20 세기에 색채를 가장 잘 활용한 화가는 야수파의 대표였다.
청년기에 파리 장식예술학교에 재학했고, 65438-0895 는 파리 미술학원에 입학했고, 스승은 상징주의 화가 모로로부터 후인상파의 영향을 받고 동양예술과 아프리카 예술의 표현 수법을 흡수하여' 순화' 라는 사상을 제시했다. 65438 ~ 0906 이후의 작품은 모양이 과장되어 단순한 선 그리기와 색채를 많이 사용한다.
그도 훌륭한 조각가이다. 그는 현대주의 조각의 개척자 중 한 명으로, 그의 조각품은 간결하고 탄탄한 스타일을 추구한다.
마티스와 야수파
"짐승" 이라는 글자는 색채가 선명하고 마음대로 바르는 것을 가리킨다. 이런 색채는 새로운 인상주의의 과학적 색채, 고갱과 반 고흐의 비설명적 색채, 직접 배색, 변형된 회화 방법보다 더 강렬하다. 마티스와 그의 친구들은 줄곧 이 그림을 실험하고 있다. 야수파 화가는 결국 색채의 해방을 실현했고, 고경 반 고흐 수라 나비파 신인상주의는 모두 다른 방식으로 탐구했다. 야수파 화가는 비슷한 수단을 사용하며 다양한 목적에 힘쓰고 있다. 그들은 자연 속의 물체를 묘사하는 것보다 물감관에서 직접 짜낸 강렬한 색채를 사용하는 것을 선호한다. 이것은 망막의 진동을 일으키기 위한 것이 아니라 낭만이나 신비로운 주제를 강조하기 위한 것이 아니라, 더욱 중요한 것은 완전히 다른 새로운 회화 규범을 세우는 것이다. 이런 식으로, 어떤 의미에서, 그들은 고갱과 수라의 색채를 사용하고 있으며, 자신의 라인 리듬을 자유롭게 조합하여 세샹이 끊임없이 추구하는 것과 비슷한 효과를 얻고 있다.
마티스는 초기의 어두운 기조와 평범한 주제에서 천천히 더듬어 전진했다. 1896 이 되자 그는 데가, 로트레크, 인상파, 일본 판화, 그리고 르누아르와 세잔에게 관심을 기울이기 시작했다. 1899 까지 마티스는 카릴의 스튜디오에서 공부하고 있다. 카리엘은 상징주의와 관련이 있어서 여기서 딜런을 만났다. 같은 해, 그는 직접 혼합된, 설명되지 않은 색으로 인물을 그리는 실험을 시작했다. 그 후 얼마 지나지 않아 그는 조각 방면에서 첫 시도를 했고, 이 분야에서의 재능을 보여 20 세기의 가장 위대한 화가이자 조각가 중 하나가 되었다. 190 1 년, 마티스는 딜란을 통해 플랑드족을 알게 되었고 야수파는 기본적으로 형성되었다.
1905 가을 살롱에서 작품을 전시한 야수파 화가들은 재능이 넘친다. 그중에는 마티스, 딜란, 플라망, 루아, 마르케, 맨건, 판동근, 프리드예츠, 비, 발트오가 있다. 의심할 여지없이, 마티스는 리더이며, 그의 재능은 뛰어나다.
1905 의 가을 살롱에서 마티스는' 열린 창문, 리오리' 와 마티스 부인의 초상' 모자를 쓴 여자' 를 선보였다. 열린 창문' 은 주제가 충분히 발전한 첫 번째 예일 수 있는데, 마티스의 여생은 줄곧 이 주제를 편애해 왔다. 벽의 작은 부분일 뿐 창문이 큰 면적을 차지한다. 창문은 바깥으로 활짝 열렸다. 베란다에는 화분과 덩굴, 그리고 바다, 하늘, 배가 있었다. 이곳의 내벽과 창비는 밝은 녹색, 파란색, 보라색, 오렌지색으로 구성된 넓은 세로 막대로 이루어져 있다. 옥외 세계는 밝은 작은 획으로 구성된 아름답게 장식된 패턴입니다. 획은 녹색점에서 더 넓은 빨간색과 흰색, 바다와 하늘의 파란색으로 확장됩니다. 이 그림에서 마티스는 보나르나 새로운 인상파 중 어느 누구보다도 훨씬 능가하며 미묘한 색채 추상화의 조짐을 보이고 있다. 그러나, 항상 마티스의 실제적이고 순간적인 장면감을 동반하는 것은 매우 강렬하다.
모자를 쓴 여자가 형식적으로 버려졌기 때문에 열린 창문보다 더 강한 센세이션을 불러일으켰다. 물감이 화면에 마구 깔려 있는데, 배경과 모자뿐만 아니라 여자의 얼굴과 용모도 모두 대담한 녹색과 주홍색 획으로 그려졌다.
그 후 얼마 지나지 않아 마티스는 마티스 부인의 초상화를 그렸다. 어떤 의미에서 이 그림은 더 촘촘하고 섬세하게 표현되기 때문에 더 광범위하다. 이 작품은' 녹색 줄무늬' 라고 불리며, 얼굴은 밝은 녹색 선으로 분리되어 헤어스타일 윤곽에서 턱까지 분리되어 있다. 이 점에서 마티스와 그의 동료들은 고경, 상징주의자, 나비학파가 제시한 논점을 세우고 있다. 예술가들은 자연외관에 관계없이 자유롭게 색깔을 사용할 수 있다. 색블록 모양과 선의 추상적인 구조를 만들 수 있습니다. 이런 구조는 기본 구조인 여자, 나무, 정물과는 무관하다. 마티스의 접근 방식은 충격적이었습니다. 아마도 그의 주제가 정말 간단하고 잘 알려져 있었기 때문일 것입니다. 고갱의 이국적인 그림보다 이런 색채 방법이 더 인기가 있다.
고갱, 세잔, 푸산, 그리고 이전의 베니스 화가들처럼 마티스는 전원인물의 구도를 탐구해 왔다. 그는 65438 년부터 0905 년까지의 전원음악에서 인상파의 갑작스러운 색채 패턴을 재사용했다. 그런 다음 생활의 큰 즐거움 속에서 그는 자신의 각종 실험을 결합하여 최고의 인물풍경화를 형성했다. 생활의 즐거움은 사람들로 하여금 무한한 추억으로 가득 차게 한다. 인물과 나무의 선이 구불구불 기복이 있다. 원근에서는 의도적으로 축소되지만 여전히 화면에 패턴으로 존재합니다. 이것은 본격적인 전원시로, 모든 것이 세속적인 권태와 전원의 기쁨에 젖어 있다. 피카소가 이듬해 창작한' 아비뇽의 소녀' 와 마찬가지로 현대 회화에서 추상적인 원조이기도 하다. 그 영향력은 피카소의 거작을 능가하기도 했다.
생명의 기쁨' 의 곡선 리듬은 그것을 새로운 예술 운동의 전통과 연결시킨다. 비록 그것이 본질적으로 이런 전통 그림을 뛰어넘었음에도 불구하고. 이 작품과 관련된 알몸 연습이 많았고, 나중에 그 중 일부를 다른 그림과 조각품으로 발전시켰다. 사실, 마티스 스케치와 누드 페인팅의 즐거움은 삶의 즐거움의 운동에서 큰 추진력을 얻은 것 같습니다. 1907 년 초, 그는' 비틀기' 를 통해' 파란색 알몸' 을 그려 한 형태로 고정시켜 점토와 청동 조각상, 알몸과 옷을 입은 캐릭터 조각에 적용했다. 이런 전형은 일찍이' 생활의 즐거움' 에 나타난 적이 있는 중심 인물이다. 하지만' 남색 알몸' 은 조각감이 더 강하고' 꽈배기' 는 조각에서 더욱 활발하다.
스타일은 개인의 흥미와 능력에 따라 다르며, 각기 다른 야수파 화가들은 자신의 스타일로 뚜렷한 목적을 달성한다. 게다가, 이와 같은 집단은 회의 시간이 보통 제한되어 있다. 몇 년이 지나지 않아 화가들은 각자 뛰어다니기 시작했고, 어떤 것은 더 큰 성과를 거두었고, 어떤 것은 더 이상 지도자의 열렬한 지지를 받지 못해 매몰되었다.
야수파 혁명은 20 세기 예술의 첫 번째 맹렬한 폭발로 일련의 혁명을 위한 선례를 열었다. 20 세기 초부터 이 혁명들은 예술사를 독특하게 만들었다. 하지만 야수파는 입체파, 추상파, 초현실주의 등 운동과 본질적인 차이가 있는 이상한 현상이다. 야수파 운동은 불과 몇 년 동안 계속되었다. 이와 관련된 예술가들은 일찍이 1903 년 야수파로 여겨지는 그림을 창작했지만, 운동으로서 1905 년 또는 1906 년에야 형성되었다. 이 단체의 구성원은 2 ~ 3 년 안에 다른 방향을 탐구하기 시작했고 1908 까지 운동으로 야수파는 더 이상 존재하지 않았다. 사실 야수파 화가는 20 세기 그림에 새로운 개념을 가져 오지 않았습니다. 그들은 고갱, 반 고흐, 수라 등 위대한 선배들과 혁신가들의 개념을 파괴한 논리적인 결론을 내렸다고 할 수 있다. 예술계는 여전히 학원파가 주도하고 있지만 학원파가 확정한 것은 은밀히 파괴되고 있다.
야수파는 그들을 속박하는 환경에서 벗어나려고 고갱, 수라, 반 고흐의 색조 원칙으로 돌아갔다. 그들은 여전히 풍경, 인물, 초상화, 정물과 같은 객관적인 세계를 끊임없이 묘사하지만, 이 주제들을 추상화하여 물감을 묘사 기능과 분리시켰다. 그들은 조정되지 않은 색깔을 직접 사용하여 독립적으로 일하게 했다. 이 모든 것은 고갱과 반 고흐가 제창하고 실천에 옮긴 것이다. 수라와 그의 추종자들도 다른 방식으로 이 일을 했다. 그러나 야수파는 주인의 정력과 용기를 뛰어넘어 이 원칙들을 실천에 옮기기도 했다. 색채에 대한 그들의 운용은 표현성과 구조성이 있기 때문에 야수파는 표현주의의 한 형태라고 부를 수 있다. 물론 야수화파는 현대예술의 표현주의 화파에 가장 빠르고 지속적인 영향을 미쳤다. 특히 20 세기 초반 몇 년 동안 표현주의는 독일에서 성숙했다.
야수파 이후의 마티스
마티스는 1905 와 1906 사이에서만 획의 풍부한 색채와 질감을 한계까지 끌어올렸다. 이는 그의 작품' 열린 창문, Lioure' 와' 집시' 에서 볼 수 있다. 같은 시기에도 그의 분석정신과 광활한 감성 능력은 여전히 다른 문제를 고려하고 있다. 럭셔리, 고요함, 쾌적함은 새로운 인상주의의 인턴십이다. 생명의 기쁨' 에서 그는 필법, 고용인, 나무 기복의 곡선을 익히기 시작했고, 넓은 지역에 색채를 배치하고 색조각을 제한하기 시작했다. 소년선원 2' 는 그가 광범위한 범위에서 진행한 또 다른 탐구를 보여줬고, 아마도 조각에 대한 관심이 날로 높아져 영향을 받았을 것이다. 그는 큰 물감으로 인물의 청록색 바지를 표현하고, 큰 색채 주위에 굵은 윤곽을 더해 인물의 모양을 간결하고 힘있게 만들었다. 배경은 옅은 분홍색의 평면으로, 인물이 눈에 띄었다. 붉은 줄무늬가 파란색을 입는다' 에서는 조각감이 더욱 뚜렷해졌고,' 럭셔리 2' 에서는 색채 평면의 공간 조직이 처음으로 큰 절정에 이르렀다. (윌리엄 셰익스피어, 럭셔리 2, 럭셔리 2, 럭셔리 2, 럭셔리 2, 럭셔리 2, 럭셔리 2) 여기서 예술가는 색블록의 대비와 병행을 통해 새로운 그림 공간을 만들겠다는 그의 의도를 성공적으로 완성했다. 비록 그가 투시를 포기했지만, 이 그림은 단지 표면의 장식이 아니다. 등고선으로만 모델링된 이러한 도면에는 실제 내용이 있습니다. 깊이, 빛, 공기의 환각으로 공간에서 존재하고 움직입니다. 이 착시현상은 완전히 색상과 모양으로 인해 발생하며, 화면의 무결성을 공고히 한다. 그래서 피카소와 브락이 원시 입체주의로 실험을 했을 때, 심지어 이 실험 전에도 마티스는 이미 새로운 그림 공간을 만들고 있었다.
"붉은 조화" 에서 그는 우주 탐험을 몇 걸음 앞으로 추진했다. 일찍이 1908 년, 그는 파란색으로 화음을 그리기 시작했고 1909 년 봄이 되자 다시 한 번 그렸다. 여기서 마티스는 식탁 절차로 돌아서서 1897 에 그렸다. 이 두 그림을 비교해 보면, 우리는 이 예술가의 작품에서 극적인 혁명이 일어났다는 것을 알 수 있다. 사실, 이것은 10 년 동안 현대 회화에서 일어난 혁명이다. 분명히 첫 번째 그림은 견습생이 그린 것이다. 상대적으로 인상파의 빛과 색채를 계승하여 공간을 수축시켰다. 이것은 평범한 탐구로 20 년 전 인상파 화가의 작품보다 더 전통적이다. 이 작품조차도 국가 살롱으로 보내졌을 때 보수주의자들로부터 인상파에 오염되었다고 호된 비판을 받았다. "붉은 조화" 에서 우리는 인상파, 심지어 더 높은 것보다도 더 기이하고 신비로운 새로운 경지에 들어섰다. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 지혜명언) 그는 조정되지 않은 붉은 벽돌로 방 안의 공간을 제한했다. 덩굴 패턴은 벽면과 책상 위에 고르게 분포되어 빨간색 블록의 화면 부착성을 높였다. 추상적인 나무와 식물이 녹색지대와 푸른 하늘을 받쳐 실외의 경치를 제한했다. 옥상의 붉은 건물은 방의 색깔을 반복해 이 산수화의 깊은 착각을 어느 정도 확립했다. 마티스는 형식적인 관점을 버리고, 창틀, 왼쪽 전경의 의자, 책상 위의 물건, 책상 가장자리 주위의 책상 위에 있는 덩굴과 같은 투시적인 포인트를 첨가했다. 본질적으로 색채와 선의 운용을 통해 럭셔리 2 보다 더 신선하고 실감나는 그림 공간의 세계를 창조했다.
사람들은 춤의 기원을 그리스 꽃병 그림이나 농민 춤으로 거슬러 올라가려고 시도했다. 특히 이 모제는 원래' 생활의 기쁨' 의 배경에 사용되었지만, 그 그림에서 캐릭터는 더욱 완벽한 환각 깊이에서 회전했다. 춤의 색깔은 제한되어 있고, 바닥은 짙은 녹색이고, 하늘도 진한 파란색이며, 인물은 벽돌색이다. 하늘과 바닥의 색덩어리가 전경의 인물을 닫았지만, 그들은 여전히 공기가 가득한 공간에서 한가롭게 춤을 춘다. 이 공간은 색조의 대비와 나란히, 자신의 윤곽 모양과 압도적인 회전감으로 인해 발생합니다. 색채의 광도와 순도는 서로 다른 빛 속에서 끊임없이 변하며, 항상 시각적인 떨림을 일으켜 화면 전체를 춤추게 한다. 음악은 춤의 열광을 완벽하게 부각시켰다. 이 인물들, 그들의 잎은 정적이고, 긍정적인 자세에 처해 있고, 서로 연락이 없어 황홀하고 후퇴하는 기조가 생겼다. 이 두 그림에서 그는 그보다 오래된 화가들의 전원세계를 바꿔 20 세기에 이런 변화를 입력하면서 원래의 매력과 신비를 보존했다.
마티스의 일생의 예술 경향은 극단적인 단순화와 장식 세부 사항 사이를 번갈아 가는 경향이 있다. 그가 춤과 음악을 그린 후, 그는 실내를 표현한 작품들, 특히 스튜디오 내부를 계속 그렸다. 그의 그림 속에서 화려한 동양태피스트리에 대한 그의 사랑은 충분히 전시되었다. 그는1910-1911에서 스페인을 방문했다. 1911-1912 에서 모로코를 방문한 적이 있습니다. 나 는1912-1913 에서 또 이 곳을 다녀왔다. 이러한 견학은 그로 하여금 일생에서 가장 풍부하고 기이한 풍경화를 창작하게 하였으며, 아마도 색채 햇빛에 대한 그의 애착을 굳게 한 것 같다. 이런 색깔의 햇빛이 이전에 그의 그림에 나타났는데, 아마도 이것은 그의 작품이 다른 모든 작품을 능가하는 특징일지도 모른다.
레드 스튜디오' 는' 레드 조화' 에 비해 단순하고 통일된 색채 원칙을 크게 높였다. 스튜디오 내부에는 바닥과 벽을 덮고 있는 통일된 빨간색 블록이 있다. 흰색 선은 화면과 일정한 각도로 안쪽으로 확장되며 화면에 거의 평행한 두 번째 선과 교차하여 방의 코너를 형성합니다. 책상, 의자, 찬장, 조각용 선반은 모두 흰 선으로 그려졌는데, 이 가구들은 귀신처럼 보인다. 화룡점정은 화가의 그림이거나, 벽에 걸려 있거나, 발뒤꿈치에 쌓여 있다. 도자기, 조각, 꽃병, 유리잔, 연필도 있습니다. 19 1 1 마티스가 이 그림을 그렸을 때 피카소, 브라크 등 입체파 화가들은 이미 자신의 방식으로 그림 공간의 조직과 수축에 대해 약 5 년간의 실험을 진행했다. 마티스는 이러한 사상의 영향을 받았지만, 그는 반드시 자신의 해결책을 찾아야 한다. 하지만 입체주의 분석으로 자신의 조직 구조를 정사각형으로 단순화한 것 같다. 붉은 화실은 마티스 자신의 입체파 형식의 시작을 상징하는데, 이 형식은 앞으로 몇 년 동안 줄곧 그를 끌어들였다. 이것은 기하학적 단순화의 한 형태입니다. 이런 형태에서 물체는 평평하고 정면이지만, 화면이 깨지고, 움직이고, 기울어지는 정도에 도달한 적이 없다. 진정한 입체파 작품에서 변화무쌍한 시각적 느낌은 이미 일부 관객들 사이에서 생겨났다.
마티스의 피아노 수업은 더욱 엄숙해졌는데, 아마도 예술가가 입체파에 들어가는 가장 성공적이고 특색 있는 단거리 여행이었을 것이다. 이 작품에서 기하학적 색채 평면 (예: 귀여운 회색 녹색 평면, 장미 빨간색 경사) 은 크고 추상적인 방식으로 배열되어 있다. 발코니 위의 철격자창, 악보 선반 위의 장식 구부리기 패턴은 모두 이 평면들의 산뜻한 펜이다. 아이의 머리는 선으로 형상화되어 조각감이 있다. 배경에 앉아 있는 인물은 마티스의 조각' 장식인물' 을 떠올리게 하는데, 그의 많은 작품들에 등장했습니다. 이 모든 것이 환경을 명랑하게 한다. 여기서 마티스는 입체주의의 표현에 대해 강한 개인적 스타일을 가지고 있으며 피카소, 브라크, 그레이스의 주요 상징인 움직임과 비스듬한 시각은 전혀 없다. 이 그림의 정면, 기하학 블록, 주도적인 통일 평면은 마티스가 몬드리안 후기의 객관적이지 않은 그림과 추상적인 그림에 의존하고 있음을 보여준다. 그러나, 그는 여전히 물체에 대한 의식과 활발한 공간에 대한 흥미를 가지고 있다. 이 공간에서 사람이 걸을 수 있고 숨을 쉴 수 있다는 것은 누구나 볼 수 있는 것이다. 향수와 묵상의 정서는 이 그림의 정수이다.
제 1 차 세계대전이 끝나기 전후로 마티스와 피카소, 그리고 구상에 반대하는 많은 인물들처럼, 또' 릴랙스 상태' 에 빠진 것 같은데, 마치 자연으로부터 배워서 자강불식해야 할 것 같다. 그가 입체파에 가장 가까웠을 때에도 그는 자연에 대한 묘사를 포기할 필요가 없다고 느낀 적이 없다. 피카소처럼 그는 모델, 예쁜 초상화, 선화를 계속 그리고 있다. 입체주의와 형태를 바꾸는 과정에서 그는 일련의 풍격이 자유롭고 색채가 풍부한 인물을 그렸다. 이 인물들은 실내나 풍경에서 그의 야수파 그림과 통하는 점이 있다. 19 19 그는 색화와 스케치, 특히 세기 초 이후 어떤 그림보다 현실적인 작품을 그렸다. 백깃털' 은 이 상대적 현실의 새로운 시대를 설명하고, 이와 관련된 실루엣이 있다. 모델은 노란색 옷을 입고 패딩이 달린 모자를 쓰고 있다. 붉은 배경 아래 그녀의 윤곽을 드러내며 입체적인 실체의 느낌을 주는데, 이는 감성적인 인물 조형과 가장 독특한 얼굴 조형물로 인한 것이다. 이것은 고전적인 초상화인데, 그 엄밀한 선은 천사의 전통을 생각나게 한다. 또 다른 설법은 그가 10 년 전' 대인물 작문' 에서 말한 것처럼 순수하고 간결하다는 것이다. 1920 년대 초반의 또 다른 장식 번영기, 즉 노예의 시대로 이어졌다. 당시 마티스의 색채 패턴에 대한 심미는 그가 평생 달성하지 못한 최고봉에 이르렀다. 장식 배경 속 장식적인 인물은 그의 작품 중 가장 로코코 스타일의 상황을 구현했다. 조각 같은 나체 스타일도 사용했지만, 화면에 매우 개인화된 변화를 가져왔고, 조각에 대한 그의 관심의 지속과 발전을 암시했다. 이 시기에 이런 입체인물은 그의 조각과 그가 창작한 석판화에 나타났다.
마티스의 채화, 스케치, 판화가 그의 가장 조각감 있는 수준에 이르렀을 때, 그는 갑자기 극단적인 선주의로 바뀌었다. 펜실베이니아주 메리언의 반스 재단이 193 1 에서 의뢰한 무용을 주제로 한 벽화에서 영감을 받은 것 같습니다. 193 1 및 1932 기간 동안, 그는 이 작품을 만들 때 예기치 않게 공간 크기가 틀렸다는 것을 깨닫고 다시 한 번1932 에서 다시 했다 첫 번째 벽화는 현재 파리의 작은 전시장에 있다. 후자의' 춤 2' 는 극도의 단순화에서 탐구의 정신을 보여 주며, 전편이 달성한 단순화를 능가하기도 한다. 캐릭터는 검은색, 밝은 파란색, 장미색의 추상적인 평면으로 돋보이는 평평한 회색 윤곽으로 표현됩니다. 특히 흥미롭게도 예술가는 색채 관계를 시도할 때 컬러 오려내기를 사용했다. 이는' 스티커' 로 들어가는 초기 과도기 단계이며, 그의 만년 최고의 작품들을 대표한다.