에 의존하여 완전한 재즈 음악 이론 세트를 형성하고 크고 작은 12개 이상의 재즈 음악 분류 및 스타일을 만들어 점차 세계에서 가장 인기 있는 음악 중 하나가 되었습니다. 음악당. 주류 음악. 어떤 선지자들은 “향후 50년 안에 음악은 더욱 완전히 변할 것이며 크게 비즉흥음악과 즉흥음악으로 나뉘게 될 것이며 후자의 대표적인 것이 재즈음악이 될 것”이라고 말하기도 했다. 언제나 음악을 끊임없이 뒤집으며 재즈에 활력을 불어넣는 그룹. 재즈는 20세기 초부터 제1차 세계대전까지 뉴올리언스의 지역 음악 형식으로 남아 있었습니다. 1920년대는 재즈의 인기로 인해 "재즈 시대"로 불렸습니다. 백인들로만 구성된 유명한 "오리지널 딕시랜드 재즈 밴드"의 집단 즉흥 연주가 대유행했습니다. 뉴 올리언스 재즈의 모델 인 "Creole Jazz Band"와 그 소울 코넷 연주자 Louis Armstrong의 출현은 재즈를 다시 썼고 집단 앙상블은 개별 솔로 형태로 전환하기 시작했습니다. 1930년대와 1940년대 클라리넷 연주자 베니(Benny). 베니 굿맨(Benny Goodman)이 이끄는 재즈는 '스윙 시대'라고도 알려진 '빅 밴드 시대'에 진입했습니다. 이 기간 동안 재즈는 댄스를 주요 기능으로 하는 대중 음악의 주류가 되었습니다. 스윙 음악은 원래의 밴드 구조를 깨고 밴드 멤버 수를 20명, 30명으로 늘리고 밴드를 색소폰으로 나누었는데, '블루스'가 합쳐져서 '클래식 블루스'가 탄생한 것입니다. 1940년대 중반부터 스윙음악은 음악적으로 새로운 사상이 부족하기 시작했고, 백인 관객을 즐겁게 하기 위해 때로는 예술적 정체성을 잃어버리기도 했다. 그러므로 색소폰 연주자 Charlie를 예로 들어 보겠습니다. 찰리 파커(Charlie Parker)로 대표되는 비밥 재즈는 재즈의 전성기라 할 수 있다. 재즈 뮤지션들은 '스윙'의 제약을 깨고 멜로디를 무시하고 복잡한 코드 연주를 바탕으로 뛰어난 즉흥성을 추구하는 '비밥' 재즈를 탄생시켰다. 재즈는 더 이상 춤에 적합하지 않고 예술음악으로 진화하여 대중적인 무대에서 퇴장하게 된다. 동시에 다양한 형태의 재즈가 계속 발전하여 "Dixieland"가 부활하여 재즈는 전례없는 주목을 받았습니다. 1950년대와 1960년대에 재즈는 "비밥(bebop)"과 "쿨(cool)" 시대로 알려진 자유로운 창작의 시대에 들어섰습니다. '비밥' 재즈가 재즈의 주류가 되었지만 차분한 음색과 편곡도 강조한 '쿨'이라고도 불리는 '콜드 재즈'가 서해안에서 등장해 1950년대 중반에 정점에 이르렀다. 영적인 노래의 요소를 강조한 또 다른 종류의 '하드 비밥'은 영향력 측면에서 '비밥'을 능가한다. 이어 아프리카 원시음악의 무조성과 유럽의 모더니즘적 요소를 결합한 '프리 재즈'는 재즈의 발전을 진정으로 촉진시키며 관객을 뒤처지게 만들었다. 1960년대에는 '프리 재즈'가 정점에 이르렀다. "팝", "비밥", "쿨", "자유주의" 그룹의 연속적인 출현은 현대 음악의 "진화, 실험 및 상상"을 위한 길을 열었습니다. 여기서 재즈는 어디로 가야 할까요? 이것은 "부정 혁신", 즉 혁신의 두 번째 개념입니다.
부정 자체는 혁신을 의미하지만 혁신은 새로운 현상이 나타날 것임을 의미합니다. 재즈는 미국 음악의 모든 영양분을 흡수하여 전 세계로 퍼지기 시작했습니다. 그러나 라틴아메리카를 통과하면서 이 순간은 재즈에 또 다른 영광스러운 역사의 한 페이지를 더해주었다. 라틴 재즈 - 오늘날 가장 대중적인 라틴 음악과 팝 음악의 최고 사령관인 재즈가 후광을 일으키며 충돌하고 불꽃을 일으킨다. 리듬으로 유명한 라틴음악은 역시 리듬이 특징인 재즈와 결합되어 있기 때문에 라틴 재즈의 리듬성은 어떤 음악과도 비교할 수 없다. 특히 브라질 보사노바는 만보의 라틴 리듬과 차가운 재즈가 어우러져 타악기의 색채와 당김음이 어우러져 보는 이들을 현혹시키는 새로운 그림을 만들어낸다. 1970년대와 1980년대에 재즈는 '퓨전 재즈' 시대로 접어들었습니다. 음악가들은 록, 리듬, 블루스, 펑크 베이스, 팝 음악을 재즈에 도입하고 전자 합성 악기를 연주에 추가했습니다. 1980년대에는 재즈가 꾸준히 복귀하기 시작했습니다. '퓨전'은 주류를 위한 것이었고, 다른 뮤지션들은 영감을 얻기 위해 팝 이전으로 돌아갔고, '뉴 팝'이 탄생했다. 1990년대 '신고전주의'는 재즈 낭만주의 전통에서 벗어나 우울하고 절제되고 경제적인 음악을 창조했다. 오늘날 거의 모든 재즈 스타일이 무대에서 활발히 활동하고 있습니다. 100년의 진화와 통합을 거쳐 강렬하고 지속적인 생명력을 지닌 재즈음악은 이미 인종과 국경을 넘어 전 세계로 널리 퍼져나가고 있습니다. 오늘날 재즈의 주요 무대도 미국에서 유럽으로 옮겨가며 전 세계 음악 애호가들에게 사랑받는 글로벌 음악으로 자리 잡았습니다.
4. 재즈의 주요 장르 현대 음반 산업에서는 재즈를 전통 재즈와 현대 재즈의 두 가지 범주로 나누기도 하지만, 전통 재즈는 4/4박자를 이용한 마칭 윈드 밴드 연주를 가리킨다. , 모던 재즈는 베이스를 사용하여 댄스 음악을 연주하는 재즈를 말합니다. 이 구분은 때때로 의심의 여지가 없는 것처럼 보입니다. 이 기준으로 측정하면 Kenny King의 음악이 Zixie Taylor의 음악보다 현대 재즈에 속해야 하는지 판단하는 것이 거의 불가능합니다. 실제로 전통성과 현대성이라는 두 가지 관련 개념은 재즈의 유형을 구분하는 데 있어 정확하지 않으며, 이는 현대성과 전통성을 모두 담고 있는 몇몇 우수한 작품을 분류할 수 없다는 문제를 야기시켰습니다. 백년은 계속됩니다.
다양한 스타일과 학파도 서로 연관되어 있습니다. 일반적으로 다음과 같은 19가지 스타일로 나눌 수 있습니다.
시대의 대표적인 인물 스타일
1910'-1920'
< p>래그타임(래그타임 재즈) 카를로스 바르보사-리마딕 베이커버트 베일스1910'-1930'
뉴올리언스(뉴올리언스 재즈) 루이 암스트롱 빅 빌 비소네트Henry "Red" Allen < /p>
1920'-1930'
클래식(클래식 재즈) Coleman HawkinsFats Waller루이 암스트롱
1920'-1930'
딕시랜드(딕 질랜드 재즈) Eddie CondonBob Crosby찰리 티가든
1915-1960'
Standards (메인스트림 재즈) Bing CrosbyDee Dee BridgewaterNina Simone
1920'-1940'
쿨 재즈(콜드 재즈 또는 웨스트 코스트 재즈) Dave BrubeckLester YoungStan Getz
1930'-1940'
BigBand(빅 밴드) Frank SinatraBenny GoodmanDuke Ellington
< p>1940'-1960'스윙 카운트 베이시루이 암스트롱엘라 피츠제럴드
1940'
밥 찰스 밍구스오스카 피터슨소니 롤린스
1940'< /p>
라틴(라틴 재즈) Tito PuenteRay BarrettoThelonious Monk
1940'-
브라질 재즈(브라질 재즈) Lisa OnoAzymuthLuiz Bonf
1950'
아방가르드 세실 테일러찰리 헤이든맥스 로치
1950'-
포스트밥 또는 메인스트림 재즈(포스트밥 재즈 또는 모던 메인스트림 재즈) Elvin JonesGeorge BensonGil 에반스
1950'-1960'
서드 스트림(서드 스트림 재즈) John LewisTeo MaceroGunther Schuller
< p>1950'-1960'Hard Bop Art Blakey엘빈 존스Thelonious Monk
1960'-
프리 재즈 칙 코리아존 콜트레인Orneete Coleman
1960'-
퓨전 마일즈 데이비스마빈 게이웨인 Shorter
1970'-
Crossover Jazz Style Jazz) Bill Evans George Benson Quincy Jones
Vocal Jazz (보컬 재즈) Billie HolidayElla FitzgeraldGeorge Gershw
in
여기서는 더욱 영향력 있는 재즈 스타일을 소개하겠습니다.
스윙 뉴올리언스 재즈가 이미 즉흥 앙상블을 만들어낸 반면, 재즈는 1920년대 미국 사회에서 점점 인기를 얻었고, 재즈에 대한 수요로 인해 더 많은 댄스 밴드가 추가되어야 했습니다. 스윙을 형용사로 사용하는 경우 일반적으로 느낌, 재즈에서의 당김 느낌, 헤비한 비트와 클래식 음악의 차이로 인한 스윙 느낌을 의미합니다. 이 느낌은 대개 음악이 재즈인지를 판단하는 기준 중 하나가 되기 때문에 키스 자렛의 음악은 스윙이 부족하다, 스윙이 안 된다 등의 말을 듣게 된다. 판단의 기준. 1930년대의 빅밴드 스타일을 흔히 스윙이라 부르기도 하고, 어떤 사람들은 스윙음악으로 번역하기도 했고, 1930년대는 스윙시대라고도 불렀다. (1930년대 중반~1946년이라고도 부르기도 한다.) 1920년대 이전이 재즈의 초기기라면 1930년대는 재즈의 전성기였다. 1930년대 초 대중산업(축음기, 라디오, 음반 등)의 발전으로 인해 재즈의 중심지는 세계대전 이후 불황을 극복하려는 미국 소비산업의 노력과 맞물려 시카고에서 뉴욕으로 옮겨갔다. 제1차 전쟁은 한편으로는 재즈 연주자들이 단독으로(또는 소규모 그룹으로) 연주할 수 있는 기회를 놓치는 반면, 다른 한편으로는 빅밴드 연주 스타일을 더욱 대중화시키기도 합니다. 1930년대 중반 이후 스윙 빅 밴드는 대중 음악의 주요 연주자가 되었습니다. 1940년대 중반이 되어서야 이러한 경향이 제2차 세계 대전이 끝나면서 사라지기 시작했습니다. 스윙 빅밴드가 대중음악계를 장악했던 이 시기를 흔히 스윙시대라고 부른다. 재즈의 황금기 동안 라디오는 스윙 빅 밴드의 녹음으로 가득 차 있었습니다. 바, 댄스홀 및 기타 공연장은 빅 밴드의 음악에 힘입어 경기 침체를 헤쳐나가며 춤을 추었습니다. 노동위기, 세계대전. 카운트 베이시(Count Basie)의 밴드는 강렬한 리듬을 지닌 밴드일 뿐만 아니라, 그의 밴드에는 유명한 뮤지션들이 많이 있으며, 그 뮤지션들도 미래에 비밥의 전초기지가 될 것이라고 생각하는 사람들도 있다. 비밥의 아버지.
비밥(Bebop) '비밥(Bebop)'이라는 단어는 재즈 연주자들이 보컬을 연습하거나 악기 선율을 흥얼거리며 내는 소리에서 유래한 것으로, 의미 없는 음절(혹은 의미 없는 소리)을 내는 급진적인 새로운 음악 스타일입니다. 팝재즈는 1940년대 초반부터 점진적으로 발전하기 시작하여 1945년을 전후하여 급속히 성숙하였다. 비밥 프레이즈는 마지막에 독특한 "길고 짧은" 사운드 패턴으로 갑자기 끝나는 경우가 많으며, 이 리듬은 종종 "리보프" 또는 "비밥"으로 흥얼거립니다. 이 단어는 1945년 뉴욕에서 Gillespie Six가 녹음한 음반 제목인 "Salty Peanut Bebop"으로 처음 인쇄되었습니다. Bebop은 테너 색소폰 연주자 Lester Young과 Don Byas, 피아니스트 Art Tatum과 Nat Cole, 트럼펫 연주자 Roy Eldgridge, Count Bassey의 리듬 섹션, Charlie Parker, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, Miles Davis 및 Bud Powell과 함께 스윙 시대에 발전했습니다. 비밥 음악은 일반적으로 3~6명으로 구성된 소규모 재즈 밴드가 연주합니다. 그들은 스윙 음악의 각색 악보 사용에 대응하기 위해 사용했던 원칙인 악보를 사용하지 않았습니다. 연주 절차는 먼저 멜로디를 완전히 한 번 연주하고(12마디 블루스인 경우 두 번 연주) 리듬 그룹(보통 피아노, 더블 베이스 및 드럼)과 함께 즉석에서 솔로 후렴을 몇 번 연주하는 것입니다. 노래를 끝내는 첫 번째 후렴. 리듬 섹션은 곡 전체에 걸쳐 화성 패턴(변주 포함)을 반복하여 곡의 구조를 유지합니다.
쿨 재즈(Cool Jazz) 콜드 재즈는 1940년대 후반과 1950년대에 밥 재즈에서 직접적으로 발전한 것입니다. 이 음악 스타일은 기본적으로 비밥 재즈와 스윙의 일부 무시되고 무시된 스타일이 결합된 산물입니다.
불협화음이 있는 소리는 부드럽고 자연스러워졌고, 곡은 더욱 부드러워졌고, 편곡도 다시 주목받았으며, 리듬섹션 악기의 연주도 더욱 조화로워졌다. 어떤 사람은 쿨한 스타일이라고 부르기도 한다. 주로 비밥의 화끈한 스타일과 다르지만 좀 더 차분한 연주 스타일입니다. 1950년대 초반에는 비밥의 압박감을 견디지 못하는 사람들이 있었기 때문에 비밥을 약간 변형하여 빠른 코드 변화와 연주 속도를 크게 늦추기도 했습니다. 비밥만큼 각진 스타일은 아니지만, 일반적으로 서해안을 기반으로 하는 차분하고 부드러운 스타일의 음악이라는 점이 특징이다. 유래를 이야기하자면 1949년 마일스 데이비스(Miles Davis)와 길 에브나스(Gil Evnas)의 콜라보레이션인 Birth of the Cool(Capitol)이 아닐까 싶습니다. 그러나 이런 스타일의 음악을 따랐던 뮤지션들은 대부분 웨스트코스트 뮤지션들이었습니다. 일반적으로 쿨의 수명은 매우 짧습니다. 1950년대에 주류 연주 방식이 되었지만 하드밥이 빠르게 추월했지만 일부 뮤지션의 음악에서는 여전히 쿨의 일부 요소가 발견됩니다. 내부에. 49~50년 전의 마일즈 데이비스, 60년 전의 리 코니츠, 스탠 게츠의 것들은 멋있다고 여겨 참고할 수 있다.
Free 1960년대는 암울한 환멸의 시기였습니다. 사람들은 예술을 통해 사회적 책임을 회피하고 자신의 욕망을 추구했습니다. 스윙, 쿨, 하드, 즉흥적인 이 음악의 발전 궤적은 이미 추적되었고 사람들은 이 음악이 내일 어디로 뛸지 전혀 모릅니다. 이런 부도덕한 자유방임주의에서 프리재즈가 탄생하게 된 것이다. 이 새로운 음악은 등장하자마자 재즈 연주자들과 재즈 팬들의 큰 사랑을 받았다. 프리재즈는 화성과 선율에 제약이 많지 않아 연주자가 연주 중 원하는 대로 자유롭게 연주할 수 있다는 점에서 기존 재즈와 다르다. 프리 재즈는 비트와 대칭이 완전히 무너지는 새로운 리듬 개념을 가지고 있으며 동시에 음악 자체의 강렬함과 긴장감을 강조하고 많은 양의 불협화음을 추가하며 아프리카의 다양한 음악을 결합합니다. , 인도, 일본 및 아라비아. 인도 시타르, 타블라, 증폭된 엄지 피아노, 사이렌, 다양한 전자 장비 및 타악기를 통합한 일부 프리 재즈 밴드는 재즈가 아닌 아방가르드 밴드처럼 보입니다. 프리 재즈는 1960년대 재즈 발전에 지대한 영향을 미쳤다.
퓨전 퓨전(Fusion) 퓨전은 퓨전을 뜻하기 때문에 사실 어떤 음악적 요소가 추가되면 퓨전이라고 볼 수 있지만, 일반적으로 후소인은 재즈-록 퓨전, 브라질 음악 등 다른 요소가 추가된 것을 말한다. 클럽 이름은 보사노바이고, 러시아 콘서트는 러시안 재즈(Russian-jazz)라고 불린다. 1960년대에는 재즈의 인기가 1930년대에 접어들면서 록 음악으로 대체됐다. 1960년대 음악가의 연주는 시장에 의해 좌우되기 때문에 상업적인 압박에 직면한 마일즈 데이비스는 재즈에 로큰롤 요소를 추가하기 시작했습니다. 록 음악과 재즈는 모두 블루스, 가스펠, 노동요, R&B라는 동일한 뿌리에서 유래했기 때문에 이 두 가지가 결합되는 과정은 매우 자연스럽습니다. 적어도 음악적인 내용에 있어서는 반전이 별로 없습니다. 1960년대 중반, Lao Mai의 두 번째 5인조의 리듬 섹션인 Tony Williams는 이미 그의 드럼 연주에 록 리듬을 추가하기 시작했습니다. 1960년대 중반에는 많은 사람들이 이 추세에 합류하기 시작했습니다. 래리 코리엘, 허비 행콕, 키스 자렛, 프레디 허바드, 찰스 로이드, 돈 엘리스 등
선두를 차지한 중요한 앨범은 라오 마이의 3개 앨범인 Filles De Kilimanjaro, In a Silent Way, BitchesBrew로 로큰롤 드럼 연주를 도입했으며, 베이스 연주 방식도 바뀌었고, 일렉트릭 기타와 키보드도 추가됐다. 이 앨범의 라인업에는 Herbie Hancock, Chick Corea, Joe Zawinul, Wayne Shorter, John McLaughlin, Tony Williams 및 Larry Young이 포함되었습니다. 이들은 나중에 Headhunter, Reture to Forever 등과 같은 자신만의 퓨전 밴드를 결성했습니다. 또한 조 자비눌(Joe Zawinul)과 웨인 쇼터(Wayne Shorter)가 결성한 그룹 웨더 리포트(Weather Report)도 그들의 음악에 중부유럽 민속음악을 가미했다. 간단히 말해서, Fusion은 시장의 재즈 박해에서 벗어나는 길을 제시하여 많은 근본주의 재즈 팬을 겁주게 만들었지만 당시 일부 신세대를 재즈 청취 대열에 합류시키도록 유도했습니다.
5. 재즈의 특징 재즈의 특징 중 하나는 우선 스타일이 다양하다는 점입니다. 지난 100년 동안 거의 항상 변화해 왔습니다. 다양한 스타일의 재즈의 굵은 선이 수십 개 있고, 가는 선이 수십 개 있습니다. 이는 대중음악의 특징이기도 하다. 두 번째는 연주 중 변화인데 즉흥성이 대표적인 특징이다. 재즈 음악은 일반적으로 모든 사람의 앙상블에 테마 프레임워크를 갖고 있으며 각 연주자의 즉흥 연주 수준은 고정된 코드 변경에 따라 연주됩니다. 그들은 단 하나의 메인 멜로디 악보를 가지고 있습니다.