클래식 음악 지식
음악에는 두 가지 유형이 있는데, 하나는 교향곡과 경악 관현악이고, 다른 하나는 댄스 음악, 팝 음악, 재즈 음악입니다.
클래식 음악은 흔히 진지한 음악을 지칭하며, 인정받는 일부 고전 작품을 지칭하기도 합니다.
일반적으로 연주자 수는 10명 미만이며, 클래식 음악을 실내악이라고 합니다. 각 악기가 한 부분씩 연주할 때 두 악기의 앙상블을 듀엣, 세 악기의 앙상블을 트리오라고 합니다...8개 악기의 앙상블을 옥텟이라고 하는데 피아노 트리오, 현악 4중주 그리고 피아노 5중주는 가장 인기가 있습니다. 10명 이상으로 구성된 오케스트라를 챔버 오케스트라라고 합니다. 대규모 기악 연주를 관현악이라 부르며, 현대 오케스트라를 심포니 오케스트라, 심포니 오케스트라라고도 부른다. 클래식 교향악단의 수는 30명이 넘고 때로는 100명, 150명에 이르기도 한다. 경음악과 재즈음악을 연주하는 밴드를 일반적으로 소규모 재즈밴드라고 부르는데, 보통 소수의 인원으로 구성되지만, 경음악 밴드도 30명이 넘는다. 현대무용악단은 현악기를 사용하지 않고 단순히 금관악기와 목관악기를 주 선율악기로 사용하는 점에서 비엔나 왈츠밴드와는 전혀 다르다.
대규모 오케스트라 구성에서는 현악기의 비중이 약 60%, 목관악기의 비중이 약 15%, 금관악기의 비중이 15% 정도를 차지하고 있으며, 타악기의 수는 약 10%를 차지합니다. 일반적으로 바이올린은 왼쪽 앞쪽에, 알토는 오른쪽 중앙에, 첼로는 오른쪽 앞쪽에, 더블 첼로는 맨 오른쪽에 있습니다. 현악기 뒤에는 목관악기 부분이 있고 뒷줄 중앙에는 팀파니가 있습니다. 스네어 드럼, 심벌즈 및 기타 타악기는 팀파니의 왼쪽에 있습니다. 금관 부분은 팀파니의 오른쪽에 있습니다. 하프와 피아노는 왼쪽 중앙에 있습니다.
오케스트라는 4개의 주요 부분으로 구성됩니다:
(1) 현악기
바이올린, 비올라, 첼로, 더블베이스(베이스).
(2) 목관 악기
플루트(가로 플루트), 피콜로, 오보에(잉글리쉬 호른), 클라리넷(리코더, 클라리넷), 바순(바순, 바순) .
(3) 금관악기
트럼펫, 트롬본(드로잉 파이프), 프렌치 호른(프렌치 호른) 및 튜바.
(4) 타악기
팀파니, 베이스 드럼, 스네어 드럼, 심벌즈, 트라이앵글, 벨, 징, 실로폰, 첼레스타 등
음악의 요소는 소리다. 작곡가는 말처럼 감정을 명확하게 표현할 수는 없지만, 소리는 사람의 감정을 불러일으킬 수 있을 뿐이다. 음악의 4가지 기본요소는 리듬, 멜로디, 화성, 음색이다. 리듬은 신체의 움직임을 생각나게 하고, 멜로디는 영적인 감정을 생각나게 합니다. 음악은 멜로디의 차이, 리듬의 속도, 소리의 높낮이, 화성의 변화, 음색의 차이를 통해 감정을 표현합니다. 예를 들어, 장조는 행복과 위엄을, 단조는 슬픔과 우울을, 긴장과 짧은 리듬은 흥분과 분노를, 부드럽고 긴 리듬은 부드러움과 부드러움을, 강한 음조는 열정을, 낮고 약한 소리는 평온함을 나타냅니다. 투쟁과 분쟁, 조화는 평화와 평온을 나타내고, 트럼펫은 전쟁을 나타내고, 오보에는 목축업 등을 나타냅니다.
음악을 즐기는 방법은?
누구나 각자의 감상 능력과 취미에 따라 음악을 듣습니다. 분석의 편의를 위해 음악감상을 세 가지 측면으로 나누어 본다.
(1) 미학
음악을 듣는 것은 순전히 음악의 즐거움을 추구하는 것입니다. 단지 지각적인 감상이 필요한 것은 아닙니다. 어떤 형태로든 생각하고 음악의 매력을 느낄 수 있습니다. 예를 들어, 뭔가를 하고 있을 때 스피커를 켜고 멍하니 음악에 푹 빠져보세요. 이때 음악의 매력만으로도 사람들을 무의식적이면서도 매력적인 마음의 상태로 끌어들일 수 있다.
음악에서 미학은 매우 중요한 역할을 하지만 너무 많은 자리를 차지해서는 안 됩니다. 음악을 듣는 초기 단계에서도 청취에 대한 보다 의미 있는 접근 방식이 채택되어야 합니다.
(2) 표현
모든 음악은 표현하는 능력을 갖고 있으며, 음표 뒤에는 항상 어떤 의미가 담겨 있으며, 이 의미가 작품의 내용을 구성하고 감정을 불러일으킬 수 있습니다. 감정적 감사이다.
(3) 순수한 음악
유쾌한 소리와 표현된 감정 외에도 음표와 음표의 처리에도 음악이 존재합니다. 작곡가의 사상을 따라가기 위해서는 음악의 구조, 주제의 변화, 작곡가의 기법의 활용 등을 의식적으로 탐구하는 것이 지적 감상이자 음악 감상의 고급 단계이다.
대부분의 청취자는 이 세 번째 측면을 완전히 인식하지 못합니다. 현명한 청취자는 음악 자료와 그 전개에 대한 인식을 높일 준비가 되어 있어야 합니다. 그는 멜로디, 리듬, 화성, 음색을 더 의식적으로 들어야 합니다. 특히 중요한 것은 작곡가의 생각을 따르고 음악 형식의 몇 가지 원리를 이해하는 것입니다.
이상적인 청취자는 음악에 입문하는 동시에 음악을 초월하는 사람이다. 음악을 감상하면서도 음악을 비판하며, 음악에 대한 이해를 끊임없이 심화시킨다.
음악을 이해하는 유일한 방법은 듣는 것입니다. 처음부터 끝까지 익숙해질 때까지 주의 깊게 들어야 멜로디를 듣고 인식할 수 있을 때 이해가 깊어집니다. 음악을 즐기기 위한 조건 같은 곡을 연주하는 사람마다 차이가 나는 것을 듣고 작곡가의 생각을 이해할 수 있다면 이미 음악을 감상할 수 있는 문에 들어선 것입니다.
음악은 스스로 표현하는 능력이 있어서 일정한 의미를 가지지만, 말로는 명확하게 표현할 수 없고, 음악의 의미를 표현하기 위해 굳이 적절한 단어를 찾을 필요도 없다.
음악 표현 방식은 크게 절대음악과 표제음악 두 가지로 나눌 수 있다. 음악 그 자체를 목적으로 삼는 음악을 순수음악이라 하며, 소리와 형식으로만 구성되어 있으며 음악 그 자체 외에는 뚜렷한 연관성이 없습니다. 교향곡, 소나타 등 대부분의 기악이 이 범주에 속합니다. 특정 제목으로 문학, 사상, 회화 등의 내용을 암시하는 음악을 일반적으로 제목음악이라 한다.
소나타는 4개의 독립적인 악장으로 구성된 기악곡으로, 각 악장은 독립적인 구조와 스타일을 갖고 있으며 각각 피아노, 바이올린, 첼로로 연주됩니다. 피아노로 연주하면 피아노 소나타, 바이올린으로 연주하면 바이올린 소나타, 첼로로 연주하면 첼로 소나타, 실내악으로 연주하면 첼로 소나타라고도 합니다. 소나타.
협주곡은 독주 악기와 오케스트라가 대등하게 연주하는 기악곡이다. 협주곡에는 일반적으로 바이올린, 피아노, 첼로 또는 플루트가 독주 악기로 사용됩니다.
교향곡은 오케스트라가 연주하는 소나타 형식의 기악곡으로, 보통 4악장으로 나누어져 있으며, 음색의 복잡도와 색채의 풍부함이 모든 곡 중에서 가장 높습니다.
모음곡은 여러 개의 짧은 곡이 하나로 연결된 오케스트라 또는 피아노 모음곡으로, 각 곡은 상대적으로 독립적입니다.
서곡(Overture)은 원래 오페라나 오라토리오, 극악보가 시작되기 전에 오케스트라가 연주하는 기악곡을 말하는데, 현대에는 콘서트를 위해 특별히 작곡한 단악장 오케스트라 서곡도 있다. 성능.
프렐류드는 대부분 짧은 오케스트라 곡으로 대규모 음악 작곡이나 영화 드라마의 서곡으로 자주 사용됩니다.
인터메조는 드라마나 오페라의 막간에서 연주되는 음악으로 관객의 분위기를 전환시키는 역할도 하며, 그 형식이 비교적 자유롭다. 길이가 상대적으로 짧습니다.
Toccata는 다양하고 화려한 기술을 선보일 수 있는 자유 형식의 키보드 작품입니다.
세레나데는 황혼이나 밤에 야외에서 연주되는 일종의 독주곡이나 기악곡으로, 여운이 있고 완곡한 분위기를 갖고 있다.
녹턴(Nocturn)은 노래하는 멜로디에 종종 절묘한 장식적인 사운드와 아르페지오나 코드의 반주를 곁들인 우아하고 로맨틱한 음악의 일종입니다. 세레나데의 한 부분이다.
Impromptu(1mpromptu)는 즉흥 연주곡입니다.
발라드는 원래 이야기를 들려준다는 뜻으로 서정적이고 낭만적인 성격을 지닌 일종의 기악곡이다.
공부는 악기 연주 능력을 향상시키기 위해 사용되는 음악 작품입니다.
스케르초(Scherzo)라고도 알려진 스케르초(Scherzo)는 빠른 속도, 활기차고 명확한 리듬, 강약과 강약의 갑작스러운 대비가 특징인 일종의 기악곡입니다.
유모레스크(Humoresque)는 자유롭고 자유로운 음악으로 유머와 환상이 특징이다.
카프리치오는 작곡가가 자신의 상상력을 바탕으로 작곡한 음악의 총칭으로, 풍부한 변화를 표현하는 일종의 자유곡이다.
랩소디(Rhapsody)는 영웅적, 민족적, 감정적 주제를 위해 작곡가가 작곡한 기악곡이다.
판타지아는 환상성과 자유분방함이 특징인 기악곡으로, 정형화되지 않은 낭만적인 색채를 지닌 짧은 기악곡이다.
패스톨럴(Pastoral)은 부드러운 선율을 가지고 있으며, 목자들이 사용하는 악기를 모방하여 개발된 목가적인 음악이다.
곤돌리에라는 아름답고 부드러운 선율이 느리고 흔들리는 음악이다.
변주곡은 특정 주제를 기반으로 다양한 방법을 사용하여 연속적인 변화를 연주하는 기악입니다. 교향시는 리스트에 의해 처음 창작되었으며 일반적으로 시적이고 예술적인 문학 작품을 표현합니다. 성적인 내용으로는 한 악장만 있고, 구조나 음악형식으로는 자유롭게 활용이 가능한 교향곡보다 훨씬 짧은 작품이다.
3월은 그룹의 진행을 반주할 때 사용하는 음악으로 대부분 4박자로 구성되어 낙관적인 느낌을 강조한다. 일반적으로 관악기로 연주되는 이 악기는 군대에서 대열을 유지하고 사기를 높이기 위해 자주 사용됩니다. 결혼식, 장례식, 승리 축하를 위한 행진도 있습니다.
자장가라고도 알려진 자장가(Berceuse)는 단순한 형태와 느린 속도, 부드럽고 서정적인 메인 선율, 흔들리는 리듬을 가지고 있어 요람의 흔들리는 리듬을 모방하여 아기를 잠들게 합니다.
합창은 원래 독일 민요이자 기독교 찬송가였는데 나중에 기악곡이 됐다.
댄스음악은 6가지로 구분됩니다. ① 왈츠(waltz)라고도 번역되는 왈츠(Waltz)는 한 소절에 1박자의 3박자 댄스음악으로 실용적이면서도 예술적인 면이 있다. 반주는 베이스의 첫 번째 비트와 고음 코드의 두 번째 및 세 번째 비트로 구성됩니다. 주 선율은 유창하고 뻗어 있으며 화성과 음악적 구조는 단순하고 명확하다. ② Gavotte는 2/2박자의 경쾌한 분위기를 지닌 프랑스 댄스곡이다. ⑧미뉴에(Minuet)는 원래 프랑스의 민속춤곡으로 중속 3/4박자의 느린 속도와 우아한 스타일을 지닌 댄스곡이다. ④마주르카(Mazurka)는 시골 지역에서 인기가 있는 중속 내지 빠른 3박자 폴란드 민속춤입니다. ⑤ 폴로네즈(Polonaise)는 마주르카와 함께 폴란드를 대표하는 춤으로, 따뜻한 분위기 속에 강렬하고 화려한 느낌을 주는 춤으로 특유의 3박자에 절묘한 속도감이 있다. 리듬이 일관됩니다. 폴로네즈라고도 번역됩니다. ⑥19세기 보헤미아에서 유행했던 빠른 2박자 춤인 폴카(Polka).
Divertimento는 편안하고 즐거운 스위트룸입니다.
로맨스(Romance)는 원래 전설적인 설화시를 가사로 한 서정적인 노래와 기악이었다.
서곡은 가장 오래된 기악 장르 중 하나로 다른 기악 장르, 특히 교향곡과 교향시 발전에 중요한 역할을 합니다. 이름에서 알 수 있듯이 서곡은 음악에서 원래 오페라, 오라토리오, 칸타타, 댄스 드라마 또는 기타 연극 작품의 연주 전 전주곡 스타일의 악기 곡을 의미합니다. 즉, 주로 슬랩스틱 음악입니다. 그러나 이 초기 무대 음악은 매우 단순했으며 실제로는 현대 연극 공연 전 벨 세 개에 해당하는 몇 번의 큰 경적 소리에 불과했습니다.
가장 오래된 민속시장 무대나 인형극 공연이 그러했고, 몬테베르디(1567~1643)의 오페라 작품처럼 17세기 초 이탈리아 오페라에서도 가끔 그랬다.
17세기 말에는 프랑스 서곡과 이탈리아 서곡이라는 두 가지 유형의 극적 서곡이 나타나기 시작했습니다. 이른바 프랑스 서곡은 프랑스 국립오페라의 창시자인 룰리(1632~1687)에 의해 만들어졌다. 이런 종류의 서곡은 웅장하고 웅장하며 느리고 종종 행진곡 스타일의 도입부로 시작하여 대부분 다성음악 스타일로 작곡된 빠르고 활동적인 음악이 이어지며 마지막으로 처음에 느린 음악을 반복합니다. 느린 미뉴에트. 이 프랑스 오페라 서곡은 '느리게-빠르게-느리게' 구조를 가지고 있습니다. 이에 반해 이탈리아 서곡 역시 뻔한 세 부분으로 나눌 수 있는데, 오프닝 부분은 빠르고 역동적이며 힘이 넘치며 느린 노래 같은 멜로디가 삽입되고 마지막으로 빠른 댄스 부분이 등장한다. 자주 사용되는 이탈리아 민속 타란텔라 또는 키그의 리듬입니다. 이런 식으로 이탈리아 서곡은 "빠르게-느리게-빠르게" 구조를 형성합니다. 이 이탈리아 오페라 서곡은 주로 이탈리아 작곡가 A. Scarlatti(1660-1725)에 의해 만들어졌습니다. 이 서곡은 한 세기 후에 등장한 다악장 교향곡의 원형이라고 할 수 있습니다. 당시 프랑스 오페라는 주로 부르봉 왕조의 축제 축하 행사에 사용됐고, 이탈리아 오페라는 관객층이 더 넓었기 때문에 스타일이나 내용 면에서 이탈리아 오페라 서곡이 프랑스 서곡만큼 '우아하고 고상하지' 않은 것은 당연하다. . 그러나 이 두 종류의 17~18세기 오페라 서곡은 오페라 자체의 내용이나 분위기와 깊은 관련이 없다. 당시의 천박한 관객들은 등장인물이 소개되기 전에 항상 친구들을 즐겁게 해주기에 바빴기 때문에, 작곡가는 관객들이 서곡의 연주에 전혀 관심을 두지 않는다는 것을 알고 있었기 때문에 더 많은 돈을 쓰고 싶지 않았습니다. 이 측면에서 시간. 그 결과, 오페라 서곡이 여러 오페라에서 여러 번 사용되는 것이 흔한 일이 되었고, 작가도 청중도 관심을 두지 않습니다.
서곡은 18세기 후반부터 시작된 연극의 하나의 예술 형태로서 중요한 부분이 되었다. 당시 독일의 오페라 작곡가 글루크는 오페라 개혁을 추진하면서 서곡에 대한 획기적인 기준을 세웠다. 그는 자신의 오페라 '알케스티스'의 서문에서 다음과 같이 썼다. 작품의 완성도를 높이고 시청자들이 곧 시청할 드라마에 대해 감정적으로 준비시켜준다”고 말했다. Gluck의 오페라 "Aulis의 Iphigenia"의 서곡은 당시 이러한 종류의 오페라 서곡의 뛰어난 예 중 하나입니다. 글루크가 창작한 이러한 종류의 고대 오페라 서곡은 18세기 말까지 완성되지 않았으며, 기본적으로 모차르트의 오페라 서곡의 대부분이 이 범주에 속한다.
오페라 서곡이 오페라 자체와 유기적인 연결을 유지하는 가장 쉬운 방법은 오페라에서 극의 전개와 가장 밀접하게 관련된 단편이나 오페라의 오페라를 가장 잘 구현하는 멜로디를 직접 추출하는 것이다. 오페라 주인공의 캐릭터(아리아 등)를 테마로 합니다. 모차르트의 오페라 "Don Giovanni"의 서곡과 Glinka의 오페라 "Ruslan and Lyudmila"의 서곡이 이에 대한 예입니다. 그러나 일부 서곡은 모차르트 오페라 "피가로의 결혼" 서곡과 로시니 오페라 "세비야의 이발사" 서곡과 같이 오페라 자체와 주제적 연관성이 없습니다.
베토벤의 서곡은 음악사에서 큰 의미를 갖는다. 서곡과 같은 작은 장르에서 그는 심오한 이념적 내용을 표현하기 위해 단순하고 간결하며 고도로 요약된 음악적 이미지를 사용했다. 일반적인 "소개" 기능을 사용하여 전체 연극 작품의 중심 내용을 집중적으로 표현하게 되었습니다.
그러나 베토벤의 재능은 결국 교향곡에 집중됐고, 서곡의 발전은 결국 그의 동시대 독일 낭만 오페라의 아버지인 젊은 베버에게 넘어갔다. 베버의 오페라 서곡은 음악적 주제에서든 감성적인 색채에서든 오페라 자체와 밀접하게 연관되어 있어 듣는 사람을 오페라의 감성적 분위기 속으로 이끄는 일종의 절묘한 소리와 그림이 된다.
Weber의 오페라 "The Free Shot", "Oberon" 및 "Euranti" 서곡은 모두 이러한 유형의 작품의 걸작입니다.
19세기 전반은 낭만오페라 서곡의 황금기였고, 이후 서곡의 영향력은 눈에 띄게 사라졌다. 여기에는 두 가지 이유가 있다. 첫째, 바그너 등 19세기 후반 일부 작곡가들은 오페라 자체만으로도 극적 이야기의 줄거리를 설명하기에 충분하고, 서곡에는 내용이 포함될 필요가 없다고 믿었다. 따라서 많은 작곡가들은 서곡의 규모를 압축하는 경향이 있었습니다. 차라리 막 앞에서 감정을 불러일으키는 것에 국한된 서곡과 같은 짧은 장르로 전환하고 싶다. 둘째, 당시 리릭 시어터의 새로운 관객들은 대체로 공연을 진지하게 보러 왔고, 또한 어떤 느낌을 받았다. 시끄러운 음악으로 오프닝 순간을 지연시킬 필요가 없습니다. 그 결과는 19세기 말 이탈리아 작곡가 푸치니의 오페라 '라 보엠'처럼 도입부 몇 마디만 있다가 곧바로 오페라 1막으로 전환되는 것입니다.
오페라 서곡 외에도 19세기의 많은 작곡가들은 '서문'의 역할을 하지 않는 새로운 유형의 서곡을 창조하는데 열중했습니다. 이런 종류의 서곡은 어떤 극 작품에도 종속되지 않았습니다. , 그러나 종종 고전 문학이나 민속 창작물의 이미지와 줄거리, 민속 생활의 그림과 같은 특정 시적 내용과 관련된 제목이 있습니다. 이러한 종류의 독립된 제목 서곡을 콘서트 서곡이라고 합니다. 이 서곡의 창시자는 독일 작곡가 멘델스존입니다. 특히 콘서트 연주를 위해 작곡된 최초의 서곡은 그의 "한여름 밤의 꿈" 서곡입니다. Mendelssohn의 "Fingel's Grotto" 서곡, Glinka의 "Spanish Overture", 차이콥스키의 "1812" Solemn Overture 및 "Romeo and "Juliet" Fantasy Overture 등 많은 타이틀 콘서트 서곡이 있습니다. 이러한 서곡 중 일부는 실제로 의 변형입니다. 제목 교향곡 또는 교향시.
음악의 역사에서 악기 분류는 대개 오케스트레이션과 밀접한 관련이 있습니다. 악기의 분류는 국민(민족적, 인간적)의 생활습관과 민속풍속을 반영할 뿐만 아니라, 더욱 중요하게는 음악생활의 내용, 음악형식, 과학기술수준, 그에 따른 과학기술수준을 반영한다. 생산성 상태... 고대 중국 악기의 가장 중요한 분류 방법 중 하나는 사용된 재료에 따라 고대 중국 악기를 8가지 범주로 나누는 '8음 분류 방법'입니다. 그들을 만들기 위해. 서주(西周) 왕조(기원전 11세기경~기원전 771년)가 등장했다.
<국옥? 주우하? 영주온음악>에서는 “그러므로 무거운 악기는 작게 만들고, 가벼운 악기는 크게 만들어야 한다. 그러므로 깃털은 금으로, 깃털은 돌로 써야 한다”고 말했다. 각도에 사용되며 타일은 궁전에 사용해야합니다 (타일은 흙입니다), 도자기, 훈 등을 나타냄), 대나무는 여전히 논의되고 가죽 나무는 "금색입니다. 종, 이중), 돌(예: 차임), 비단(예: 진, 하프), 대나무(예: Xiao, Chi), 구(예: Sheng, Yu), 흙(예: Xun) , Fou), 가죽(예: 도교 드럼, Jiangu) 및 목재(예: Bangzi, 목어).
민요를 분류하는 또 다른 방법이 있는데, 악기를 크게 부는 것, 당기는 것, 연주하는 것, 연주하는 것의 네 가지 범주로 나누는 것입니다. 예: 불어(suona, xiao), 놀이(huqin), 놀이(sanxian, pipa), 놀이(dulcimer, yunluo).
서양 음악은 다섯 가지 범주로 분류 시스템을 사용합니다.
(1) 목관 악기: 리코더, 플루트, 단일 또는 이중 리드가 있는 악기(나중에 금속으로 만들어짐), 오보에와 바순;
(2) 황동 파이프: 금속으로 만들어졌으나 원래는 나무로 만들어졌습니다. 초기 개체는 트럼펫과 프렌치 호른과 같이 자연스러운 음계나 심지어 2옥타브 이내의 배음 계열만 연주할 수 있었습니다. 튜바;
(3) 타악기: 드럼, 심벌즈, 캐스터네츠
(4) 키보드: 원래의 자연스러운 음색 키보드부터 최신 Janko 4개 부분 키보드(없음) 피아노, 하프시코드, 파이프 오르간과 같은 동양 전통 악기)
(5) 현악기: 실크 현은 직물, 창자, 고래 수염, 강철에서 류트와 같은 나일론까지 다양합니다. , 바이올린, 기타, 하프.
Kurt Sachs(1881-1959)와 Hornbostel은 음향 원리에 따라 다양한 시대와 문화의 악기를 연구하고 분류했으며, 1914년(생애 첫 해)(전쟁 발발)에 디자인했습니다. 악기의 5가지 주요 범주를 구별하기 위한 일련의 용어[이후 "색소폰(악기) 분류"로 알려짐]:
(1) 신체 음향 악기: 자연 소리를 내는 재료로 만든 악기, 차임 및 트라이앵글과 같은 (2) 멤브레인 악기: 팀파니, 스네어 드럼 및 웨이스트 드럼과 같이 멤브레인을 늘린 악기;
(3) 공기 소리를 내는 악기: 리드 없는 파이프 진동 및 자유진동을 이용한 리드 오르간, 셩 등의 혀 악기,
(4) 현악기: 바이올린, 삼현 등의 현악기
(5) 전자 악기: 전자 및 전자 키보드 및 전자 오르간과 같은 전기 음향.
8음분할법은 역사적으로 존재했던 분류법으로 더 이상 사용되지 않는다. 이는 고대 중국의 과학기술 수준은 물론, 장인정신, 기술, 빛이론과 과학연구(그리고 그것이 인문학적 형태에 미친 영향)를 중시하는 당시의 사회적 상황을 반영한다. 8음 분할법은 사실 비교적 기초적인 기술적인 분할법이다. 중국 역사상 '과학'은 존재하지 않았고 오직 장인정신과 기술만이 존재했기 때문에 불행하게도 이 분류는 과학의 원리를 반영하고 구현하지 못했습니다. 이 분류에 따르면 청동북과 차임은 금속류에 속하고, 토종은 토종, 동종은 금속류에 속한다. 따라서 실제 음악 연주나 조직, 활동에서는 8음표 방식이 실용적이지 않을 수 있다. 그것은 고대 중국 학자들의 사전 준비와 사물 정리 시도를 반영한 것뿐입니다. 불고, 당기고, 연주하는 것은 악기의 연주 방법을 생생하게 반영합니다. 민속음악은 주로 결혼식이나 장례식이나 오락을 위해 사용되며 고정된 밴드 창단은 없습니다. 참가자 수와 방법은 비교적 유연합니다. 일반적으로 한 사람이 동시에 여러 악기를 연주합니다. Yueqin을 함께 플레이하는 사람들은 이러한 유형의 Pipa, Ruan 등을 플레이할 수도 있습니다. 더욱이, 민속 음악 악기 학습 및 교육은 장인-견습생 스타일로 수작업 워크샵과 공예의 강한 특징을 가지고 있습니다. 부는 것, 당기는 것, 때리는 것의 분류는 미장이와 가죽 세공인의 차이처럼 공예의 특성에 부합하고 이해하기 쉽습니다. 따라서 국민들 사이에 널리 유통되어 지배적인 위치를 차지하고 있다.
서구 고전 악기의 분류는 실제로 수공예적 특성이 강하고 과학적이지 않습니다. 예를 들어 오늘날의 목관 악기는 모두 금속으로 만들어졌지만 원래의 금관 악기는 나무로 만들어졌습니다. 나무 파이프와 구리 파이프는 고정되어 있지만 체계적이지 않습니다. 그 존재 이유는 그 뒤에 또 다른 체계적, 이론적 법칙이 있기 때문입니다. 바로 이 분류 방법이 실용적인 가치와 규칙을 갖게 만드는 오케스트레이션 방법입니다. 오케스트레이션(Orchestration)은 오케스트라를 위한 작곡 기술로 음색, 테크닉, 연주, 효과적인 악기 범위는 물론 악보의 조합, 사용 및 배열에 중점을 둡니다. 근본적으로 말하면, 오케스트레이션 방법은 이러한 악기 분류 방법을 출발점, 기초 및 적용 지침으로 삼고 있으며, 또한 이러한 서양 악기 분류 방법을 효과적으로 적용할 수 있도록 합니다. 과학적인 정신과 아이디어로
일명 '색소폰(악기) 분류법'은 사실 준악기 분류법은 아니다. 이는 Sachs가 제안한 5가지 용어(개념도 아님)를 기반으로 한 악기의 분류일 뿐입니다. 비록 처음에는 체계화와 구조를 이루었지만 완전히 정확하고 과학적이지는 않습니다. , 복잡하고 다양한 재료... 그러한 소리를 생성하는 데 사용되는 도구가 점점 더 정교해지고 무한히 복잡해지고 있음을 확인합니다(연주 방법 포함). 우리의 분류학은 늘 따라잡는다. 이는 인류과학의 자랑이자 예술의 가려움이다. 악기 분류는 엄격한 과학적 시스템을 바탕으로 하는 반면, 끊임없이 변화하는 음악과 음악 생활 및 실천을 효과적으로 안내해야 하는 것도 하루아침에 이루어질 수는 없습니다. "색소폰(악기) 분류"는 현재 존재하는 모든 악기 분류 중에서 가장 과학적이고 엄격한 분류입니다. 우리는 이 건물을 계속해서 건설하고 개선해야 합니다. 이를 위해서는 여러 세대의 노력이 필요합니다. 왜냐하면 이 주제에는 점점 더 많은 과학적 구성요소와 기술적 내용이 통합되고 있으며, 더 중요하게는 구조가 점점 더 복잡해지고, 내용이 더욱 풍부해지고, 내용이 점점 더 많아지고, 더 중요해지고 있기 때문입니다. 더욱 생생하게 현대적이고 미래적인 음악을 만나보세요.