첫째, 전통 예술과 창조 예술의 차이점과 실용성:
1, 전통은 흔적이 있고, 범위가 있고, 규정이 있고, 이전에 존재했던 정의가 있다. 미술 기본기에 대한 강조.
2. 창조예술은 내용 형식이 제한되지 않고 외연이 제한되지 않고, 사고훈련, 조곡의 능력과 상상력을 넓히는 것이다.
이 둘은 결코 대립하지 않는다. 아이가 배우려면 성격에 따라 선택해야 한다. 둘 다 배울 수 있습니다.
둘째, 전통 예술의 특징과 한계:
1, 회화 방법, 회화 기교, 아이가 그리는 것을 더 중요하게 생각합니다. 때때로 아이들은 그림을 다 그렸을 때 무엇을 그렸는지 모른다.
2. 아이의 감성과 상상력을 발굴하는 장력이 부족해 아이의 사고 발전을 제약한 혐의가 있다. 특히 나이가 어린 아기는 현재 그림의 성형 단계에 있다. 사실 아이의 지능과 지능은 모두 비슷하다. 관건은 방법과 경로가 과학적으로 정확해야 한다는 것이다.
셋째, 창조적 인 예술의 특징:
1, 전통 예술 전복; 아이들은 평일에 본 것, 사람, 동물, 식물, 스타일, 건축, 유치원에서 다양한 재미있는 장난감과 생활게임 등을 들었다. , 예술 활동을 통해 구현할 수 있습니다. 교사가 세심하게 설계한 주제 과정은 이야기를 배경으로 아이들의 호기심을 불러일으켜 관찰, 사고, 탐구를 시작했다.
믹스 앤 매치 아트; 선생님은 기본적인 미술 기교를 각기 다른 재료에 적용해 각종 재료의 아름다움을 발견하게 하고, 아이들을 데리고 창작의 즐거움을 함께 체험하고, 아이의 창의적 사고 습관을 기르게 한다.
3. 재미있는 이야기, 그림, 이미지, 실물 등 매체를 결합해 아이들이 자유롭게 관찰하고 상상하게 하고, 예술 창작의 잠재력을 발굴하고, 수뇌 결합 능력을 높여 아이를 더욱 똑똑하게 한다.
넷째, 전통 예술:
지역별로는 중국 전통예술과 서구 전통예술로 나눌 수 있고, 중국 전통예술은 중국 전통회화를 가리키며, 유형별로 공필과 자의로 나누고, 내용별로 인물, 산수, 꽃새, 서구 전통예술, 중국 전통으로 나뉜다.
다섯째, 창조적 인 예술의 장점:
창조적 예술은 아이들의 천성과 창의력을 자극하는 열쇠이다. 창조적 예술은 다음과 같은 일을 할 수 있습니다.
1. 아이를 존중하고 동등하게 교류하다. 어린이는 심리적 성숙도에 상응하는 자유 권리를 누려야 하며, 아직 성숙하지 않았다는 핑계로 그들이 마땅히 받아야 할 자유를 박탈해서는 안 된다. 우리는 아이들을 발전의 독립된 개인으로 여기고, 그들의 감정과 사상을 존중하며, 우리의 의지를 그들에게 강요하지 않고 동등하게 교류할 것이다. 예술 창작에서 민주주의와 자유를 존중하는 것은 아이의 잠재력을 발휘하고 좋은 작품을 만드는 데 도움이 된다.
2, 목표가 명확하고 격려가 주를 이룬다. 아이는 발전하는 개인으로, 정신 발육은 미성숙 상태에 있다. 그래서 창작 예술에서 우리가 가장 중시하는 것은 회화 기교가 아니라 내면의 감정과 감정이다.
흥미를 자극하고 적당한 교육을 하다. 크리에이티브 아트는 맹목적으로 주입하는 것이 아니라 아이들의 흥미를 자극하는 데 기반을 두고 있으며, 그렇지 않으면 예술에 대한 아이들의 흥미를 손상시킬 수 있으며, 크리에이티브 아트는 미적 경험과 회화 기교를 가르쳐 아이들이 그림에 대한 흥미와 자기감상력을 키울 수 있게 한다. 어떤 기초적인 창작도 없이 아이를 두려워하게 하고 흥미를 잃게 할 수 있다.
4. 적성에 따라 가르치며 귀납에 능하다. 각 아이의 발전 수준이 다르면, 우리는 아이의 기존 능력과 발굴할 수 있는 최대 잠재력을 고려하여 다른 사람에게 도움과 지도를 해 줄 것이다. 내성적인 성격의 경우, 선생님의 급우들 앞에서 자유롭게 그림을 그리고 자신의 아이를 전시할 수 없다면, 우리는 그들을 안내하고, 느슨한 환경을 조성하고, 그들로 하여금 자신을 보여줄 수 있는 충분한 자신감을 가질 수 있도록 할 것이다. (존 F. 케네디, 자신감명언) 정체되어 있지만 여전히 잠재력이 있는 아이들에게는 필요한 기술을 습득하고 끊임없이 혁신할 수 있도록 유도할 것이다. (존 F. 케네디, 공부명언)
자동사 요약
전통은 흔적도 있고, 범위도 있고, 규정도 있고, 기존에 존재했던 정의도 있고, 예술의 기본기에 초점을 맞추고, 창작예술은 내용 형식에 국한되지 않고, 무한히 확장되며, 훈련 사고에 초점을 맞추고, 조곡의 능력과 상상력을 넓히는 것이다. 이 둘은 결코 대립되는 것이 아니다. 아이가 배우려면 성격에 따라 선택해야 한다. 둘 다 배울 수 있습니다.
아동미술과 아동창조미술이 다른가요? 차이점은 "아이디어" 입니다. 기본적으로 일반적인 회화는 모양을 요구하고, 창작예술은 다를 수 있지만, 그림을 보는 사람에게 무한한 상념을 불러일으킬 수 있다. 마치 이렇듯 또 아닌 것 같다. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 예술명언) 그리고 어린아이들은 색깔에 매우 민감하며, 심지어 마음대로 색조각을 넣을 수 있어 전혀 의미가 없지만, 낙서와는 달리 전체적인 시각 효과가 매우 뛰어나다.
아이들의 창작 예술과 일반 예술의 차이점은 무엇입니까? 성인 예술은 인간의 심신 성숙과 조율 운영, 그리고 감정의 깊이, 안정성, 지능 성숙에 기반을 두고 있다. 그 기본 내용은 성숙한 사람들의 사회와 자연에 대한 성숙한 인식과 미디어 처리에 대한 뛰어난 기교와 숙련도를 반영한다.
아이들은 전통예술을 배워야 합니까, 아니면 창조예술을 배워야 합니까? 어린이 창작예술은 어린이 전통예술과 크게 다르다. 어린이 창작예술은 아동의 상상력, 창의력, 감상능력을 키우는 데 더 많은 관심을 기울이고, 그림뿐만 아니라 생활에 가까운 다양한 예술 학습에도 동참한다. 전통 예술은 기교와 결과의 훈련에 더 치중하고, 예술의 전문을 소홀히 한다
전통예술과 창조예술의 차이 전통예술은 지역별로 중국 전통예술과 서구 전통예술로 나뉜다. 중국 전통예술은 중국 전통회화를 가리키며, 유형에 따라 공필과 프리 핸드, 내용에 따라 인물, 산수, 화조화로 나뉜다. 서양 전통 예술은 중국 전통 예술과 크게 다르다. 화면 레이아웃에서 중국 전통 회화와 유럽 회화는 뚜렷한 차이가 있다. 즉 중국화는 화면을 매우 중시하는 것이다. 공백은 비어 있지 않고, 산 속의 구름일 수도 있고, 강 위의 아침 안개일 수도 있고, 일월의 빛일 수도 있고, 심지어 허무할 수도 있다. 어떤 사람들은' 백포' 가 중국화의 가장 주목받는 점이라고 생각한다. 화가는 그림의 시적인 전달을 강조하는데, 그 공백은 시의 불확실성과 모호성의 상징이 될 수 있으며, 관람객들에게 상상의 공간을 남겨 줄 수 있다. 20 세기 중국의 위대한 화가, 문학가 소관 (1036- 1 1) 이' 시 속에 그림이 있고, 그림 속에 시가 있다' 는 관점을 제시한 것도 후세 화가가 추구하는 것이다
창작예술은 인간의 창의력과 상상력에 더 많은 관심을 기울이고, 직접 아름다움을 만지고 아름다움을 느끼는 기초 위에서 자신의 작품을 창작한다. 사람들이 항상 아름다움을 창조할 수 있도록 소재와 아이디어를 주세요.
크리에이티브 아트란 무엇입니까? 창조적 예술과 전통 예술의 차이점은 무엇입니까? 창의력 예술은 아이들의 풍부한 상상력을 자극할 수 있다. 아이에게 기성 기능 기술을 가르치는 것이 아니라, 편안한 말투를 창조하는 것이다. (알버트 아인슈타인, 생각명언)
환경, 아이들이 관찰, 상상, 사고를 하도록 지도하고, 실제 작업에서 회화 방법을 탐구하고, 흥미를 키우고, 아이에게 줄 것이다
적절한 안내, 마지막 * * * 협력 작업 평가.
전통 미술 교육은 이성적인 지식과 기술의 전수만 중시하고, 전문 기술의 전수를 지식을 습득하고 이성을 발전시키는 근본으로 삼는다.
이런 식으로, 교사는 가르치는 동안 아이들에게 지식을 주입하고, 아이들은 수동적으로 죽은 표현 방식을 받아들여 상쇄하고 억압할 수밖에 없다. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 공부명언)
그것은 직감적인 인지 기능을 억제하고 아이의 영감과 재능을 말살했다.
게임 예술과 전통 예술의 차이점은 무엇입니까?
설계사의 관점에서 볼 때, 인간의 설계 활동과 설계 의식은 두 단계로 나눌 수 있다.
첫째, 인류의 존재 초기부터 오랜 인류 문명 발전 과정을 거쳐 결실이 많은 수공예 설계 단계를 거쳐 공예 미술사로 요약했다. 첫째, 산업 혁명 이후 기계 생산, 분업, 상업 발전에 따라 나타난 산업 디자인 단계는 모리스가 주창한' 영국 공예 미술 운동' 을 이정표로 현대 디자인사로 요약했다. 전자는 장기적인 생활 관행과 예술 창작 실천을 바탕으로 한 것으로, 인간 기술과 예술이 고도로 결합된 창의적 행위로 실용예술과 진설공예 미술으로 나눌 수 있다. 후자는 현대 산업 디자인과 현대 예술 디자인을 포함한 과학과 예술의 결합이다. 그들은 인류의 탄생과 함께 탄생했고, 인류의 발전에 따라 변화했고, 스모그 속에서 인류의 모든 휘황찬란함을 뛰어넘어 역사 문화 유산을 풍요롭게 할 뿐만 아니라, 인류 사회의 휘황찬란한 물질문명과 정신문명을 창조했다. 그것은 이미 사회 진보와 발전을 촉진하는 동력이 되었으며, 사람들이 다투어 토론하는 영원한 화제가 되었다.
예전에는 둘 사이의 관계에 대해 약간의 오해가 있었다: 1. 그들은 이 둘을 선진과 낙후로 여기고, 현대 디자인의 목적은 혁신이라고 생각하며, 전무후무한 것으로 여겨야 한다. 2. 공예미술을 신성불가침의 물건으로 간주하여 넘을 수 없는 높이로 받든다. 3. 전통을 생활의 모든 측면으로 간주하고, 우리가 전통에서 성장하고, 하는 것은 당연히 전통이므로, 일부러 찾지 않아도 된다. 그러나 이런 주장들은 편파적일 수밖에 없다. 그럼 둘 사이의 관계는 어디에 있을까요? 이 문제를 두 가지 측면에서 분석하고 설명하겠습니다.
1. 현대디자인과 공예미술의 대립
공예 미술과 현대 디자인의 역사는 인간의 지혜의 성과를 보여주는 역사이며 감성 디자인, 제조, 기술의 융합의 과정이다. 그들은 인류의 발전과 사회의 교체와 병행하여 그 제약을 받는다. 시대마다 스타일이 다르고 시기마다 의미가 다르다.
공예 미술 시대에, 사람들의 자연에 대한 인식은 한계가 있고, 사회 생산력이 발달하지 못했다. 설계된 물품은 도자기 가구 각종 가전제품 등 기능이 간단한 일용품이다. 그들의 생산 방식은 주로 수작업에 의존한다. 보통 한 사람이나 폐쇄된 작업장은 제작단위이고, 프로듀서와 디자이너는 종종 일체이며, 프로듀서는 자유롭게 발휘할 수 있는 공간을 가질 수 있다. 그래서 생산된 제품은 개성과 특색이 풍부해 장식을 통해 디자인 스타일을 구현하고 제품 가치를 높인다. 동시에, 사회 이데올로기의 영향을 받아, 디자이너는 왕왕 권신의 사상을 가지고 황친귀족의 이익을 가장 높은 심미 기준으로 삼고, 결국 공식 정통 예술을 주도하는 디자인 체계를 형성하였다. 예를 들면 주조가 분봉제를 실시하고, 황제가 위에 있고, 제후가 아래에' 예치국' 을 강조하는 것은 존비가 뚜렷한 시대이다. 공예 미술에 반영된 공예 제작의 풍격은 종종 고정적인 규격을 가지고 있지만, 전문화에 있어서는 뚜렷한 질서감을 나타낸다. 링, 도문처럼 엄밀한 왕복주기의 특징을 가지고 있다. 송자, 송대의' 내성외왕' 과' 중문경무' 의 정책으로 풍격에 거대한 웅장함이 부족해 섬세하고 완곡하며 가볍고 찰랑거리는 것으로 유명하다. 그리고 서방이 종교의 출현에 따라 형성된 고딕 양식의 디자인 (교회의 높이는 하나님과 교회의 위엄을 과시하는 데 유리하며, 사람들은 경외감을 느낄 수 없다), 그리고 18 세기 초 프랑스 왕실의 럭셔리한 향락과 조화를 이루며 발전한 화려하고 공허한 로코코주의는 통치계급의 독특한 공예미술 특징을 더욱 드러낸다.
시대가 발전함에 따라 공예미술의 개념이 점차 달라졌다. 특히 기계의 개입과 대규모 공업화 생산의 실현은 새로운 의미를 부여했고, 인간 사회는 현대 디자인 시대로 접어들었다. 현대 디자인은 예술과 과학의 결합의 산물이며, 그 특징은 산업화 조건 하에서의 디자인이다. 뚜렷한 공업시대의 특징을 가지고 대중에게 봉사하고 민주의식이 강하다. 그의 진정한 기원은 부유한 사회의 더 나은 상품에 대한 갈망이며, 기술은 이런 갈망을 촉진하는 물질적 조건과 기초이다. 첫째, 과학기술은 상품의 생산 지역을 대량으로 만들고 그에 따라 상품의 원가를 낮추어 대중의 소비를 가능하게 한다. 둘째, 과학기술은 사회경제의 발전을 촉진시켰고, 인민생활은 비교적 부유하다. 물질적 생활이 충족된 후, 사람들은 예술과 미에 대한 추구가 더욱 보편화되었다. 이에 따라 인간 디자인은 대규모 생산과 대규모 소비의' 범예술시대' 에 접어들면서 이 시대부터 다양한 스타일이 등장하고 있다. 국제시장에서 매우 유행하는' Skand Navia' 스타일과 마찬가지로 그는 간결하고 섬세한 솜씨와 부드러운 소장형식으로 유명하며 천연 소재와 우아한 색채로 민주주의의 중산층 분위기를 드러낸다. 또한 기계와 그 제품, 기하학적 구도를 강조하는 미래주의, de stijl, 건설주의 등 현대예술유파의 부상, 역사적 풍격에 치중하고 전통 디자인에서 창작 영감을 찾는 포스트모더니즘이 현대 디자인에 빛을 더해 다양성의 면모를 보이고 있다.
2. 현대 디자인과 공예 미술의 통일
현대디자인과 공예미술은 인류 특유의 창조행위로 자신의 생존 상황을 개선하기 위한 활동이다. 진리를 찾고 세계의 본질을 탐구하는 과정에서, 그들은 다른 시대와 특징을 가지고 있지만, 그들의 창작의 기원은 국민을 위해 봉사하는 취지와 거의 같다. 이러한 목표의 일치와 연관은 상호 영향과 침투의 견고한 기초이다.
우선, 창작의 형식과 색채에 있어서, 그것들은 같은 창작의 근원인 자연을 가지고 있다. 자연은 정신의 원천으로서 우리에게 디자인과 창작에 무한한 영감을 주며, 그 조형 경험의 누적된 성과는 조형 발전의 원동력이다. 우리 조상들은 그들의 생활과 번식의 생태 환경에서 심미 대상을 포착했다. 자연의 조화와 균형을 직관적으로 느끼다. 자연계의 다채로운 형태와 색채, 다른 구조, 변화무쌍한 계층, 미묘한 지역 전환, 그들의 성장과 운동 방식, 질서 있는 변화, 정보를 전달하는 소리와 언어 등. 디자이너에게 끝없는 영감을 주었습니다. 씨족의 기하학 도안, 전국 평면 도안부터 한대의 구름, 당대의 모란, 이집트 신전의 돋을새김과 그리스의 색도부터 신예술운동의 유동 형태와 모더니즘의 간결한 선까지. 공예 미술 시대의 조형예술이든 삶의 진실과 거칠기를 하나로 잡고 재료와 형식을 자연에 대한 모방에 치중하고 있다. 또는 현대운동에서 끊임없이 등장하는' 자연으로 돌아가는' 디자인 스타일은 디자이너의 조형예술의 본질적 의미와 진리에 대한 추구를 보여준다. 자연에 대한 디자이너의 깊은 열망을 표현했다. 그것들은 모두 자연의 다양한 형태에 기반을 두고 있으며, 사람들이 자연을 연구하는 방식은 다를 수 있지만, 인간의 인식과 창조의 기본 형태와 원리를 바탕으로 한 확연히 다른 변형일 뿐이라고 할 수 있다.
둘째, 사회적 관점에서 볼 때, 디자인은 사람을 위해 설계되었다. 이는 공예 미술이든 산업혁명 이후에 일어난 현대 디자인이든 모두 특정 역사적 환경, 경제, 과학 기술의 발전, 인류 문화의 발전과 결합되어 있기 때문에 그들의 목적은 단순히 물건을 창조하는 것이 아니라 문화적 의의가 있는 제품을 생산하는 것이다. 그러나 인류 사회가 역사 사건 과정에서 창조한 물질적 부와 정신적 부의 합계로서, 일종의 침전과 축적으로 돌이킬 수 없는 전승성을 지녔으며, 이는 공예 미술이 필연적으로 병행하여 현대 디자인에 깊은 영향을 미칠 운명이었다. 한편, 현대 인식론의 이해에 따르면, 사람들은 새로운 것을 알 때 자기도 모르게 원래의 인지 모델을 참조할 것이다. 한편, 역사적 사실에 따르면, 공예 미술의 발전과 함께, 사람들이 삶을 해석하는 사상, 의식, 관념, 사고방식을 풍부하게 하는 새로운 예술 디자인 활동 형식도 많이 등장했습니다. 직접 또는 간접적으로 현대 디자인 포장의 생성과 확장을 촉발시켰다. 예를 들어 공예미술운동, 신예술운동, 장식예술운동, 독일 바우하우스까지, 이른바 현대디자인은 실제로 사람들이 새로운 기계시대에 기존 창조경험을 비판, 조정, 수정한 산물이다. 새로운 시대 창조활동과 생활세계의 정확한 연계를 모색하다. 이 시점에서 현대 디자인 과정이 처음부터 끝까지 공예 미술의 존재를 스며들고 있다는 것을 쉽게 알 수 있다.
요컨대, 현대 디자인과 공예 미술의 관계는 대립 통일의 관계이다. 그것들은 유기체의 두 가지 역사적 단계의 산물이다. 서로 다른 문화를 담고 있으며, 각 문화는 뚜렷한 특징을 가지고 있다. 그들은 미화하고 인간의 생활에 영향을 미친다. 인간의 본성에 비해 둘 다 인간의 요구를 만족시키기 위한 것이지만, 표현이 일치하지 않지만 근본적인 차이는 없다. 장기간의 사회실천은 현대디자인과 공예미술이 자연과 사회에 기반을 두고 있으며, 서로 융합하고 서로 도우면서 생성되고 진화할 수 있다는 것을 증명했다. 어느 정도까지, 창작 수법과 창의성에서 현대 디자인은 공예 미술의 지속, 풍부함, 발전이라고 할 수 있다. 따라서 우리는 현대 디자인이나 공예 미술을 일방적으로 강조할 수는 없지만, 그 개념을 분명히 하는 동시에 현대 디자인에 대한 전통 공예 미술의 계승과 발전에 더 많은 관심을 기울여야 한다.
너를 도울 수 있기를 바란다 ~ ~ ~ ~
창조적 예술과 전통 예술의 차이점은 무엇입니까? 전통 예술은 수채화 펜이나 크레용으로 종이에 간단한 모양을 그리는 것이다. 예: 나무, 사람, 산, 강. 크리에이티브 아트는 그림을 바꾸는 도구와 매체입니다. 그림의 수단을 다양화하고, 항상 색채 형태에 대한 깊은 인식과 이해를 풍부하게 한다. 크리에이티브 아트는 주변 도구로 그릴 수 있으며, 형식은 더 이상 제한되지 않습니다. 예를 들면 생활용품, 칫솔, 젓가락, 빨대 등을 사용한다. 주변 환경이나 듣는 음악과 멜로디에 따라 그림을 만들 수도 있다.
창조적 예술과 전통 예술의 차이점은 무엇입니까? 창조미술은 현재 아동미술 학원이 제시한 개념이다! 당신을 끌어들이기 위해 유료에 등록하세요! 실례합니다. 예로부터 지금까지 어떤 예술이 창조적이지 않았습니까?
어린이 창조미술과 설명서 묘사가 잘 안 돼서 당신의 구체적인 요구를 모르겠어요. 당신은 교수법을 묻고 있습니까? 아니면 아이들에게 도움이 될까요? 창조미술은 일반적으로 수공과 결합되어 아이들의 상상력, 창의력, 표현력을 더 잘 키워준다.