2. 발레는 처음에 유럽 고전 무용을 주요 표현 수단으로 음악, 무언극, 무대 예술, 문학을 융합해 이야기나 감정명절을 표현하는 연극 예술을 가리켜 고전 발레 (또는 고전 발레) 라고 불렀다. 20 세기 현대춤이 등장한 뒤 현대춤과 고전무용 기법의 결합을 주요 표현 수단으로 한 현대발레를 현대발레라고 한다. 점차 발레라는 단어는 다른 춤을 주요 표현 수단으로 하는 발레 작품을 지칭하는 데도 사용된다. 비록 춤 스타일, 구조적 특징, 표현 수법 등에서 클래식 발레나 현대 발레와는 다르다.
3. 현대감독이 창작한 무용 작품의 상당 부분은 이야기의 내용과 줄거리가 없다. 감독은 유럽 고전 무용이나 현대 무용을 사용하거나 결합하여 어떤 감정, 의경, 혹은 한 음악 작품에 대한 작가의 이해 등을 표현한다. 이들은 발레라고도합니다.
발레
발레 [1]' 는 이탈리아에서 기원하며 프랑스에서 흥성했다. "ballet" 이라는 단어는 프랑스어 단어 "ballet" 의 음역이며 "점프" 또는 "춤" 을 의미한다.
발레는 고대 라틴어 발로에서 유래했다. 처음에 이 단어는 단지 춤을 추거나 공공장소에서 춤을 추는 것을 의미했을 뿐, 연극 공연의 뜻은 없었다.
발레의 역사는 유럽 르네상스 전성기의 이탈리아 대궁과 프랑스 남부 버겐디의 궁정으로 거슬러 올라간다. 결혼하거나 외국 원수나 다른 주요 축제를 만날 때마다 이런 춤을 연출하여 축원을 표현하거나 재미를 더한다.
발레 성장사 첫 발레극' 여왕 코미디 발레' 가 158 1 에서 상연됐다. 로레인의 마가렛 미스 (Margaret Mies) 와 반실 공작 야오유시 (Duke Yao Yousi) 가 결혼했을 때, 이 발레극의 음악은 여전히 남아 있어 가장 오래된 발레 음악이라고 할 수 있다.
번영하다
발레는 루이 14 시대 (1643- 17 15) 에 최고조에 달했다. 루이 14 세 본인은 발레 공연을 좋아하는 걸출한 무용가이다. 166 1 년, 루이 14 세는 역사상 최초의 무용학교인 프랑스 왕립무용학원을 설립하여 무용을 전문적으로 가르쳤다. 이 학교는 현재 파리 오페라 하우스에 속한다. 다음 다섯 가지 팔다리 행동의 자세와 멋진 발레 자세는 1700 에서 만들어졌습니다.
왕실 무용의 거장인 Beauchamp, Cambefort, Lully 의 대대적인 옹호로 프랑스 발레의 문화와 음악적 중요성이 크게 높아졌다. 그래서 발레는 많은 새로운 궁정 무용의 기원이 되었습니다. 가비트, 파스피드, 보리, 리고덴 등. 이 춤들 중에서 가장 중요한 것은 작은 발걸음이다. 1653 년 이루는 프랑스 궁정의 발레 활동에 참가하기 시작하면서 높은 수준에 이르렀다. 당시 그는 모리애와 합작하여 희극과 발레의 혼합체인 희극 발레극을 만들고 있었다.
16 1 년, 프랑스 왕 루이 14 세는 파리에 세계 최초의 왕실 무용학교를 설립하라고 명령했고, 발레를 위해 5 개의 기본 발과 7 개의 손을 확립하여 발레에 완벽한 동작과 체계를 갖추게 했다.
1760 에서 개봉한' Le Bourgeois Gentilhomme' 은 이런 무용극의 가장 유명한 대표작이라고 할 수 있다. 루리는 발레를 그의 오페라에 적용했고, 그의 후임자 캠프라와 라모도 마찬가지였다.
특히 모라의 작품은 멕시코, 건강, 중국 등 외국 정서를 동화시켜 더욱 익살스러워 보인다. 이것은 당연히 그의 성격과 풍경과 관련이 있다. 영국은 또한' 가면' 이라는 비범한 발레극을 창작했다. 17 세기 후반에 비엔나는 발레 공연의 중심이 되었다. 그러나 당시 유럽 발레는 전통과 혁신, 가혹함과 서정, 순무와 문제춤, 발레와 현대춤에 대한 논란 속에 있었다. 2 1 세기의 오늘날, 이러한 미흡한 생각들은 어느 정도 그것의 여파를 가지고 있으며, 때로는 끊임없이 논쟁을 받고 있다.
발레
1789 부터' 투옥된 딸' 등 조기 (전 낭만주의 시대라고도 함) 발레 명작을 선보였다. 19 세기 발레사의 황금시대' 낭만발레' 가 파리에서 선보여 선녀 (1832), 지젤 (184/Kloc) 이 나타났다 장소와 관중의 관람각의 변화는 무용 기법과 미관의 변화를 불러일으켰고, 배우의 자세도 점점 개방되면서 발의 다섯 가지 기본 위치를 공식적으로 확정하고 발레 기술 발전의 기초가 되었다. 프로 발레리나가 생겨났고, 점차 귀족 아마추어 배우를 대신했다. 전문 발레리나도 무대에 올라 공연하기 시작했고, 무용 기술이 급속히 발전하였다. 발레 공연은 점차 오락을 즐기는 사회활동에서 연극 공연 예술로 바뀌는데, 이 시기의 발레는 오페라에 속하고 궁중 작곡가 J.B. 로리는 오페라에 발레 장면을 추가했는데, 실제로는 일련의 무용공연이었지만 줄거리는 중요하지 않은 것 같아 발레나 발레 오페라라고 불린다. (윌리엄 셰익스피어, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라) 이 상황은 18 세기 중엽까지 계속되었다. 소설, 18 세기의 발레 마스터는 발레 역사상 가장 영향력 있는 무용혁신가이다. 그는 1760 이 출간한' 춤과 무용극 속보' 에서 처음으로' 극발레' 라는 관점을 제시했다. 춤은 신체기술일 뿐만 아니라 연극 표현과 사상 교류의 도구라는 점을 강조했다. 소설의 이론은 발레 혁신의 물결을 촉진시켰다. 그와 많은 배우, 감독의 끊임없는 노력으로 발레는 내용, 제재, 음악, 무용 기법, 의상 등에 대한 일련의 개혁을 진행했다. 이러한 개혁들은 결국 발레를 오페라에서 분리하여 독립된 연극 예술을 형성하였다.
발레 발전사에서 두 가지 주요 미학 관점이 줄곧 작용하고 있다. 발레는' 순수한 춤' 이라는 견해가 있다. 16 세기 이탈리아 무용교사, 여왕 코미디' 발레' 감독 Beaujoyeulx 는 발레를' 몇 사람이 함께 춤을 추는 기하학 조합' 이라고 생각한다. 이런 관점은 발레의 형식미에 전적으로 초점을 맞추고, 발레의 내용이나 줄거리를 거의 완전히 무시하며, 종종 단순히 뛰어난 화려한 기교를 추구하게 된다. 18 세기 중엽 이전에 이런 관점은 발레 창작에서 주도적인 지위를 차지하였다. 또 다른 관점은 발레가 일종의' 극적인 춤' 이라고 강조하는데, 소설의' 줄거리발레' 이론이 가장 집중적으로 이 관점을 대표한다. 그는 한 발레 작품에서 이 두 가지 주요 관점이 오늘날에도 여전히 유효하다고 생각한다. 많은 감독은 극적이거나 위선적인 발레 작품을 창작하는데 힘쓰고 있으며, 또 어떤 감독은 비정한 발레에 열중하고 형식미를 중시한다. 두 작품 중 우수한 극목은 모두 관객들이 감상하며, 늘 보존극으로 상연된다. 20 세기 이래 각종 문학사조가 발레 창작에 미치는 영향이 점점 더 뚜렷해지면서, 많은 풍격이 각기 다른 작품들이 나타났다.
발레
안무는 발레 작품을 창작하는 핵심 인물이다. 그는 문학 대본 (또는 이야기, 시, 음악 작품) 에 따라 발레 구조나 춤 구조를 구상한 후 배우가 다시 구현합니다. 안무와 배우 모두 발레 언어 (또는 발레 어휘)-발레 기술 기교와 발레 언어를 이용하여 특정 내용이나 감정을 표현할 수 있는 능력을 익혀야 한다. 감독은 자신이 무엇을 잘하는지, 무엇을 표현할 수 없는지 알아야 한다. 한편, 배우는 잘 훈련되어 안무가의 생각을 적응하고 창조적으로 표현할 수 있어야 한다. 이러한 기본 조건을 갖추어야만 발레 창작을 진행하고 완성할 수 있다. 발레의 구조는 독무, 2 인전, 3 인무, 4 인무, 군무 등이다. 고전 무용, 개성춤 (무대 민족춤, 민간춤), 현대무용 등. 위의 형식에 따라 다막발레 (예:' 백조의 호수'), 단막발레 (예:' 선녀'), 발레 소품 (예: 발레극의 이런 구조 형식은 19 세기 후반에 고도로 규범화되고 스타일화되어 발레 발전에 영향을 미치고 제약했다 20 세기 감독이 창작한 대량의 발레 작품들 가운데 이러한 규범과 절차가 크게 돌파되어 새로운 탐구와 창작이 끊이지 않고 있다.
발레
전 소련의 키로프 발레단과 모스크바 극장 발레단, 미국의 뉴욕시 발레단과 미국 발레 극장, 영국의 로열 발레단, 프랑스의 파리 오페라하우스 발레단과 덴마크 로열 발레단 등 세계적으로 인정받고 있는 7 개 클래식 발레단이 있다. 당대 발레는 유례없는 보급과 번영을 보였다. 대표인물과 집단은 체코의 시리키리안 (1947-) 과 그의 네덜란드 무용극장, 미국의 William Forsyte (1949-) 와 그의 프랑크푸르트 발레단이다.
고전 발레는 그 특정한 구조와 형식을 가지고 있다. 예술감독, 연출, 무용수, 조명음향, 의류, 세트, 전문극장 직원들의 긴밀한 협조를 통해서만 관객들에게 완벽하게 드러날 수 있다.
발레 무대의 스타일에 대한 기본적인 이해를 할 수 있다면 발레 공연을 볼 때 큰 즐거움과 흥분을 얻을 수 있을 것이다. 발레 공연은 주로 다음 세 가지 캐릭터로 구성되어 있다.
1, 주인공: 주인공은 이야기의 핵심 인물이다. 무용수는 일정 수준 이상의 기교와 체력이 필요하며, 가장 중요한 것은 뛰어난 춤 소양과 성격을 가져야 극 중 캐릭터를 해석할 수 있다는 것이다. 고전 발레 이중주는 전체 무용극의 중점으로 대부분 남녀 주인공이 연기한다. 고전 발레 이중주의 구조 순서는 남녀 주인공 완판, 남자 주인공 독창과 여주인공 독창, 마지막은 마지막 막판 쾌판이다. 주인공의 예술적 소양과 기교 수준은 듀엣에서 드러날 것이다.
2. 솔로 댄서: 주인공 기교를 가지고 1 인 또는 3 ~ 4 명이 연기할 수 있는 사람.
3. 군댄서: 군무용수의 춤 동작은 간단하지만 복잡한 화면 변화로 전체 분위기가 더욱 중요하다. 모든 무용수들이 중요하다. 한 사람이 서로 맞지 않는 한, 대국은 영향을 받을 것이다.
까치발을 한 발레리나. 관중의 관점에서 볼 때, 발돋움하여 춤을 추는 것은 긴장을 풀고 즐기는 것이다. 여배우의 발에 분홍색 발레 신발이 이렇게 아름답고 우아하다는 것은 사람들에게 이것이 고귀한 예술이라는 것을 일깨워 준다. 하지만 사실 발끝으로 춤을 추는 것은 매우 어렵다. 발레 예술에 힘쓰고 그 신비를 탐구하는 사람들은 비밀을 공개하기를 원하지 않는다. 발레 신발의 비밀이 밝혀지면 발레의 신비가 사라질 것 같다.
발레 신발이 감당할 수 있는 엄청난 부하는 축구화에 비해 발가락이 관건이다. 신발 머리는 부드럽을 뿐만 아니라 상당히 큰 안전계수도 가지고 있다. 점프할 때 신발 끝이 부러져도 여배우는 장애가 없다고 보증한다.
러시아의 유명 회사인 Grishko 가 생산한 발레화는 아프리카에서 멕시코까지 30 여 개국에서 인기를 끌고 있다.
발레 신발의 신발 머리는 옷감으로 만들어졌는데, 이를테면 코르셋을 생산하는 비단과 같다. 그리슈코' 전문가들은 발레슈즈의 색깔인 복숭아색이 관객을 자극하고 여배우 본인을 달래는 데 가장 적합하다고 결론 내렸다. 많은 나라에서 흔히 사용하는 분홍색이 아니다.
발레화 구두의 가장 큰 신비는 여배우가 발끝으로 춤을 출 수 있는' 신발 상자' 다. 신발 상자가 신발 머리 속에 숨어 있다. 신발 상자는 실제로 발가락과 발면의 일부를 덮는 하드 커버입니다. "신발 상자" 는 목재, 플라스틱, 코르크 등의 재료를 함유하지 않은 6 층의 가장 일반적인 삼베 또는 기타 직물로 만들어졌다. "Grishko" 회사는 접착제 전문 지식을 가지고 있어 발가락이 너무 딱딱하지도 않고 부드럽지도 않아 쉽게 끊어지지 않는다.
신발 머리는 손으로 바느질한 다음 나머지 신발과 함께 신발 상자의 안팎과 함께 바느질합니다. 그 후 구두장이는 신발 끝을 뒤집어 작은 망치로' 신발 상자' 를 평평하게 두드렸다. 불공평하지 않은 상태에서 신발을 딱딱한 물건 위에 세워서 유지할 수 있는지 보자.
발레
균형. 마지막으로 무용화를 섭씨 50 도의 온도에서 건조시켜 실온에서 보관하도록 한다. 발레 신발 한 켤레가 완성되었습니다! 불행히도, 발레 신발 한 켤레의 수명은 매우 짧다: 두세 번의 공연. 그리시코' 신발 기록은 대극장의 독무 배우 나제이지다 그라시오가 키트리와 합작해 발레극' 돈키호테' 에서 9 번이나 춤을 췄다는 기록이다.
각기 다른 높이의 발에 적응하기 위해 발레화에는 항상' 와가노바',' 앨리타',' 부걸' 의 세 가지가 있다. 각 모델은 17 크기로 나뉩니다. 또한 사이즈당 5 가지 비만이 있습니다. 어떤 여배우라도 255 가지 두께, 크기, 통통한 신발 중에서 자신의 이상적인 신발을 고를 수 있다. 그럼에도 불구하고 신발을 발에 더 잘 맞추기 위해 여배우마다 작은 망치로 신발을 두드리거나, 문으로 신발을 쥐어짜거나, 여러 가지 물건을' 신발 상자' 에 넣는 등 색다른 방법이 있다 ...
백조의 호수
러시아 발레리나 예카테리나 맥시모 바야 (Yekaterina maximo Vaya) 는 선택이 부족한 시대에 매번 새 연극이 상영될 때마다 하루 종일 자신의 발을 무용화에 적응시켰다고 인정했다.
한 가지 더 언급하지 않았다. 각 여배우는 보통 스스로 무용화에 작은 리본을 꿰매곤 한다. 무대로가는 길은 이미 열려 있습니다!
배우에 관해서는, 그들은 이른바 소프트슈즈를 신었다. 문외한들에게는 평범한 천화였다. 그것의 제작 공예는 여자 스타보다 못하지만, 자신의 미묘함도 있다. 소프트슈즈에는 풀다운과 밑창의 두 가지 종류가 있습니다. 분리식 신발 밑창은 신발 앞과 굽의 두 부분으로 구성되어 있다. 신발의 앞부분으로 배우의 발을 안에서 신으면 편하고 자유롭습니다. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 신발명언)
무용화의 계법도 신경을 쓴다. 보통 리본을 다리에 두 번 묶고 리본으로 묶는다. 공연 중에는 리본을 묶을 수 없기 때문에 배우가 무대에 오르기 전에 신발끈을 단단히 묶어야 한다. [1]
바디랭귀지
편집 및 브로드캐스트
모든 발레는 이 다섯 가지 자세 중 하나로 시작하고 끝난다. 이 자세들은 18 세기에 만들어졌으며 균형을 이루고 발을 아름답게 보이게 하는 데 사용되었습니다.
전통적인 고전 발레 기교는 개업, 스트레칭, 곧은 미학을 기초로 한 것이다. 아라베스크, 자세, 이카트 등 다섯 발의 기본 자세와 세 가지 기본 춤을 포함한다. 다리 기술: 다리 스트레칭, 트임, ronddejambo 등 다양한 압력 막대 다양한 폭과 춤을 추다. 다양한 회전 다리 치는 기교 다양한 춤 동작과 연결 동작 여자 발가락 춤 기술; 듀엣 지원, 리프팅 및 기타 기술; 그리고 포터 브라스 등등. 고전 발레의 이러한 기본 동작 (요소) 은 글자와 같다. 감독은 이 글자들을 이용해 줄거리 발전 과정에서 각기 다른 캐릭터의 성격, 신분, 감정, 캐릭터를 기록하고, 이러한 요소들을 특정 구조수법에 따라 배열해 시각적 무용어휘를 형성하여 줄거리를 표현하고 다양한 예술적 매력의 무용 이미지를 형성한다.
발의 다섯 가지 기본 위치:
1 위: 두 발꿈치가 직선에 가깝고 발끝이 바깥쪽으로 180 도;
2 위: 두 발꿈치가 1 피트 떨어져 있고, 발이 바깥쪽으로 비틀어지고, 두 발이 일직선이 된다.
3 위: 두 발 뒤꿈치를 앞뒤로 놓고 발끝을 바깥쪽으로 벌립니다.
4 위: 두 발 앞뒤 1 피트 거리 유지, 발끝과 발꿈치는 두 직선에 유지하고 두 다리는 바깥쪽으로 뒤집는다.
5 위: 두 발이 앞뒤로 겹치고 발끝이 닿고 다리가 바깥쪽으로 뒤집힙니다.
손의 기본 위치:
1. 와카노바 학교 (러시아 학교)
1 위: 양손이 앞배 앞에 자연원을 형성한다.
2 위: 양손을 옆으로 내밀고, 시선에서 손바닥을 안쪽으로 뻗는다.
3 위: 양손을 머리 위의 시선 안에 놓는다.
차그디 학교 (이탈리아 학교)
1 위: 양손을 자연원으로 늘어뜨리고 손가락이 허벅지 옆에 닿는 위치;
2 위: 손을 옆으로 뻗는다.
3 위: 한 손은 몸 앞에서 안쪽으로, 다른 한 손은 옆으로 뻗는다.
4 위: 한 손을 몸 앞의 횡격막과 같은 높이로 유지하고 동시에 머리 위를 들어 올립니다. 이런 동작을 할 때 엉덩이를 비틀지 마라, 그렇지 않으면 무례하고 우아하지 않은 것으로 간주될 것이다.
댄스 용어
편집 및 브로드캐스트
이미지
무용예술이 빚은 인물의 역동적인 이미지, 인체의 자세, 모델링, 보법 등의 동작은 음악, 무대미술, 메이크업, 의류 등 예술적 요소를 통해 감상가치가 있는 시각 효과를 가지고 있다. 그것은 가시성과 유동성의 심미적 특징을 가지고 있으며, 무용 감상 과정에서 인식과 인지의 주요 대상이며, 무용 예술의 심미적 가치를 반영하는 주체이다.
표현
사람들의 심리활동과 현실생활에서 표정을 표현하는 습관적 특징에 따라 정제와 예술가공을 거쳐 다른 춤 형식으로 요약해 희로애락 등 내면의 감정 변화를 보여준다. 동작과 조화를 이루는 얼굴 표정 외에도 리드미컬한 동작, 자세, 제스처, 형체도 예술의 춤 표정을 만들어 낼 수 있다.
모양; 외형
발레로 형체를 만드는 교재는 어떤 이점이 있습니까? 즉, 아이를 훈련시키는 데 3 길이 (3 길이: 손 길이, 다리 길이, 목 길이) 가 있습니다. A 소: 작은 얼굴) 아이의 몸매를 최대한 형성하고 변화시켜 아이가 긴 다리 자세를 잡도록 돕고, 장기 훈련을 통해 아름다운 몸매를 갖게 해 자신감을 높일 수 있다. 남다른 고귀한 기질을 보이다. 베이징 무용악방 어린이 무용훈련은 다양한 춤을 선보이며, 아이의 성장기에 따라 서로 다른 아이와 몸을 통해 아이의 종합적인 자질과 예술적 기질을 배양한다.
행동
무용예술의 기본 표현 수단은 인간의 감정 동작과 자연계의 각종 동적 사물에 대한 모방에서 기원한다. 주요 내용은 다음과 같습니다.
1, 단일 동작, 즉 인체의 한 부위를 주동적이고, 다른 부위는 정지 또는 따르기;
2. 복합동작이란 인체의 각 부분이 동시에 일정한 순서, 규격에 따라 진행되는 동작을 말한다.
3. 액션 조합. 일반적으로 댄스 기술 훈련을 주요 목적으로 두 개 이상의 단일 동작이나 복합 동작이 일정한 순서, 방향, 속도, 진폭으로 구성된 활주, 굴신, 발차기, 점프, 회전 등의 연속 동작을 말합니다.
장비
편집 및 브로드캐스트
무용수는 특별히 디자인된 옷을 입고 있다. 그들에게 훈련복은 미관을 위한 것이 아니라, 하나하나가 모두 실용적이다. 가장 기본적인 요구 사항은 보호 및 성형 기능을 갖는 것입니다.
타이트스커트와 타이트한 흰색 스타킹은 무용수들이 훈련실에서 가장 많이 사용하는 기초훈련복이고, 타이트한 무용복은 몸매를 보호하기 위해 입는 것이고, 일반 발레 훈련복은 샴이다. 면과 라이크라의 조합은 편안함과 탄력성을 유지할 것이다.
헤어스타일도 무용복의 일부이다. 발레 양은 머리를 머리 뒤로 묶고 상투를 하는 것을 좋아한다. 포니테일 등 헤어스타일이 연습과 연기에 영향을 미치기 때문에 묶지 않으면 부담이 될 수 있기 때문이다.
발레 신발이 가장 중요하다. 발끝을 연습할 때 부드러운 얇은 가죽이나 캔버스로 만든 발레 소프트슈즈가 필요합니다. 여자들은 보통 분홍색을 즐겨 입고, 남자는 검은색이나 흰색을 즐겨 입는다. 신발은 발을 꼭 감아야 한다. 딱딱한 뾰족한 신발은 반드시 발에 꼭 맞아야 한다. 발레 신발이 감당할 수 있는 엄청난 부하는 축구화가 감당할 수 있는 부하와 비교하면 발가락이 관건인 것으로 알려졌다. 발가락이 비교적 단단하여 각종 직립 동작을 완성하는 데 도움이 되지만 발레 신발을 신기 전에 발 커버를 착용해야 한다. 이것은 상당히 큰 안전계수를 증가시키고 통증을 완화시킬 수 있다. [3]
춤추는 옷
첫째, 클래식 발레 의상
1, tutu (이탈리아) 치마는 루이 14 세의 발레 치마에서 유래한 것으로, 길이가 짧고 실크 원단이 여러 개 있어 흔들릴 때 허벅지의 4 분의 3 도 안 드러나지만 소매에는 민소매, 긴팔, 등롱소매가 있다.
2.' 백조의 호수' 의 백조와 같은 순백색 클래식 발레 의상
3, 모든 검은 색 또는 밝은 빨간색, 전자는 백조 호수의 검은 백조와 같습니다;
4.' 코벨라' 제 2 막 히바 니다가 연기한 인형' 코벨라' 와 같은 등롱소매와 조끼
5, 조끼와 긴 소매, 밝은 구슬 자수로 장식;
6. 다른 색깔의 발레 스커트,
둘째, 로맨틱한 발레 스커트
그 치마는 발목 근처, 종형, 민소매, 등롱소매의 색깔은 흰색, 연한 색, 연보라색 등이다.
1 .. 랜턴 슬리브 로맨틱 발레 원피스, 예:' 4 인무',' 장미 에센스';
2. 요괴로 분장할 때 팔이나 어깨에 거즈를 얹는다. 예를 들면' 지젤' 제 2 막, 무용극' 선녀' 와 같다.
3. 시골 스타일의 무용복, 등롱소매의 조끼, 복부의 귀여운 꽃무늬, 예를 들면 지젤 1 막, 코벨라 1 막, 로맨틱한 딸의 무용극.
춤을 추다
편집 및 브로드캐스트
민간 무용
전반적으로, 일종의 기원이 민간에 전해지고, 민간문화에 제약을 받고, 즉흥적으로 창작하지만, 스타일은 비교적 안정적이며, 스스로 즐겁게 즐기는 것을 주요 기능으로 하는 무용 형식을 가리킨다. 지역, 국가, 민족의 민간 무용은 생활환경, 풍습, 생활방식, 민족적 성격, 문화전통, 종교신앙 등의 요인에 의해 영향을 받아 연기자 나이, 성별 등 생리조건에 의해 제한되며 공연 기교와 스타일에 뚜렷한 차이가 있다. 민간 무용은 소박하고, 형식이 다양하며, 내용이 풍부하고, 이미지가 생동감 있는 등의 특징을 가지고 있다. 각국의 고전 무용, 궁정무, 전문 무용 창업에 없어서는 안 될 소재원이었다.
볼룸 댄스
사교댄스라고도 하는 사교댄스는 유럽 르네상스 이후 궁중 무용에서 유행하는 춤과 근대 이후 각종 사교 장소에서 유행하는 춤을 가리킨다. 사용 된 이름과 춤, 기본 춤, 형성, 스타일 및 댄스 공연 순서는 대부분 이탈리아, 영국, 프랑스, 독일, 스페인 및 기타 국가의 민속 무용의 특성을 따릅니다.
브롱트, 작은 스텝 댄스, 가비트, 보로네즈, 렌들러르, 폴카, 마주카, 갈루파, 왈츠가 유럽 궁정에서 유행하고 있다. 프랑스 대혁명 이후 궁중 무도회의 형식은 이미 사교적 필요를 훨씬 충족시키지 못했고, 유럽 대륙에는 대중무도장이 등장해 궁중 무도회를 대신해 사교 활동의 주요 장소가 되고 있다. 스텝은 배우기 쉽고, 형식이 자유롭고, 즉흥적으로 발휘하기 쉬우며, 감정을 누설하기 쉽다. 공공무도장에서 인기가 많아 사교댄스는 곧 서민층의 문화생활에 녹아들었다.
발레
프랑스어 음역. 특히 특정 동작 규범, 기교, 심미 요구 사항을 가진 유럽 고전 형태를 가리킨다. 또는 인체의 동작, 손짓으로 연극 내용을 표현하고, 극의 발전을 촉진하며, 일정한 감정, 의경, 심리 상태, 행동을 표현하는 무용 표현 형식을 가리킨다. 전자는 때때로' 무용극' 으로 번역된다. 발레는 고대 라틴어 발로에서 유래한 것으로, 공공장소에서 어떤 스타일의 춤을 추는 것을 뜻하며 극장 공연의 뜻은 없다. 발레는 무대예술의 한 형태로서 르네상스 시대 이탈리아 궁정의 성대한 연회와 오락 활동에 최초로 등장했다. 나중에 피렌체 공주 메디치의 캐서린은 이런 춤 형식을 프랑스 궁정으로 데려갔다. 158 1 년 프랑스 궁정 공연의 첫 발레극' 여왕 코미디 발레' 가 유럽에서 큰 반향을 불러일으켰고, 세계 각국의 궁정은 발레를 궁정 오락의 본보기로 삼았다. 16 1 년, 프랑스 왕 루이 14 세는 파리에 왕립무용학원을 설립했고, 1669 년에는 파리 오페라하우스 설립을 허가했다. 발레가 극장에 들어간 후' 코미디 발레' 와' 노래 발레' 두 단계를 거쳤다. 18 세기 중엽에' 줄거리춤' 과 관련 이론이 완벽해지면서 발레는 연극과 오페라에 붙어 막간에만 춤을 추는 지위를 완전히 바꿔 심각한 사회적 의미를 지닌 극장 예술 형식으로 발전하여 춤과 음악으로 줄거리의 발전을 촉진시켰다. 19 세기 초반은 발레 발전사의 또 다른 황금시대로 내용과 주제, 기교, 공연, 공연 형식에 큰 돌파구가 있었다. 발끝 춤 기교가 점차 여배우의 주요 연기 수단이 되어 체계적인 과학 훈련 방법을 축적했다. 낭만주의 문화사조의 영향으로 유럽 각국의 발레 발전은 민족정신과 기질의 표현에 더욱 신경을 써서 이탈리아파, 프랑스파, 러시아파, 덴마크파 등 다양한 스타일의 발레 유파를 형성했다. 20 세기 이래로 러시아는 이탈리아와 프랑스를 대신하여 전통 발레 발전의 중심지가 되었다. 유럽과 미국의 무대에서 각기 다른 풍격과 유파가 분분한 현대 발레가 점차 왕성한 기세를 보이며 발레 예술의 발전에 새로운 활력을 불어넣었다.
드라마 댄스
발레 용어. 본의는 구조가 비교적 안정적이며 줄거리 발전과 직접적인 연관이 있는 무용을 말한다. 낭만주의 시절 시트콤의 기본 구조는' 출전', 완판 이중주, 남녀 독무, 마지막 전체 배우들이 참가한 군무였다. 레이몬다',' 백조의 호수',' 잠자는 미인',' 하녀' 의 대형 듀엣,' 에스멜라다' 의 춤 장면은 모두 전형적인 줄거리 춤이다. 20 세기 이래, 줄거리춤은 오락춤과 반대되는 개념으로 인물의 심리적 감정 변화를 표현하고 극의 발전을 촉진하는 모든 춤을 가리킨다.
무용극
(춤-연극) 춤을 주요 표현 수단으로 음악, 미술, 연극, 문학 등 다양한 예술 형식을 결합하여 특정 연극 내용, 의경, 인물 감정, 심리 상태와 행동, 그리고 극의 발전을 촉진하는 무대 공연 예술을 표현한다. 무용극은 줄거리 필요나 시대, 캐릭터 스타일이 다르기 때문에 클래식, 민간춤, 개성춤, 현대무용, 궁궐춤, 볼춤을 선택하거나 종합할 수 있다. 편성된 독무, 2 인전, 삼중주, 군무, 2 인전, 삼중주, 군무 등 다양한 댄스 스타일로 구성되어 있다 중국 무용극은 역사가 유구하여 노예 사회의 궁중 악무에서 기원했다. 유럽 발레와 발레 사이에는 명확한 정의가 없다.
집단무용
(집단 춤) 댄스 스타일 중 하나. 일반적으로 민간 무용' 군무' 에서 유래한 무대 공연 형식, 즉 3 명 이상, 인원수가 다른 멀티 댄스를 가리킨다. 군무의 화면과 구도는 변화무쌍하여 연기자의 동작이 단정하고, 풍격이 통일되고, 호흡이 잘 맞아야 하므로 풍부한 예술적 표현력을 지녔다. (1) 내용과 주제가 독립적이고 줄거리가 완전한 무용작품. 중국의 춤' 달팽이를 만지다',' 초원의 여민병',' 포도틀 아래',' 러시아의' 자작나무', 한국의 춤' 봄이 되면',' 사과를 따는 때',' 미국의 현대무용' 이미지' 는 모두 집단춤의 성공작이다 (2) 대형 무용작품에서는 그림과 구도의 필요성 때문에, 또는 주요 인물을 강조하기 위해 연극 효과를 강화하기 위해 군무에 독창, 두 사람, 세 사람의 단락 (예:' 선녀',' 백조호' 등 발레 장면의 독창, 두 사람) 을 삽입하는 경우가 많다. (3) 무용극과 대형 무용에서 전체적인 분위기를 띄우기 위해 편성된 군무, 중국 무용극' 붉은 낭자군' 의' 여용사 춤' 과' 모자 춤', 러시아 발레극' 백조호' 의 백조춤.
곡예발레
편집 및 브로드캐스트
곡예발레
많은 사람들의 마음 속에서 발레는 왕자와 공주 사이의 슬픈 사랑, 차이코프스키의 불후의 음악, 발끝에서 튀어나온 고귀한 춤 동작이다. 이렇게 많은 버전의 백조호를 보고 국민들이 자신의 지혜로 이 발레 고전을 재해석하기 시작하면서 서커스 발레' 백조호' 가 탄생했다. 무대의 속박에서 벗어나는 것은 서커스 발레의 가장 큰 돌파구인 것 같다. 배우는 두 다리를 해방시켜 더 복잡한 동작을 할 수 있다. 예를 들어, 와이어 발레에서는 한 무리의 원숭이가 철사를 뒤척이며 앞으로 뛰어올라 발레의 자연스럽고 발랄하고 귀여운 모습을 보였다.
곡예사의 몸매가 발레리나보다 더 부드러워 더 많은 신체제한을 돌파할 수 있기 때문이다. 그들은 내부 원을 둘러싸고 왕자 마차의 바퀴 역할을 할 수 있다. 그들은 나무에 감겨 뱀춤 발레를 할 수 있는데, 마치 뱀이 유연술을 추는 것과 같다. 그들은 트램펄린으로 파도가 용솟음치는 바다를 표현할 수 있다. 롤러 스케이트 백조 발레 그룹 댄스, 전통적인 발레보다 더 부드러운 발걸음 때문에, 또한 속도의 변화로 인해 차이코프스키의 밝고 컴팩트 한 멜로디와 더 정확하게 일치하여 청중에게 강한 시각적 충격을 주었다.
곡예발레극' 백조호' 는 세계적으로 유명한 동양백조인 상대의 정상에서 취재한 것이다. 세계 곡예사 최고상인 모나코 몬테카를로 국제곡예대회' 금광대상' 을 수상한 이 프로그램은 전 극의 주선이 되어 각각 2, 3, 4 막을 관통하며 난이도가 높은' 어깨 발레' 가 수천 번의 박수를 받았다. 어깨 발레' 란' 백백조' 가 안전조치 없이 가볍고 우아하게' 왕자' 의 어깨와 머리 위에서 춤을 추며' 왕자' 의 어깨와 머리 사이를 오가며 오르락내리락하는 것을 말한다.
곡예발레' 백조호' 의 랜드마크인' 어깨발레' 는 지난 6 월 13 일 스웨덴 의회의 초청에 따라 스웨덴 빅토리아 공주의 성대한 결혼식 파티에 등장했다. 곡예발레' 백조호' 에서 동양의 얼굴을 가진' 왕자' 와' 백백조' 가' 어깨발레' 에서 뛰어내렸을 때, 천의원활한 공연은 현장에 있던 스웨덴 왕실 구성원, 관원, 유럽 지도자들을 경탄해 결혼식 파티 전체에서 가장 긴 박수를 받았다.
발레
발레는 15- 16 세기 르네상스 전성기 이탈리아에 등장했고 예술가들은 고대 그리스의 예술 풍격을 모방하려고 애썼다. 최초의 발레 공연은 궁중 연회에서 거행되었다. 1489 년' 오르페스' 는 이탈리아의 한 작은 마을에서 밀라노 공작과 스페인 아라곤의 이다벨 공주의 결혼식을 축하했다. 당시의 공연 형식은 우리가 오늘 본 발레 공연과는 완전히 달랐다. 각 공연은 일반적으로 음식 제공과 관련이 있다. 예를 들면 모의 사냥 공연이 시작된 후 멧돼지를 먹는 것과 같다. 해신과 하신이 나타나 물고기를 먹기 시작했다. 그런 다음 많은 신화 인물들이 무대에 올라 많은 요리와 과일을 바쳤고, 결국 내빈들도 시끌벅적하고 흥청거리는 공연에 참가했다. 이것은 노래, 춤, 낭송, 연극 공연을 하나로 모은 공연 형식이다. 발레의 초기 형태라고 할 수 있는데, 후세 사람들은' 연회 발레' 라고 부른다