민속 예술 전통
민속 예술의 전통은 누구나 민속 예술에 대해 많이 알아야 합니다. 민속 예술의 계승과 지속은 자연스럽습니다. 아래에서 민속 예술의 전통에 대해 알아보세요. 민속 예술 전통 1
민속 예술의 전통과 발전
민속 예술은 궁중 예술, 문인 예술과 같은 예술 형식과 관련하여 존재하며 예술 형식에서 직접 파생됩니다. 대중을 위해. 수천 년 동안 예술을 열등한 것으로 분류하고, 민속예술을 저속하고 조잡하게 취급하면서 형성된 관념은 민속예술의 생명력을 손상시켰으며, 특히 산업혁명 이후에는 민속예술의 뛰어난 성과를 보존할 수 없는 것으로 여겨졌다. 낙후된 수공예 산업으로 버려졌습니다.
중국 민속 문화의 필수적인 부분으로서 민속 예술의 예술적 가치는 민속 예술 자체를 훨씬 능가하며 철학적, 미학적, 고고학적, 역사적, 사회학적, 인류학적 의미가 매우 풍부합니다. 중국 민족문화의 결정체.
1. 민속예술의 기원
민속예술과 원시사회 예술은 그 발생, 발전, 범위, 특징, 법칙에 있어서 같은 선상에 있다. 예술의 측면에서 그들은 모두 어느 정도 유사성을 가지고 있습니다. 민속예술은 원시미술과 마찬가지로 예술적 실용성과 미학적 생존성을 지닌다. 오늘날 볼 수 있는 민간 종이 공예와 자수에는 아직도 원시 예술의 흔적이 남아 있는 민속 예술이 많이 있는데, 원시 도자기에 마법의 색을 입힌 토템 상징이 많이 남아 있다.
민속 예술은 고대 조상들의 노동과 생활 관행에서 유래되었습니다. 노동 도구를 만드는 과정에서 원시인들은 날카롭고 균형이 잘 잡혀 있으며 매끄러운 도구가 특히 사용하기 편리하다는 것을 알았습니다. 실용성 미학의 추구는 점차 시각적 즐거움의 추구로 발전하여, 실천적 창작활동을 바탕으로 미학을 발전시켜 실천적인 물질적 요구와 심미적 정신적 요구를 동시에 충족시켰다.
예를 들어 신석기시대 고대 인류가 굴착 기술을 발명한 것은 조개껍질과 동물 뼈로 만든 목걸이가 자신을 장식하고 이성을 유혹하는 최고의 도구였다. 문화 다양한 장식문양을 지닌 채색토기는 무속의식의 색채를 띠고 있을 뿐만 아니라 시각적인 대칭성과 리듬감을 추구한다. 석기, 목걸이, 도기 등의 예술작품은 민속예술의 초기 형태이며, 소박하고 검소한 형태는 이후 다양한 예술 발전의 기반이 되었다.
생산력의 발달과 사회적 분업의 정교화로 인해 민속예술의 분류가 많아지고, 제작 기술도 더욱 세밀하고 다양해졌습니다. 은상왕조부터 현대에 이르기까지 민속예술은 번영하는 발전을 이루었으며, 강한 생명력으로 사람들의 일상생활 필수품에 침투해 왔습니다.
대나무 직조, 짚직조, 바틱, 점토 조각, 종이 커팅, 설날 그림, 푸른 옥양목, 자수 커튼, 두두, 무늬 머리 스카프, 그림자 인형 등 민속 예술 작품은 모두 창작을 위해 만들어졌습니다. 실용적이지만 동시에 실용성과 심미성을 하나로 통합합니다. 민속예술은 고대 우리나라의 주요 예술형식으로서 수천년의 고대문명사에서 강력한 예술적 힘을 발휘해 왔습니다.
2. 전통 민속 예술의 계승 방법
1. 말과 행동을 통한 교육.
민속 예술은 탄생 과정에서 사람들의 일상 생활과 밀접하게 관련된 독창적 인 예술 형식입니다. "말과 행동으로 가르치는 것"은 중국인의 삶과 교육의 목적이자 수단입니다. 민속 예술은 다른 민속 문화와 마찬가지로 이러한 전통에서 벗어나지 않았습니다. 사람들 사이에 기술을 전파하는 데 있어 '말과 행동으로 가르치는' 역할은 가족 중심의 기술 계승 환경에 반영되며, 스승과 견습생, 부자 관계 간의 직접적인 전수 방법입니다.
민속 예술 창작에 종사하는 대부분의 사람들은 정규 문화 교육을 받지 못한 농부들입니다. 그들의 창작 경험은 글쓰기를 통해서만 전파될 수 있습니다. 가장 직접적이고 검소한 방법을 통해서만 가능합니다. "구두". 기술 경험이 다음 세대에 전달됩니다.
말은 꾸며낼 필요가 없고 자연스럽고 캐쥬얼해서 좀 더 생생하고 직관적으로 실력을 전달할 수 있다.
이러한 전송 과정에서 민속 예술가들은 수신자가 창작 규칙을 더 쉽게 기억할 수 있도록 몇 가지 기억하기 쉬운 공식을 만들었습니다. 예를 들어 민속 예술 기술의 규칙을 상위 수준으로 요약한 것입니다. , Huishan 점토 인형의 제작 공식, 점토 인형의 모델링은 브러시를 사용할 때 "먼저 얼굴을 열고 꽃을 장식하고 뒷면에 금색과 색상을 칠해야합니다", "직선은 직선이어야합니다." 곡선은 곡선이어야 합니다." 색상을 적용할 때 "빨간색은 밝고, 녹색은 섬세해야 하며, 흰색은 만족스러워야 합니다."
민속 그림자 인형 공식: "원하는 경우" 나쁜 아이는 눈구멍에 코를 꽂아라", "선비에게는 못이 있고 무사는 활이 있다" 등이 있다. 민간의 스승과 제자 계승에는 '말로 가르치는 것'보다 '모범으로 가르치는 것'이 더 많을 수 있습니다. 많은 민속예술 전파자들이 자신의 문화와 능력에 제약을 받아 기술의 본질을 정확히 표현하지 못하는 경우, 실습을 통해 견습생을 교육하고, 견습생이 장인의 기술을 관찰하는 '모범으로 가르치는' 방식이 되어버렸다. 민속 예술의 주요 보급 방법.
2. 텍스트 및 지도 기록.
은상대 이후 문자의 등장은 민속예술 보급의 탄탄한 매체 기반을 마련했고, 민속예술도 문자를 매개로 소통의 형태로 등장해 그 범위가 크게 확대됐다. 그 보급의. 민간 창작자가 쓴 민속 공예와 예술 기록을 기록한 이론 논문이 몇 가지 있는데, 전자는 전진 시대의 "고공기", 당나라의 "장인법"과 같은 공식적인 수정의 흔적을 가지고 있습니다. 명나라의 "천궁개" 등등.
예술악보가 대대로 전승되는 민속예술은 주로 그림악보, 패턴컷악보, 그림자놀이악보, 신년그림판화악보, 이러한 민속 예술 형식은 모두 양식화되어 있습니다. 템플릿 중 일부는 집단적 창의적 요약이고 일부는 유명한 예술가가 손으로 그린 것이며 일부는 다른 예술 형식에서 빌린 양식화된 패턴을 적용한 것입니다. ② 아이들은 출신이 다르지만 모두 수많은 세대를 거쳐 점차 축적되고 개선되고 재창조된 복사본이다. 이러한 형태의 소통은 대중화와 보급에 도움이 된다. 민속 예술가들의 교류에 도움이 됩니다.
3. 민속 예술의 전파.
민속 예술의 보급과 그림의 보급은 모두 '물건'을 매개로 한 보급이다. 그러나 이는 창작자 내부로 전파되는 것이 아니라, 이러한 미술품의 구매자를 통해 민속예술의 기술을 전방위로 전파하는 역할을 한다. 이러한 상품교환 참여는 산업 내 커뮤니케이션 방식에 국한되지 않고 민속예술의 커뮤니케이션 방식을 더욱 광범위하게 만들고 사회적 기능도 강화한다.
3. 민속 예술의 발전 방향
모든 민족의 예술은 세계 예술 단체의 일부입니다. 민족 고유의 예술적 특성을 유지해야만 세계 미술사에서 중요한 역사적 위치를 차지할 수 있습니다. 독창적이고 지역적인 예술 형태로서 민속 예술은 우리 나라의 민족 예술을 가장 잘 대변하는 것입니다. 현대사회에서 민속예술의 발전은 우리나라 예술문화계가 직면한 주요 과제가 되었다.
오늘날 산업사회와 시장경제가 발달하면서 전통공예와 산업사회의 대립은 명백한 사실이 되었다. 우리는 민속예술의 형식을 버릴 수도 없고, 사회법에 어긋나거나 산업시대의 산물을 민속예술로 대체하려고 할 수도 없습니다. 작품이 더욱 국가적 특색과 시대정신에 부합하도록 만들기 위해서는 현대문화의 관점에서 전통에 대한 보다 심층적인 연구를 진행하고, 산업문명과 민속예술 간의 상호보완적 지점을 찾는 것이 매우 중요하다.
산업문명은 대량생산과 단순한 상품 복제를 가져왔지만, 이 단순하고 지루한 문화 형태는 점점 더 풍부해지는 사람들의 정신적, 문화적 요구를 더 이상 충족시킬 수 없습니다. 실용적인 컬러로 제품의 형태를 표현하는 동시에 심미적인 컬러로 인본주의적 정신을 표현해야 합니다. 풍부한 미학적 형식과 인본주의적 정신을 지닌 민속예술은 산업문명의 효과적인 보충물이 되었고, 산업문명은 시대성과 사회적 성격을 지닌 민속예술의 발전을 이끌어 나갔다. 이 둘의 상호보완성은 인류 문화를 결국 더욱 건전하고 완벽한 방향으로 이어갈 수 있게 해줍니다. 민속 예술 전통 2
민속 예술의 문화 유산을 보호합니다
장엄한 용 머리 지네 연, 순진한 색상의 플라스틱 인형, 정교한 종이 컷 창살… 한 달 동안 " 국가 스타일은 유형적입니다 - 중국 국립 미술관 중국 국립 미술관 중국 국립 미술관 중국 국립 미술관은 호랑이 해 민속 예술 전시회를 마쳤습니다. 이번 전시회에 전시된 설날 그림, 종이 컷, 그림자 인형, 채색 조각품, 연 등의 민속 예술 작품은 중국 여러 민족과 지역의 독특한 문화와 풍습을 보여줍니다.
민속예술은 노동자들이 장기적인 생산과 생활 속에서 창조한 예술형식으로 노동자들의 가장 단순한 정신적 호소력과 미학적 표현을 구현하고 있다. 밝은 색상, 소박한 형태, 절묘한 민속 예술 제작은 다채로운 중국 이야기를 전달하고 중화 민족 고유 문화의 기본 내용을 형성하며 중국인의 공통된 정신적 기억을 담고 있습니다.
그러나 미술사를 살펴보면 사람들은 대부분 황제, 장군, 대신, 사대부 예술가들을 기억하는 것을 볼 수 있으며, 부를 창출한 민속 예술가들의 이름조차 기억하기 어려운 경우가 많습니다. 그리고 오늘날 우리는 '백인'과 '장인'이라는 집단적 정체성을 갖고 역사의 한구석에서 살아갈 수밖에 없다.
중국의 우수한 전통문화를 계승하고 계승하려면 민속예술인의 참여가 필요하며, 농촌진흥과 농촌미학교육은 민속예술의 역량강화와 불가분의 관계에 있다. 새로운 시대적 환경 속에서 우리는 민속예술의 가치를 재발견할 뿐만 아니라 민속예술의 활력을 어떻게 고양시킬 수 있을지 고민해야 한다.
민속 예술의 가치 재발견
민속 예술은 수천 년 동안 민속 생산과 생활의 오랜 역사 속에서 키워온 예술 형식입니다. 오랜 세월 농사를 지은 만큼, 실용적 가치뿐 아니라 미적, 교육적 기능도 겸비해 국민 생활에 없어서는 안 될 필수품입니다. 예를 들어, 수놓은 지갑은 모양이 아름다울 뿐만 아니라 보관 기능도 좋습니다. 조각된 나무 의자는 아름다운 예술 작품일 뿐만 아니라 사용 가치도 뛰어납니다. 이들 물품의 문양과 형태는 주로 민간전승, 역사인유, 전통소설, 향토희극 등을 바탕으로 인(仁), 의(禮), 예(禮), 지혜(智), 신(信), 충(忠), 효(孝), 정직(善), 우애(善愛)의 가치를 전달하고 있으며, 그리고 인내.
오늘날에도 종이오리기, 농민화, 자수, 직조, 날염, 연 등의 민속예술 형식은 사람들의 삶을 장식하고 아름답게 하며 풍요롭게 하며, 사람들의 갈망을 표현하는 인기가 높습니다. 더 나은 삶.
역사적으로 민속 예술의 창작자들은 평범한 노동자들(그들 중 대부분은 원주민 농부였습니다)이었습니다. 그들은 단순한 삶을 살았고, 단순한 생각을 가졌고, 창작 과정은 그들이 본 것과 산발적으로 반영되었습니다. 그들이 마음 속으로 생각한 것을 표현하십시오.
상대적으로 외국 문화의 영향이 적기 때문에 민속 예술은 원주민 국가에서 자유롭게 성장해 왔습니다. 오늘날까지 전해지고 있으며 민속문화의 살아있는 화석이자 민속문화심리와 전통민속을 연구하는 중요한 '창구'라고 할 수 있다. 오늘날 우리가 그 "흙 같은" 민속 예술 형태를 감상할 때 실제로 우리는 조상과의 "대화"를 하고 있는 것입니다. 최근에는 전통문화 열풍이 불면서 많은 전문가와 학자들이 민속예술에 연구의 관심을 돌리고 있으며, 일부는 많은 민속예술 작품을 수집하고 정리하는 데 자금을 투자하기도 했습니다.
현대 사회에서 민속 예술의 가치는 우리가 조상들과 '대화'할 수 있는 가교를 놓는 것뿐만 아니라 현대 디자인에 대한 소재와 영감을 제공하는 데에도 있습니다. 민속 예술과 현대 예술 디자인은 매우 다른 것처럼 보이지만 실제로는 유사한 점이 많습니다. 민속 예술의 계승은 항상 "손으로"의 형태로 이루어졌습니다. 거의 모든 작품은 순전히 손으로 만들어지며 작가의 세계와 삶에 대한 인식과 이해가 담겨 있습니다. 현대미술 디자인이 추구하는 것.
현재 민속 예술은 제품 모델링 디자인, 환경 예술 디자인, 시각 커뮤니케이션 디자인 등 다양한 분야에서 널리 활용되고 있습니다. 예를 들어, China Unicom 로고 '중국 매듭'의 디자인 영감은 중국 전통 예술과 공예 형태인 긴 매듭에서 비롯되었습니다.
민속 예술인의 생존 딜레마에 직면
고대부터 현재까지 전문 예술 기관의 예술가 대부분은 국가의 지원을 받아온 반면, 민속 예술 종사자는 '먹는 것'만 할 수 있습니다. 스스로. 현대적인 대규모 산업생산이 시작되기 이전에는 민속예술에 종사하는 사람들은 기술을 바탕으로 가족을 부양할 수 있는 수입을 얻을 수 있었습니다. 기계가 인간의 손을 해방시키자 이들은 역사의 한구석으로 내몰려 생존의 어려움에 빠졌다.
그림자 인형을 예로 들면, 높이 50cm의 그림자 인형을 손으로 만드는 작업은 보통 피부 선택, 가죽 제작, 드로잉, 제도, 조각, 채색, 땀 흘리기와 다림질, 바느질 등의 8가지 공정을 거치게 됩니다. 캐릭터를 조각하는 데만 3,000개 이상의 칼이 필요하고, 모든 공정을 완료하는 데 약 일주일이 걸린다. 기계를 이용해서 프로그램을 입력하고 스위치만 켜면 단 30분 만에 그림자 인형을 조각할 수 있다. 채색과 바느질을 하더라도 전체 과정을 완성하는 데 3~4시간이 걸리고, 그림자 인형을 만드는 데도 시간이 걸린다. 기계로 제작한 인형은 선이 매끄럽고, 칼날의 오차가 없으며, 제작 비용은 수작업으로 제작하는 것의 수십 분의 1에 불과합니다.
따라서 아무리 뛰어난 장인정신을 갖고 있다고 하더라도 그림자인형 예술가들이 그림자인형 작품을 제작하고 판매함으로써 현대사회에서의 생존문제를 해결하기는 어렵다. 그림자 인형극 예술가와 마찬가지로 종이 자르기, 자수, 점토 조각 및 기타 여러 민속 예술 분야의 종사자들도 비슷한 상황에 직면해 있습니다.
항상 생존이 최우선이다. 민속 예술 분야에서 일하면서 자립할 수 없게 되면 늙은 예술가들은 직업을 바꾸게 되고 젊은이들은 더욱이 들어오기를 꺼리게 됩니다. 신선한 피가 부족하여 많은 노작가들이 세상을 떠난 후, 민속예술은 '사람이 죽고 그들의 예술이 상실된다'는 딜레마에 빠지게 된다.
물론 아직도 관련 창작물을 만들고 있는 민속예술 애호가들도 있다. 그런데 이들은 민속예술을 취미로만 여기고, 선배 예술가들은 민속예술을 평생의 직업으로 여깁니다. 하나는 관심이고 다른 하나는 경력입니다. 그러므로 우리는 많은 민속예술 애호가들의 작품이 대부분 전작을 반복하고 있으며, 새로운 시대 환경과 현대인의 삶에 적합한 새로운 예술적 언어를 창조하지 못하고 있음을 알 수 있다. 이 모든 것이 민속예술을 발전의 어려움에 빠지게 만들었다.
민속 예술의 내생적 힘을 자극합니다.
모든 예술 형식은 생활에서 나오며 사람들의 요구를 충족하도록 고안되었습니다. 그러므로 민속예술을 구제하고 발전시키기 위해서는 가장 중요한 것은 민속예술과 현대인의 생산 및 생활의 접점을 찾고, 이를 통해 현대인의 요구를 충족시킬 수 있는 방법을 모색하는 일이다. 예술이 자극받다.
앞서 언급한 바와 같이 민속예술은 현대 디자인의 참고가치가 있다. 민속예술의 예술적 본질이 현대 디자인에 효과적으로 접목될 수 있다면 재탄생할 수 있는 길을 찾을 수 있을 것이다. 민속 예술에는 회화, 종이 자르기, 조각, 종이 묶기, 직조, 자수, 염색 및 직조, 의류 재봉 등을 포함한 다양한 유형이 있습니다. 각 주요 범주에는 여러 하위 범주가 포함됩니다. 현대 디자인의 발전과 함께 점점 더 많은 디자이너와 예술가들이 민속 예술과 현대 디자인을 성공적으로 접목시키고 있습니다.
예를 들어, 일부 장소에서는 농민 그림의 시각적 언어를 과감하게 혁신하고 현대적인 디자인 기술을 사용하여 예술적 본질을 지역 특산물 포장에 통합합니다. 둘 사이의 '만남'은 새롭고 흥미로운 불꽃을 만들어냅니다. , 농민 그림의 계승과 혁신을 촉진합니다. 또 다른 예로, 일부 디자이너들은 전통적인 홀치기 염색과 현대적인 미학을 결합하여 예술적 풍미가 가득한 생활용품을 디자인하고 있으며, 국내외에서 상을 받았을 뿐만 아니라 해외에서도 판매를 하게 되었습니다. 수천년 동안 존재했던 것이 새로운 모습을 얻었습니다.
요컨대 현대적인 디자인 방식을 통해 민속예술의 예술적 잠재력과 상업적 가치를 깊이 탐구하고, 민속예술의 응용 분야를 넓혀 예술 브랜드를 창출할 수 있다. 민속예술 활성화의 핵심은 바로 민속예술이다.
실무적인 관점에서 볼 때, 현대사회에서 민속예술의 적용을 제한하는 주요 병목점은 민속예술을 이해하는 사람은 현대디자인을 이해하지 못하고, 현대디자인을 이해하는 사람은 민속예술을 이해하지 못하는 경우가 많다는 점이다. 그리고 이 둘을 성공적으로 통합하는 '일반주의자'가 부족합니다. 따라서 저자는 대학의 미술디자인 전공자들이 한편으로는 민속미술 강좌를 제공하는 동시에, 다른 한편으로는 대학생들이 민속에 깊이 들어가 옛날 민속예술가들로부터 더 많은 것을 배울 수 있도록 격려해야 한다고 권고한다.
현대사회에서 민속예술작품의 실용가치는 약화되었지만, 여전히 미학적 가치는 높다. 즉 현대사회에서는 연을 만들어 팔아 돈을 벌기 위해 꼭 재단사가 되어야 하는 것도 아니고, 옷 자르기를 배우기 위해 꼭 재단사가 되어야 하는 것도 아니지만, 이러한 민속예술을 접하고 배우면서 이해할 수 있게 된다. 전통문화를 접목하고 개인의 감성을 함양하며 미적 수준을 향상시킵니다. 이런 의미에서 민속예술은 아직 발전의 여지가 넓다.
저자는 대학교, 중학교, 초등학교의 미학 교육과정에 민속예술을 포함시킬 것을 권고한다. 조건이 있는 학교에서는 민속예술가를 시간제 미학교사로 채용할 수 있다. 또한, 문화 센터, 박물관, 어린이 궁전, 심지어 사립 교육 기관에서도 일정 수의 민속 예술 강좌, 특히 도자기, 종이 자르기 등 실습 기술이 필요한 강좌를 제공할 수 있습니다. 민속 예술을 배우며 실습 능력도 향상시킵니다. 민속 예술 전통 3
민속 예술의 의미는 무엇입니까? 민속예술의 민속적 특징은 무엇인가?
민속예술은 사회 하층계층의 일반 노동자들이 자신의 삶의 필요를 바탕으로 창작한 예술 형식으로, 집단적 계승과 역사적 축적을 통해 지속적으로 발전해 나가고 있다. 넓은 의미의 민속예술에는 민속조형예술, 민속공연예술, 민속건축예술, 민속랩예술, 민속무용예술, 민속문학예술 등이 포함된다. 좁은 의미의 민속예술은 주로 민화, 민속조각, 민속건축, 민예품 등을 포함하는 민속예술을 말한다.
민속예술의 민속적 특성
1. 지역성
우리나라는 광활한 영토와 수많은 민족이 존재하며, 지리적 환경, 풍습, 제작방식 등의 차이가 있다 역사적으로 문화 중심지가 여러 차례 모여들고 분산되고 위치가 바뀌면서 문화 형태의 발전도 크게 다양해지며 다층적 현상을 보이며 상대적으로 뚜렷한 지역적 특성을 형성하고 있다.
민속예술은 특정 민속생활에 통합되어 있기 때문에 각 민속예술 형식은 특정 지역의 지리적 요인, 생산 및 생활 요인, 인문학적 요인에 의해 영향을 받습니다. 요인 및 기타 요인의 제약에 따라 지역 재료 및 지역 재료 자원을 활용하여 지역 조건에 따라 민속 예술을 창작함으로써 독특한 지역 스타일을 형성하고 이 지역에서 안정적으로 확산될 수 있습니다. 각 지역의 제품이 다르고 생산되는 민속 예술도 다채롭습니다.
민속예술은 예술과 삶의 접점으로, 가장 원시적이고 단순한 삶에서 탄생하며, 실천을 통해 완성되어 독특한 예술형식을 형성한다. 민요는 민요처럼 노동자들의 삶에 대한 사랑과 행복에 대한 염원, 아름다움에 대한 추구를 담고 있는 예술의 원천이자 흐름이다. 인류의 초기 활동은 모두 생존을 위한 것이었기 때문에 민속예술의 주류는 대부분 실용주의적이다. 미학은 실용성을 바탕으로 점차 발전하여 실천적 물질적 요구와 심미적 정신적 요구를 모두 충족시킬 수 있습니다.
지역 사회 문화적 전통은 지역 주민들의 문화적 특성을 형성하고, 사람들의 생활 습관을 제한하며, 인류 문화의 풍요로움을 구성합니다. 지역적 특성은 지역적 정서를 내포하기도 한다. 특정 국가나 지역의 사람들은 항상 자신의 국가와 지역의 관습과 민족적 신념에 장기적인 영향을 미치고 미묘한 심리적 영향을 미치기 때문에 지역적 형식적 특성이 강한 예술이 이러한 종류를 불러일으킬 가능성이 더 높습니다. 지역적 정서와 지역적 요인 역시 민속예술의 정서적 의미를 구성한다.
예를 들어 소수민족은 함께 생활한다는 특성으로 인해 지역적 색채 특성을 형성해 왔다. 이족과 하니족은 검은색을 옹호하고 검은색을 고상하게 여기며, 그들의 의복의 주요 색상은 검은색이다.
2. 인기
민속 예술은 살아있는 전통 문화이자 생산자의 예술입니다. 이는 지역 예술일 뿐만 아니라 진정한 대중 예술이기도 하다. 이는 다른 예술 분야와 구별되는 가장 중요한 특징이다. 민속예술의 창작자, 소비자, 관객, 전파자, 계승자는 모두 평범한 노동자들이다. 따라서 민속예술의 소재와 내용, 형식이 대중에게 대중적으로 인기를 얻고 있다.
생성된 대중성은 그 형태와 유형, 기본 패러다임이 모두 사람들의 공통된 삶의 관습에 의해 생산된다는 것을 의미하며, 이는 현실적인 요구에 기초하고 집단적 지혜와 재능을 담고 있어야 합니다. 그의 작품은 노동자들의 공통된 이상과 추구를 반영할 뿐만 아니라, 창작부터 보급에 이르기까지 공통된 미적 취향을 반영합니다. 민속예술의 가치는 바로 평범한 노동자들의 아름다움 창조이며, 모든 노동자가 창작자, 공연자, 감상자가 된다는 사실에 있습니다.
원시사회에서 개인은 집단에 절대적으로 의존한다. 집단 활동은 당시 유일한 활동 방식이자 인간 힘의 유일한 원천이었고, 이는 민속 예술에 반영되어 집단 의식과 동성애 감정의 기초가 되어 원시 예술의 대중적 특성을 형성했습니다.
소통의 대중적 성격은 민속예술의 창작이 집단적 참여의 결과인 경우가 많다는 것을 의미한다. 예를 들어 조상의 추가, 삭제, 수정과 가족의 전승과 소통이 완벽한 하루를 만든다. 날 등은 창조에 대한 모든 형태의 집단적 개입입니다. 예를 들어, 산시성(陝西省) 안사이(陝西) 종이 공예는 국내외에 잘 알려져 있으며, 그 작가의 대부분은 농민 예술가들이다. 더 풍부하고 더 심오하게 작동합니다.
3. 자기이용
민속예술은 사람들의 삶과 밀접하게 연관되어 있으며 사람들이 자신의 물질적, 문화적, 정신적 만족을 직접적으로 충족시키는 방식이다. 그리고 다른 측면은 필요에 따라 만들어졌습니다. 많은 지역의 여성들은 7~8세부터 자수를 배우기 시작하고, 농사일과 집안일을 하면서 여가 시간에 미래의 결혼식을 위한 자수 준비를 시작합니다. 10여년이 넘는 시간이 흐른 지금, 온 가족이 사용할 수 있을 만큼 의류부터 홈퍼니싱까지 수십 종류의 자수 제품이 축적됐다. 민속예술의 자활적 성격은 자급자족하는 농업문명을 반영한다.
민속예술은 아름다움과 행복을 동시에 만들어냅니다. 노동자들은 아름다움을 창조하는 환경 속에서 사회적, 문화적 전통을 직간접적으로 깨닫고 깨달으며, 창조과정에서 즐거움을 얻고, 창조가 성공한 이후의 기쁨을 얻는다. 예를 들어, 당나라 시대에 일본에 소개된 중국 민속 홀치기 염색은 오늘날에도 일본인들 사이에서 여전히 인기가 있습니다. 나고야시에는 홀치기염색이 사람들에게 기쁨을 주고 창작 과정을 행복하게 해준다는 의미에서 '라쿠 염색 협회'라는 민속 염색 연구 협회가 설립되었습니다.
4. 상속
민속 예술은 고대부터 현재에 이르기까지 대대로 전승되어 왔으며, 이를 바탕으로 흡수하고 개선하며 발전해 왔습니다. 유산을 남기고 각 시대의 흔적을 남기는 것입니다. 상속의 기본 의미는 역사의 연속성, 민족적 성격과 그 표현의 집중, 인간 발전의 기초와 영혼입니다. 상속은 민속 예술 발전의 시간적 특징입니다.
중국 민속문화의 계승은 가족을 기본 단위로 한다. 가족 중심의 기술 전승 환경에서 구전은 스승과 견습생, 아버지와 아들, 어머니와 딸 사이의 관계를 직접적으로 전달하는 방식이다. 기술적인 장인정신은 대부분 '구전'을 통해 전수되는데, 그 기술은 '조상의 계승'을 통해 얻어지기 때문에 초기 민족문화의 미적 특성이 더 많이 유지된다. 전통민속예술의 미학적 가치는 고대 민족문화를 축적하고 계승해 왔으며, 미래세대의 예술창작에 있어 필수적인 정신적 참고자료가 되었습니다.
상속은 불변의 상속이 아닙니다. 민속 예술의 상속과 지속은 습관을 연결하여 사람들 사이에서 자발적이므로 하향식 제한이 없습니다. 자신의 직관적인 감정. 전파 과정에는 다양한 정도의 변화가 수반되는 경우가 많습니다. 변화를 이끄는 요인으로는 지리적 조건, 역사적 조건, 패션 요인 등이 있습니다. 예를 들어 산시성(陝西省) 북부 지역의 민속 종이 공예는 대부분 특정 가문의 여자 연장자들이 자신들의 오락을 위해 행하는 민속 예술 행위이며, 휴식 기간 동안 다음 세대에 전승됩니다.