가장 핫하고 시선을 사로잡는 패션 일러스트가 여기 있습니다!
인기 패션 일러스트레이터 헬렌 다우니(Helen Downie)의 작품
패션 일러스트레이션은 베테랑 시각 커뮤니케이션 매체로서 새로운 시대에도 계속해서 발전해왔을 뿐만 아니라 다양한 새로운 표현 형태를 탄생시켰습니다. 다른 스타일로. 가장 인기 있고 눈길을 끄는 패션 일러스트레이터와 그들의 작품을 얼마나 알고 계시나요?
패션 일러스트레이션의 전성기
초기에는 패션 일러스트레이션과 패션 잡지의 전폭적인 협력을 통해 전성기를 맞이했습니다. 당시 잡지에서는 표지부터 표지까지 모든 것을 설명하기 위해 거의 예외 없이 일러스트레이션을 사용해야 했습니다. 당시 독자들은 절묘한 일러스트레이션을 통해 패션, 예술, 취향 등에 대한 정보를 얻었습니다. 당시 패션잡지와 패션일러스트는 서로 호혜적인 관계에 있었다고 할 수 있다.
하퍼스 바자(Harper's Bazaar) 잡지 표지
패션 일러스트레이션과 패션 브랜드의 충돌
디지털 시대에 사진은 잡지와 패션 브랜드의 시각적 소통의 주요 소스가 되었습니다. 출판물. 패션 일러스트레이션을 주요 홍보 매체로 하는 잡지의 시대는 끝났지만, 패션 일러스트레이션 산업은 잠들지 않고 끊임없이 새로운 방향으로 발전하고 진화하고 있습니다.
패션 일러스트, 패션 브랜드와의 콜라보레이션은 오늘날 발견된 가장 성공적인 새로운 길이다. 요즘 가장 화제가 되는 브랜드인 구찌는 협업을 위해 소셜 미디어에서 유명 일러스트레이터를 자주 검색합니다.
다음은 일러스트레이터 Helen Downie의 다채롭고 시적인 작품입니다. 이 극도로 전문적인 일러스트레이터는 실제로 전문적인 배경이 없는 주부라는 점을 언급할 가치가 있습니다. 그녀의 전설적인 경험과 그녀의 그림은 동시에 인터넷에서 인기를 얻었습니다. 또한, 그녀의 그림 스타일은 구찌가 주창하는 새로운 미학 컨셉과 놀라울 정도로 유사해, 브랜드 크리에이티브 디렉터는 그녀의 작품을 한눈에 반해 일련의 심도 있는 협업을 시작했다.
헬렌 다우니의 작품
엄마임에도 불구하고 그녀의 상상력 넘치는 작품은 언제나 소녀의 순수함을 드러낸다. 특히 그림 속 등장인물들의 크고 천진한 눈은 낯설고 유치함이 가득하다.
헬렌 다우니의 작품
그러나 구찌가 패션 일러스트레이터와 협업한 것은 이번이 처음은 아니다. 앞서 브랜드는 또 다른 일러스트레이터 알렉스 메리(Alex Merry)를 초대해 더욱 '예술적인' 콜라보레이션을 시작했습니다.
뉴욕부터 런던, 밀라노, 상하이까지 예술의 벽이 있는 도시들은 거의 하룻밤 사이에 알렉스의 창의적인 패션 일러스트레이션으로 가득 찼습니다. 이처럼 거대한 패션 일러스트를 선보이는 것은 드문 일이라 아트월 사진이 공개되자마자 인터넷상에서 큰 화제를 불러일으켰다.
알렉스 메리의 작품
이외에도 구찌는 일러스트를 활용한 제품도 제작, 판매해 관심 있는 모든 소비자가 해당 제품을 찾아 소장할 수 있도록 할 예정이다. 그들은 이러한 환상적인 이상적인 제품을 현실로 만듭니다. 반면, 로맨틱한 스타일의 패션 일러스트를 보면 패션 일러스트 스타일이 더 이상 단독적이지 않다는 것을 알 수 있다.
Alex Merry의 작품
패션 일러스트레이션과 브랜드 간의 국경을 초월한 협력을 이야기하면 프라다를 빼놓을 수 없습니다. 2018년 남성 봄, 여름 시리즈 전시회에는 일러스트레이터 제임스 진(James Jean)을 초청해 두 번째 콜라보레이션을 진행하며 그의 작품의 인기를 입증했다.
제임스 진(James Jean)과 올리버 슈라우웬(Oliver Schrauwen)의 작품
이번에는 제임스 진(James Jean)과 벨기에 그래피티 아티스트 올리버 슈라우웬(Oliver Schrauwen)이 팀을 이루어 전시 공간의 일러스트레이션을 제작했습니다. 그림 같은 작품을 보는 관객은 마치 생동감 넘치고 흥미로운 만화 한 페이지를 보는 듯한 느낌을 준다.
동시에 작가는 프라다를 위해 같은 스타일의 일러스트 프로모션 영상도 특별히 제작했다. 제임스의 멋진 일러스트레이션 스타일과 프라다의 미래지향적인 패션 스타일이 결합되어 서로를 보완합니다.
제임스 진의 작품
같은 해 프라다 여성복 패션쇼에서도 브랜드는 패션 일러스트레이터들과 손을 잡았다. 이번 콜라보레이션에는 Stellar Leuna, Trina Robbins, Brigid Elva, Joelle Jones, Giuliana Maldini, Natsume Ono, Emma Ríos 및 Fiona Staples 등 8명의 여성 일러스트레이터가 초대되었습니다.
쇼 공간의 벽 작품을 공동 제작하는 것 외에도, 그들의 일러스트레이션 작품을 새 시즌 패션 시리즈에 완벽하게 접목시켰습니다. 그들의 코믹한 작품은 패션에 활력을 불어넣는 동시에 패션일러스트의 스타일화 가능성도 높여준다.
오늘날 패션 일러스트레이션은 더 이상 규칙을 따르지 않습니다. 기꺼이 종이에 펜을 대는 한 누구나 자신만의 일러스트레이션을 만들 수 있습니다.
그레이스 코딩턴의 작품
패션 일러스트레이션의 선구자
패션 브랜드와의 국경을 초월한 협력 외에도 독자적인 창작을 고집하는 전문 패션 일러스트레이터도 있습니다. . 일러스트레이션의 기본적인 기법을 익히면서 패션 일러스트레이션의 회화 형식을 확장, 탐구하고 자신만의 스타일을 찾아냈습니다.
선구적인 패션 일러스트레이터 벨윈 요시(Velwyn Yossy)가 독특한 작품 시리즈를 탄생시켰습니다. 작품 속 등장인물들의 부드럽고 깔끔한 선과 과장되지만 적절한 전체적인 비율에서 그가 늘 모더니즘의 미학적 개념을 추구해왔음을 엿볼 수 있다.
Velwyn Yossy의 작품
또 다른 떠오르는 스타 패션 일러스트레이터인 Ernesto Artillo는 패션 일러스트레이션을 보다 추상적인 방향으로 확장했습니다. 그의 독특한 시각적 표현 기법은 패션 일러스트레이션 표현 방식에 대한 대중의 전통적인 이해를 깨뜨립니다.
그의 최근 초현실주의 작품 중 일부는 움직임과 고요함, 가상과 현실을 결합하여 핸드 드로잉과 콜라주를 사용하여 일러스트레이션의 시각적 효과를 무한히 증폭시켜 패션 일러스트레이션에 약간의 정적인 스타일을 부여합니다. 추진력의.
에르네스토 아르틸로의 작품
그의 창작 작품은 오랫동안 주요 잡지에 연재될 뿐만 아니라 전 세계적으로 자주 전시되고 있습니다. 에르네스토 아르틸로(Ernesto Artillo)는 "내 작품을 볼 때 여유로움과 설렘을 느꼈으면 좋겠다. 일상에서도 마찬가지다. 균형과 기존 상태를 깨뜨릴 수 있는 방법을 찾아보겠다"고 말했다. 에르네스토 아르틸로
패션 일러스트레이션의 황금기는 지나갔지만, 패션 일러스트레이션이 여전히 패션 분야에서 자리를 차지하고 높은 예술적 가치로 가득 차 있다는 사실은 부인할 수 없습니다.
패션 일러스트레이션은 비즈니스와 예술을 완벽하게 결합할 수 있는 몇 안 되는 산업 중 하나로, 대중적인 일러스트레이션 작품의 지속적인 등장으로 패션 일러스트레이션이 계속해서 발전할 가능성이 높아졌습니다.
제임스 진의 패션 일러스트레이션 작품
가장 인기 있고 눈길을 끄는 패션 일러스트레이션 작품을 이해한 후에는 누구나 펜을 들고 패션 일러스트레이션의 새로운 길을 모색해 볼 수 있습니다. 다음 인기 프라이드치킨은 바로 당신일지도 모릅니다.
훌륭한 리뷰:
[편집자, text/Chen Zhuo] 패션 일러스트레이션: 500년 된 "패션의 악마" 패션 일러스트레이션은 당신 이후 거의 500년 동안 존재해 왔습니다. 옷이 있으면 옷을 디자인하는 아이디어나 이미지를 패션 일러스트레이션으로 바꿔야 합니다. 이 시각적 형태는 일러스트레이션, 드로잉, 회화에서 유래되었으며 "패션 드로잉"이라고도 알려져 있습니다. 패션 디자이너들은 종이나 디지털 방식으로 브레인스토밍을 하기 위해 주로 '패션 스케치'를 사용하는데, 디자인에서의 주요 역할은 실제 옷을 재봉하기 전에 최종 결과를 미리 보고 시각화하는 것입니다. 다음으로 500년의 역사를 지닌 '패션의 악마' 패션 일러스트레이션의 역사적 발전 과정을 단계별로 살펴보겠습니다. 1. 패션 일러스트레이션의 시작 패션 일러스트레이션은 16세기에 세계적인 탐구와 발견이 세계 여러 나라 사람들의 옷에 매료되면서 시작되었습니다.
변화에 대한 두려움과 이러한 발견으로 인한 사회적 불안에 맞서 싸우는 데 도움이 되도록 다양한 사회 계층과 문화에 적합한 것이 무엇인지 설명하는 책이 인쇄되었습니다. 1520년에서 1610년 사이에 200개 이상의 판화, 동판화, 목판화 컬렉션이 출판되었으며, 여기에는 특정 국적이나 계급의 복장을 한 인물 패널이 포함되어 있습니다. 이는 최초의 의류 일러스트레이션이자 현대 패션 일러스트레이션의 원형이었습니다. 이러한 일러스트레이션은 드레스 디자이너, 양장점 및 고객이 새로운 디자인에 영감을 주기 위해 사용될 가능성이 높습니다. 17세기 예술가 Jacques Callot와 Abraham Bosse는 둘 다 현대 조각 기술을 사용하여 시대 의상과 의상의 사실적인 세부 묘사를 만들었습니다. 이 정기 간행물은 1670년대 프랑스와 영국에서 시작되었으며 최초의 패션 잡지로 간주되며 Le Mecure Gallant, The Lady's Magazine, La Gallerie des Modes, Le Cabinet des Modes 및 Le Journal des Dameset des Modes가 포함됩니다. 이 기간 동안 최신 패션 뉴스를 접하고 싶어하는 여성 독자들이 점점 늘어나는 시장에 대응하여 정기간행물의 출판 수가 증가했습니다. 18세기 말과 19세기 초가 되어서야 남성 스타일의 일러스트레이션이 여성 일러스트레이션만큼 중요해졌습니다. 2. 19세기 패션 플레이트 패션 플레이트는 18세기 후반에 전면에 등장하여 파리에서 크게 유행했으며, 이 시기 나폴레옹 1세 시대에는 호레이스 베네의 『인크로이블세트 메르베유즈』, 조르주 자크 가르댕 등의 출판물이 출판되었다. period Georges-Jacques Gatine이 조각한 일련의 수채화 패션 사진이 한동안 유명해졌습니다. 패션의 중재자로서의 프랑스의 위치는 국내외에서 패션 일러스트레이션에 대한 지속적인 수요를 보장했습니다. 패션 의류에 대한 이러한 관심과 이에 대한 접근이 점점 더 광범위해지면서 19세기에는 150개 이상의 패션 정기 간행물이 발행되었습니다. 이 매우 상세한 패션 일러스트레이션은 패션 트렌드에 대한 정보를 포착하고 일반적인 양재 지침을 제공합니다. 오트쿠튀르도 이 단계(1860년대)에 등장했는데, 패션 하우스에서는 디자이너가 실제 모델에 천을 걸고 있는 동안 디자이너와 직접 작업할 일러스트레이터를 고용하여 새로운 디자인을 스케치했습니다. 또한 완성된 컬렉션의 각 디자인에 대한 일러스트레이션을 제작하여 고객에게 보낼 수도 있습니다. 19세기 말에는 수작업 컬러 인쇄가 풀 컬러 인쇄로 대체되었습니다. 패션 패턴은 두 개의 인물을 사용하기 시작했으며 그 중 하나는 뒷면이나 측면에서 볼 수 있으므로 의류를 더 많은 각도에서 볼 수 있어 복사가 더 쉬워졌습니다. 19세기 일러스트레이터들의 초점은 정확성과 디테일이었습니다. 시청자에게 포괄적인 정보와 지침을 제공하기 위해 정적 이미지 규칙을 준수합니다. 3. 20세기 패션 잡지와 일러스트레이션 20세기 초반, 현대적 의미의 패션 일러스트레이션이 처음으로 꽃을 피웠습니다. 최신 패션 스타일을 유통하는 일이 점점 수익성이 높아지면서 패션 일러스트레이터라는 직업이 직업이 되었습니다. 이전에는 개인 예술가의 작품이었던 패션이 이제 하나의 산업이 되어 전례 없는 양의 새로운 상품을 생산하여 백화점 진열대를 가득 채우고 있습니다. 이 상점들은 쇼핑 문화라는 이름으로 새로운 오락을 발명했습니다. 1912년부터 1925년까지 발행된 프랑스 명품 잡지 Gazettedubonton은 패션 해석에 있어서 전례 없는 자유를 부여받은 젊은 예술가 그룹을 모았습니다. Iribe는 Charles Martin, Eduardo Garcia Benito, George · George Barbier, Georges Lepape 및 Umberto Brunelleschi를 포함한 유명한 출판물에 기여한 패션 일러스트레이터 중 선도적인 인물이었습니다.
그들이 Gazette를 위해 제작한 접시는 일본 목판화의 영향과 아르데코 스타일의 새로운 변형을 보여주었습니다. 미국에서는 대중 패션 잡지인 보그(Vogue)와 하퍼스 바자(Harper's Bazaar)가 현대 의류뿐만 아니라 사교 행사의 트렌드를 다루고 있습니다. Harper's Bazaar는 1915년부터 1938년까지 지속된 천재 Erte와 독점 계약을 체결했으며 이는 출판 역사상 가장 긴 계약 중 하나였습니다. 1910년부터 제2차 세계대전이 발발할 때까지 보그(Vogue) 잡지는 항상 표지에 삽화를 실었습니다. Vogue의 초기 표지에는 미국 일러스트레이터 Helen Dryden, George Wolf Plank, Georges Lepape, F.X. 제1차 세계대전 이후에는 Eduardo Benito, Charles Martin, Pierre Brissaud, André Mars AndreMarty를 포함한 유럽 예술가들이 합류했습니다. 4. 패션 일러스트레이션의 황금기 1920년대와 1930년대는 패션 일러스트레이션의 '황금기'를 상징했습니다. 모든 상업 예술가는 패션 예술가로 간주되며 유능한 초안가입니다. 많은 사람들이 직물의 질감과 광택, 심지어 무게까지 권위와 확신을 가지고 표현할 수 있습니다. 사진과 인쇄 분야의 새로운 기술 발전으로 인해 잡지 페이지에 사진이 직접 복제되기 시작했는데, 이는 패션 그래픽이 더 이상 현대 생활을 대표하지 않는다는 것을 의미합니다. 1930년대 초에는 사진이 잡지에서 선호되는 선택이 되기 시작했으며, 1936년 보그(Vogue)는 사진 표지가 더 잘 팔리고 삽화가 내부 페이지에 포함되기 시작했다고 보고했습니다. 1929년 주식 시장 붕괴 이후 경기 침체로 인해 미국 패션 산업은 파리 패션에 덜 의존하게 되었습니다. 전쟁 기간 동안 미국의 의류 제조는 대량 생산 방법을 개선하고 사이즈를 표준화하는 등 큰 발전을 이루었습니다. 중산층 여성들은 저렴한 가격에 최신 패션 디자인을 구입하기 위해 숙련된 재봉사에게 의존했고, 보그(Vogue)나 여성 저널(Women's Journal)과 같은 잡지에서는 홈 양복 제작자에게 매우 귀중한 패턴을 출판했습니다. 보그 매거진의 주요 목적은 독자들에게 패션을 최대한 많이 보여주는 것인데, 사진은 일러스트레이터가 의복을 정확하게 기록할 필요에서 벗어나 패션 의복을 해석하는 경향이 더 큽니다. 잡지 발행인에 따르면, “예술가들은 주로 흥미로운 회화적, 장식적 효과를 얻는 데 관심이 있었고, 따라서 1940년대 후반 디올의 작품을 충실하게 전달하는 모든 것에 부담을 느끼고 지루해했습니다.” 전후 패션 르네상스에 영감을 주었습니다. 여러 면에서 이는 미래를 기대하기보다는 과거로 되돌아가는 후퇴적인 스타일이지만, 보다 밝고 낙관적인 시대로의 회귀를 상징하기도 합니다. 5. 패션 일러스트레이션의 파괴와 부활 1950년대까지 패션 편집자들은 사진 편집 커뮤니케이션에 더 많은 예산을 투자했습니다. 이후 패션 사진작가가 유명인의 지위로 승격되면서 일러스트레이터는 기사를 제작하고 액세서리를 장식하거나 광고 캠페인에 참여하는 데에만 만족해야 했습니다. 1960년대 패션 일러스트레이션은 잡지 출판에서 계속해서 그 자리를 잃었고, 이러한 경향은 청소년 중심의 십대 잡지라는 새로운 범주에 반영되었으며, 그 중 다수는 1960년대에 출판되었으며 모두 일러스트레이션을 사진으로 사용했습니다. . 이 기간 동안 Vogue에 정기적으로 등장한 유일한 아티스트는 Women's Wear Daily에서 경력을 시작한 Antonio Lopez였습니다. 패션 일러스트레이션은 20세기 후반 생존을 위해 분투하다가 1980년대에 다시 부활했습니다. 새로운 세대의 예술가들은 La Modeenpeinture(1982), Conde Nast의 Vanity(1981) 및 Visionaire(1991)와 같은 잡지에 소개되었습니다.
이러한 부활은 광고 캠페인, 특히 1993년부터 1996년까지 진행된 Barney의 뉴욕 광고 캠페인에 기인합니다. 6. 오늘날의 패션 일러스트레이션은 순수미술과 상업미술의 중간에 위치하며, 최근 패션 일러스트레이션이 중요한 장르로 재평가되고 있습니다. 아름다움과 우아함은 패션과 예술 모두에서 시대에 뒤떨어진 시대가 되었기 때문에 패션 일러스트레이션은 때때로 이전 시대로의 회귀처럼 보일 수 있습니다. 사진은 의복의 세부 사항을 기록하는 데 매우 능숙하므로 일러스트레이터의 초점은 더 이상 의복의 정확한 표현이 아니라 의복과 가능한 착용자를 설명하는 데 중점을 둡니다. 20세기 후반과 20세기 초반에 디지털 도구와 소셜 미디어 플랫폼을 활용하여 다양하고 독특한 예술적 스타일을 발전시켰습니다. 1990년대에는 선구적인 일러스트레이터인 Ed Tsuwaki, Graham Rounthwaite, Jason Brooks 및 Kristian Russell이 컴퓨터 그래픽 분야에 등장하기 시작했습니다. 이 시기에는 컴퓨터 디자인 프로그램인 Adobe Photoshop과 Illustrator가 등장하고 전통적인 예술 기반 패션 일러스트레이션이 부활했습니다. 뉴욕의 파슨스 디자인 스쿨(Parsons School of Design)과 FIT 스쿨(FIT School)은 패션 과정의 전용 요소로 일러스트레이션을 제공하기 시작했습니다. 손으로 만든 "전통" 일러스트레이션은 르네상스를 누리고 있으며, 패션 일러스트레이터들은 종종 스타일 영감을 얻기 위해 과거의 거장들을 돌아봅니다. 고전적인 방법을 기반으로 한 패션 일러스트레이션은 보다 현대적인 프로세스로 만들어진 패션 일러스트레이션을 성공적으로 보완했습니다. 최근에는 패션 디자이너와 일러스트레이터의 협업을 통해 일러스트레이션이 인기를 얻고 있습니다. 소셜 미디어를 활용하면서 패션 일러스트레이터들이 주목을 받기 시작했습니다. 세련된 일러스트레이션은 생동감 넘치는 색상, 복잡한 패턴, 끝없는 개성으로 가득 차 있어 지속적인 인상을 남깁니다. 일러스트레이터들의 그림 비법이 담긴 무료 선물 패키지를 받고, 전 세계 상업 일러스트레이션 가격 동향을 알아볼 수 있는 공식 계정 "Painting Practice"에 오신 것을 환영합니다. 복사에 매우 적합한 애니메이션 캐릭터의 손으로 그린 스타일은 무엇입니까?
손그림을 좋아하는 친구들 중에는 자신이 좋아하는 애니메이션 캐릭터가 있는데 왜 이런 말을 하시나요?
그렇다면 당신이 따라하고 싶은 애니메이션 캐릭터의 스타일은 무엇인가요? 살펴보자!
일반적으로 제가 카피하는 애니메이션 캐릭터는 비교적 단순한 선을 가지고 있는데, 친구와 함께 그림을 배울 때 색칠하지 않고 간단한 애니메이션을 찾아달라고 부탁했는데, 이렇게 애니메이션 캐릭터는 상대적으로 배우기 쉽습니다. , 그들의 표정과 움직임은 비교적 단순합니다.
그리고 손그림을 좋아하는 여자아이들은 일반적으로 남자 애니메이션 캐릭터를 좋아하고, 남자아이들은 손그림을 좋아하는 여자 캐릭터를 좋아하는 경향이 있습니다. 또한, 기본적인 손그림을 하고 싶은 분들은 Q 버전을 선호하는데, Q 버전이 상대적으로 그리기에 가장 좋고, 2단계는 캐릭터에 관한 것이어야 하고, 특히 위에서 언급한 것처럼 남자아이들은 여성 애니메이션 캐릭터를 따라하는 것을 좋아합니다. 여자들은 남자 애니메이션 캐릭터를 따라하는 걸 좋아해요. 좀 더 높은 레벨의 핸드페인터들은 일러스트레이션 부서에서 캐릭터를 선택하여 그림을 그리게 되는데, 이는 캐릭터와 창의성, 장면이 결합된 것입니다.
카피를 하는 후배 핸드페인터들은 선이 더 선명하고 구조가 또렷한 것을 고를 것입니다. 일부 선화와 마찬가지로 선이 명확하고 구조가 단순하며 드로잉 관점이 평면적이므로 핸드 드로잉 초보자에게 매우 적합합니다.
일반적으로 핸드페인팅을 좋아하는 사람은 이런 스타일을 갖고 있어요. 사실 사람마다 좋아하는 스타일이 있을 텐데요. 더 순수한 스타일을 좋아하는 사람도 있고, 더 어두운 스타일을 좋아하는 사람도 있을 텐데요, 더 폭력적인 것을 좋아하는 사람도 있습니다.
그래서 애니메이션 캐릭터를 카피할 때는 어떤 스타일을 좋아하는지에 따라 다르지만, 전제는 손그림 실력이 별로 좋지 않다면 추천한다는 것입니다. 처음부터 간단하게 시작하려면 페인팅을 시작해 보세요.